Wégimont Culture

Illustration et bande dessinée

2025-09-10T12:04:57Z

À la galerie du cinéma Churchill
Du 30 juin au 28 septembre 2025

Deux sections de l'ESA Saint-Luc, Illustration et Bande dessinée, une seule exposition !

David Ghaye, Bac 2 BD, Errances, 2024, risographie

Il y a là comme une évidence tant ces disciplines sont proches. Le dessin bien sûr ! En noir
et blanc, en couleur, au pinceau, tramé, ombré, à la plume, au crayon gris ou de couleur, au Bic, à l'encre, à l'aquarelle, au fil, au feutre, à l'aide d'une tablette graphique… Mais aussi, et peut-être même surtout, la narration. Les outils et les techniques diffèrent mais toujours avec cette volonté commune et irrépressible de raconter, émouvoir, distraire, faire rire, sensibiliser, surprendre, tisser des liens… Si la sororité de ces deux disciplines est indéniable, elles ne sont pas jumelles pour autant. La perméabilité des frontières entre l'illustration et la bande dessinée n'occultent pas les spécificités de chacune d'elles et cette exposition est une magnifique occasion de les mettre en lumière. L'illustration, par sa faculté à aimanter l'œil, couvre un large domaine. Qu'elle soutienne un recueil poétique, une manifestation culturelle, le conditionnement d'un jeu, une couverture de livre ou de magazine… elle se fait complice, séduit, attire, inspire. Mais là où l'illustration trouve son plus beau compagnonnage, c'est dans le domaine de l'album où elle enrichit et fait résonner les mots.

« Le livre est mon outil et je l'interroge » [1]

Qu'on ne s'y trompe pas ! Si l'image illustrée aime la beauté, elle s'est émancipée aujourd'hui de la facture classique d'antan et des dictats du « beau dessin ». Quelques traits suffisent parfois à exprimer avec force de grandes idées. Son charme agit par la vibration d'une couleur, l'association de matières ou encore le sensible d'une technique. Dans son carnet de recherche, l'illustrateur·trice cherche son langage. Patiemment, il-elle construit, interroge, jongle, dose, ose pour donner à voir, à entrevoir, à s'émouvoir et parfois même à réfléchir. La ligne claire, les gros nez, le réalisme, l'heroic fantasy, le comics, le manga, le roman graphique, la bande dessinée, pur imaginaire ou ancrée dans le réel, interpelle le lecteur, le questionne, le prend à témoin, l'in- forme, le surprend, le distrait, avec drôlerie ou sérieux.

« Intimité, simplicité, authenticité » [2]

Art séquentiel tel que défini par Will Eisner, la bande dessinée raconte
à partir d'images et de mots, alterne les pleins et les vides, donne l'illusion du continu dans le discontinu, s'amuse et s'étonne des cases fantômes. Inspirée, adaptée, héritière ou émancipée de ses modèles, novatrice ou classique, distrayante ou réflexive, bien souvent savourée imprimée, la bande dessinée, d'aventures ou introspective, est une écriture qui s'apprend et qui donne à voir le monde, à l'imaginer. Des cases, avec cadre et sans cadre, des strips, des planches, des gaufriers. Des dessins, tremblants ou hachurés, stylisés, complexes, simples ou virtuoses, moches, séduisants, élégants, grossiers. Des Grrr, haaaa, pouet pouet, plouf, glou glou glou. Des bulles. Du rythme, de la surprise, du mystère, une invitation à tourner la page… L'alchimie opère sans grand spectacle, sans budget hollywoodien, avec discrétion et de soi à soi. “Raconter un récit en bande dessinée du début jusqu'à la fin et que ce soit lisible par tous, que les étudiants soient les plus professionnels possible au niveau de leurs dessins et de leurs manières de raconter.” [3] Il ne faut pas avoir peur, le dessin s'acquiert. Il ne faut pas se poser de question et foncer, oser aller vers, on en apprend à travers le dessin des autres. Le dessin nous offre un éventail extraordinaire de possibilités.

« Aucune image n'est immédiate, toutes sont dans le loin, le tôt, le proche ou le tard. » [4]

Les travaux présentés ici sont issus des deux sections et des trois années de formations. Les enseignants ont sélectionné une panoplie de réalisations suffisamment variées pour laisser deviner le champ des possibles des deux disciplines et installer doutes, sur- prises et questionnements. La formation proposée à l'ESA offre la possibilité de toucher à différentes techniques, outils et moyens d'expression. Au contact des nombreux professionnels venus rythmer le cursus par le biais de rencontres et de workshops, les étudiants nourrissent leur démarche au contact des auteur.e.s dont le point de vue est personnel et singulier. L'école accueille souvent des étudiant.e.s d'horizons très différents et une formation artistique n'est pas indispensable pour démarrer.
En revanche, le moteur indispensable sera la passion curieuse, l'ouverture d'esprit, l'engagement et l'envie d'apprendre.
Les travaux présentés dans cette exposition sont en cheminement. Ils ne sont pas parfaits et ne correspondent peut-être pas tout à fait à l'idée que vous vous faites de ces disciplines. Ils reflètent néanmoins la diversité et la sincérité de parcours engagés et assumés où le rêve, l'intime, l'étrangeté et l'aventure sont encore de mise.

Francine Zeyen, Frédéric Hainaut et Pierre Colin

[1] Anne Herbauts, La tête dans la haie - dialogue avec Frédérique Dolphijn - éditions Esperluète

[2] Emma Dexter, extrait de la préface de Vitamine D : Nouvelles Perspectives en Dessin, éditions Phaidon, 2006

[3] Philippe Sadzot dit Fifi, extrait d'une capsule vidéo visible sur le site de Saint-Luc

[4] Jacques Prévert, Imaginaires, Skira, 1970

Nadine Fabry

2025-05-03T08:59:52Z

« L'art, et rien que l'art !
C'est lui qui nous permet de vivre, qui nous persuade de vivre, qui nous stimule à vivre.
L'art a plus de valeur que la vérité ».

Friedrich Nietzsche

À la galerie du cinéma Churchill
Du 28 avril au 29 juin 2025

Nadine Fabry

Dans un atelier perché sur les hauteurs du Condroz liégeois, se trouve l'antre de Nadine Fabry. Une ancienne ferme avec des étables, un potager, des poules, une grange à foin et Bloche, un sympathique bouvier bernois. L'atelier domine les champs et regorge de trésors, peintures, sculptures, livres et travaux d'élèves. Il fait calme etnature dans cet environnement rural et tout respire la liberté et l'accueil. Les passions de Nadine sont innombrables et son ouverture au monde émerveille par sa pugnacité et sa force vitale.

Née dans une famille d'artistes, elle porte cette hérédité forte avec enthousiasme comme une forme d'énergie de vie. Ses parents l'ont encouragée à peindre, l'amenant tous les mercredis dès l'âge de 11 ans dans l'atelier de Paul Daxhelet, et l'image forte de son enfance est celle de sa grand-mère paternelle, Lucy Fabry (peintre de l'École liégeoise du paysage, disciple de Richard Heintz), artiste sensible dont Nadine parle avec émotion. Car c'est Lucy Fabry qui, veuve très jeune, fit l'acquisition juste avant la Guerre d'une maison à Stoumont, dominant la tumul- tueuse Amblève, lieu de toutes les créations sur le motif, que la famille rejoignait par la vallée et qui aujourd'hui encore est le berceau de l'inspiration de Nadine ; son refuge, une simple cabane, à la lisière d'un bois d'où elle contemple les couchers de soleil sur les vallons et villages voisins.
C'est à une peinture naturaliste que nous invite Nadine Fabry, faite de bois, de brou de noix, de fusain et d'encres, une peinture profondément ancrée dans l'humus des sous- bois, le silence des clairières, à l'écoute de la faune et dans l'espoir de la rencontre d'une laie et ses petits. On marche à pas feutrés et discrets dans cette campagne ardennaise, les seuls bruissements des feuillages et craquements de feuilles et branchilles accompagnent un errement salvateur et purifiant. Oui, l'Ardenne et le retour aux sources sont profondément ancrés en elle ; celle des collines boisées et de la Fagne de Spa, est le sujet du travail qu'elle nous invite à découvrir à la galerie du Churchill, comme une méditation profonde sur l'im- portance de la connexion à la terre.
On connaît de Nadine Fabry toute une palette de talents : peintre, illustratrice, dessinatrice dont les croquis de nus furent à la base de nombreuses compositions, directrice du CEC Atelier Graffiti, organisatrice de nombreux stages et formations en arts plastiques pour enfants et adultes, elle a abordé toutes les techniques en arts plastiques et continue à dispenser ses conseils et sa pratique à des adultes.
Et puis, comment ne pas évoquer son talent d'écriture ?
« Écrire, c'est l'idée de quelque chose à raconter qui m'emmène au fil du récit sans savoir où cela me mène…. », dit-elle. Elle attache beaucoup d'importance au travail d'écriture, qu'il s'agisse de ses albums pour enfants ou de ses romans, dont le dernier Nanas raconte une histoire de nanas, de celles qui gravitent autour d'elle, ses filles et petites filles, et des différentes femmes qu'elle fut, toujours avec l'âme de cette enfant volontairement différente, de la jeune fille indépendante et créative, imaginative et résiliente, qui explosait les barrières familiales, en recherche de sens et de décou- vertes. On sent l'aventurière, l'adolescente rêveuse et révoltée, la femme accomplie par ses maternités et son métier, les joies et les doutes, la mère et la grand-mère proche et soucieuse, bref, là où chaque personnage nous ramène à elle, à ses combats, à son identité fière.
Et dans ce tourbillon de vie et de créations, l'Ardenne l'apaise.
C'est un tout nouveau projet, bel opuscule intitulé L'aube du bois, écrit et illustré par ses soins et publié aux éditions Le Caïd, qu'elle présente à l'occasion de son exposi- tion. J'aime reproduire ici quelques lignes de Nanas, son roman qui nous emmène au Mexique, le pays de
la couleur et de la créativité : « …Une porte se ferme, une autre s'ouvre : la municipalité de San Cristobal lui a commandé une fresque murale. Et là, il rêve, cherche une idée. Exprimer oui, mais quoi ? Ce grondement sous sa peau comme un feu de tourbe. Peindre. Crier la puissance du vivant. Oui. C'est ça. Hurler la vie sauvage. Honorer la fascinante beauté des animaux qui y vivent. On y est. Laisser venir et il ne restera plus qu'à réaliser. Il la voit cette gigantesque tête de jaguar dans le feuillage luxuriant, et un peu partout parmi les formes , il tracera des motifs, des symboles, des glyphes, tous ces signes oubliés, transformés et redécouverts. L'art, n'est-ce pas manipuler les traits, les signes, les formes et les couleurs, pour changer les consciences ? ... » (Nanas, Éditions Chat Ailé, 2024, p.259)
Nadine Fabry n'a pas fini de nous emmener en voyage, c'est une sacrée nana….

Cécile Dumortier

Extraits de L'aube du bois

« Et moi toujours moi dans une cabane de bois à l'aube du bois un tas de bois pour la flamme mes rêves de feu mes godasses fatiguées mes envies de cailloux foulés de rus enjambés de vent furibond mèches rebelles sous mon bonnet de laine et ces fades re- lents de métamorphose de crottes animales d'herbes écrasées d'écorces ambrées de tourbe noire d'épicéas abattus de mycélium de pierres de schiste et puis ces surprises de bruits furtifs dans mon dos la bergeronnette perchée et l'orvet serpent de verre sitôt aperçu aussitôt disparu ».
« Et là tout au bout l'horizon plan ultime d'un possible tableau ligne qui sépare le haut du bas et qui même souvent les réunit les englobe comme l'encre dans la marre à s'y perdre s'y noyer oui à l'immensité com- ment dire l'immense mariage des gris des bleus des roses ouatés et ces restes de vie abandonnés dans les plis des collines ces pourritures d'écorces de souches de poils de plumes et d'os ces creux tempérés cernés de taillis ces coins de sommeil pour le vent égaré pour la bête hagarde mulot lièvre ou le cerf et sa harde ou qui sait peut-être un loup ».

Roland Castro

2025-03-03T09:27:31Z

Galerie Churchill, du 10 mars au 27 avril 2025

Regard inversés

C'est en tant qu'élève de Roland Castro et en collaboration
avec Marie son épouse que je voudrais évoquer ici le travail et la démarche de Roland dans le cadre de l'ex- position qui se tiendra à la galerie du cinéma Churchill. Cette présentation se fera en deux temps.

Roland Castro, Ruelle, 2005

Tout d'abord, je parlerai des souvenirs du professeur et de son enseignement, de sa méthode pédagogique. En- suite j'aborderai son travail de photographe, de cher- cheur sur la pratique de l'image et des tirages ainsi que du provocateur d'accidents photographiques.
Il y avait d'abord l'homme et ensuite l'enseignant. Mes premiers souvenirs, le regard de Roland, sa voix, son calme… Roland a toujours voulu donner, partager, faire de ses étudiants des personnes se posant des questions sur l'art, la photographie, le sens à donner à un travail. L'enseignant poussait les étudiants à donner du caractère à l'image, à réfléchir sur comment l'imprimer et à quel format. Sans insister, mais en donnant et en posant les bonnes questions, Roland faisait et donnait confiance aux jeunes que nous étions. Il a toujours sou- tenu et défendu les travaux des élèves tant que ceux-ci savaient expliquer la démarche et pouvaient ainsi conti- nuer à évoluer dans l'univers des arts. Par des exemples donnés, des rencontres organisées, des échanges, il ouvrait toujours des pistes de réflexions pour permettre à chacun de poursuivre sa pratique artistique, sa dé- marche, son écriture, son regard.
Il n'est jamais facile de parler du travail d'un artiste. Dans cette deuxième partie, je vais vous le décrire comme lui le percevait et nous le transmettait.
Le travail de Roland Castro est multiple. Au début de ce que j'ai pu voir et découvrir, il voyageait pour trouver des pierres, des parties d'édifices, des tranches d'histoire ou des rencontres fortuites. Avant de déclencher son appareil, il mimait un cadrage avec ses mains afin de donner un point de vue sur ce que l'image révélera par la suite. La lumière, la forme, les ombres sont les trois aspects essentiels lors de la prise de vue. Au moment du tirage, la recherche d'un noir intense et profond sera primordiale de façon à donner un aspect velouté à ses images réalisées selon le procédé à la gomme bichromatée. Si par exemple, le motif de la pierre peut sembler froide, cassante, tranchante, l'interprétation au laboratoire des images nous donnera à regarder une autre pierre transformée, une pierre nouvelle.
Roland aimait aussi “provoquer” les émulsions photosensibles, le papier, les techniques anciennes. Il cherchait à comprendre, à reproduire des erreurs pour mieux avancer dans son écriture artistique personnelle. La pratique de la photographie ne s'arrêtait pas à la prise de vue et au tirage. Roland allait chercher ce que le papier pou- vait rendre en tant que matière et support. Il composait des images sur support 2D, mais s'amusait aussi à les exposer sous un nouvel aspect, la 3D. Lors d'une visite d'une exposition, j'ai ainsi pu voir des coussins-images, où il avait réussi à transformer l'image en volume. Quelle audace, mais surtout, quel résultat ! Roland Castro était habité par le besoin de transmettre des images, des sentiments, des instants captés dans le viseur de son appareil photographique. Il aimait surtout faire réfléchir le spectateur par sa démarche de déstruc- turer le procédé pour mieux le comprendre et ainsi rendre visible ce qui ne l'était peut-être pas au départ.

Roland Castro, Ruelle, 2005

Un autre aspect de l'univers de Roland Castro est de conduire le spectateur dans les profondeurs de ce que la valeur du noir peut montrer. On peut y découvrir en fonction de la lumière des noirs chauds, des noirs froids. Il a aussi donné une vision moderne du portrait, ceux-ci ne sont visibles qu'après un temps d'arrêt. Roland ne met pas de limite à son écriture artistique, il ose le portrait à l'envers et presque sous le mode de la silhouette. On retrouve aussi cette manière de photographier, dans les compositions de façades de divers bâtiments, presque comme un contre-jour forcé. Les noirs, encore, sont bien présents et le cadre peut faire une rotation de 180° pour orienter le spectateur dans un nouvel univers. Celui-ci plonge alors le regard dans un cadre où la perspective peut désorienter le visiteur.
On trouvera une série de portraits en format panoramique vertical et la ville sous un angle personnel et abstrait. On n'identifiera pas toujours le sujet comme il apparait lors de nos rencontres visuelles, mais Roland cherchait avant tout à éveiller, réveiller le regard du spectateur, à faire en sorte que notre perception revienne à sa première fonction : lire sans code, sans préjugé, sans artifice. Les valeurs noires et blanches accentuent et dramatisent la profondeur des photographies, elles donnent à voir le sujet sans emballage, ni manipulation numérique.

Frédéric Materne

Le paradoxe de l'ombre

Roland Castro, Ombre, s.d.

La lumière est un phénomène naturel ; l'ombre est l'absence de ce phénomène. La lumière est ce qui fait exister les choses, c'est la vie ; l'ombre, c'est le vide, le néant, la mort. En photographie, le rapport s'inverse. La lumière c'est le blanc de la page, le rien. Et l'ombre, le noir, assure corps et matérialité à l'image. La photographie fixe la trace matérielle de l'ombre, c'est d'elle que jaillit la forme. Ainsi saisie, l'ombre furtive devient substance solide. Roland Castro s'est joué de ce paradoxe dans la série des Ombres. Tout en marchant, l'objectif orienté vers ses pieds, il a photographié son ombre portée sur le sol. Le traitement de l'image fait apparaître le modèle et son ombre comme deux ombres inversées se ren- voyant l'une à l'autre. La pointe du pied qui se soulève, le talon qui se pose sur le sol ne tiennent qu'à un point mais sont indéfectiblement liés. L'ombre agace son modèle, marche à ses côtés, le poursuit ou le précède. Mais le modèle, lui-même trace fantomatique, et son reflet ont la même densité et semblent réversibles. Ici encore, comme dans beaucoup d'autres œuvres de l'artiste, les papiers et textures superposés, enche- vêtrés, les noirs veloutés ou goudronneux confèrent une plasticité à l'ombre qui se fait corps sur le sol pavé ruisselant de lumière. L'ombre alors se redresse dans l'espace, l'occupe et le traverse. Son « propriétaire » a cédé la place. Impalpable, mouvante, évanescente dans la réalité, l'ombre se fait ici vérité, tels les personnages de Platon du Mythe de la caverne. Ne voit-on donc ja- mais que l'ombre de la vérité ? Son simulacre ?

Anne Gersten

Jean-Claude Salemi

2024-12-17T16:20:17Z

Dans le cadre de la Fête de la gravure et à l'occasion de la Triennale de Gravure qui se tiendra au Musée de La Boverie du 29 novembre 2024 au 16 mars 2025, l'asbl Wégimont Culture a souhaité s'associer une nouvelle fois à cette Fête de la gravure qui propose, à travers la ville et aux alentours, une vingtaine d'expositions. Lors de la dernière édition en 2022, Anne Leloup avait occupé les cimaises de la galerie avec une exposition de lithographies intitulée Nos abris, nos rivières. Pour cette nouvelle édition, place aujourd'hui aux linogravures en noir et blanc de Jean-Claude Salemi.

L'exposition

Les Chefs-d'œuvre gravés

À la galerie du cinéma Churchill
Du lundi 2 décembre 2024 au dimanche 23 février 2025
Prolongation jusqu'au dimanche 9 mars 2025
L'artiste sera présent le 2 décembre 2024, dès 16h

Il n'est pas fréquent qu'une institution culturelle, quelle qu'elle soit, parvienne à réunir dans une même exposition ce que d'aucuns considèrent comme les plus grands chefs d'œuvre de l'histoire de la peinture. C'est pourtant ce que se propose de faire Jean-Claude Salemi, artiste bruxellois protéiforme (graveur, illustrateur, graphiste, musicien… ) à la galerie du cinéma Churchill.
Doué d'un sens aigu de l'observation et d'un humour à la fois respectueux et espiègle, Jean-Claude Salemi nous invite à redécouvrir près d'une cinquantaine de tableaux, véritables jalons de l'histoire de l'art, inscrits dans la mé- moire collective et que nous croyons connaître. Il nous en restitue l'essence même au travers du prisme de son imaginaire et de ses questionnements d'artiste du XXI^e siècle. Comment ne pas s'interroger sur le regard qu'aurait porté Bruegel sur le monde d'aujourd'hui ? Comment aurait-il rendu compte des évolutions et des bouleversements de notre société ? Bruegel ou encore Vermeer, Manet, Matisse, etc… dont les images – c'est bien de cela qu'il s'agit – se retrouvent rassemblées au sein de cette exposition peu banale, exploration du monde gravé de Jean-Claude Salemi où, dépouillées de leurs couleurs, revisitées, agrémentées de petits détails saugrenus et judicieux, elles acquièrent une nouvelle présence, inattendue et éminemment jouissive. Un chauffe-eau chez David, des éoliennes chez Millet, un poste transistor chez Vermeer. Il y a de quoi sourire, en effet. Facétieux, Jean-Claude Salemi se glisse au sein même de l'œuvre, derrière les personnages, pour observer l'artiste au travail. Audacieux, il imagine des œuvres à quatre mains réunissant Manet et Magritte ou Picasso et Matisse.
Plus sombre parfois, il nous offre d'autres réinterprétations, d'ordre plus réflexif, qui nous ramènent à une actualité plus poignante et témoignent de réalités plus tragiques. Poétiques et politiques, pragmatiques et idéalistes, les images en noir et blanc de Jean-Claude Salemi vont à
l'essentiel et n'occultent en rien la qualité plastique des œuvres originales. C'est avec respect et une certaine humilité face à ces monstres sacrés de la peinture qu'il se permet de les revisiter et, malgré leur ‘actualisation', les œuvres restent instantanément reconnaissables.
Jean-Claude Salemi nous fait non seulement sourire ou ré- fléchir, il nous apprend également à regarder, à scruter, à lire les images, il nous donne également une furieuse envie de nous précipiter au musée pour regarder, scruter et lire les originaux autrement.

Alan Speller

Jean-Claude Salemi

Jean-Claude Salemi est né à Casablanca en 1950. Il étudie d'abord l'architecture à l'Institut Saint-Luc à Bruxelles, puis s'oriente vers la musique, joue de la guitare, conçoit des affiches pour des concerts de jazz, ainsi que des dessins humoristiques pour différents éditeurs. Avec Anne-Catherine Van Santen, il est le
co-fondateur en 1986, de l'atelier Razkas, collectif de graveurs et imprimeurs. Il réalise de nombreuses bandes dessinées et des pochettes de disques notamment pour Claude Semal ou Jacques Stotzem.
En gravure, il privilégie la technique de la linogravure, qu'il décline autour de sujets « déviés » tels que les musiciens, les coureurs cyclistes ou les chefs d'œuvre de la peinture.
Il vit et travaille à Bruxelles.

Pol Hurion

2024-09-09T09:18:24Z

À la galerie du cinéma Churchill
Du 30 septembre au 2 décembre 2024

Le dimanche 10 novembre 2024 de 16h à 20 h
Pol HURION vous propose un moment d'échange durant lequel il dessinera les personnes présentes.
Portraits au bic et peintures
Un dévernissage sera organisé le dimanche 1^er décembre 2024 de 16h à 19h00

Il pourrait se promener les dimanches matin sur la « Batte » à Liège. Observer les gens, entendre leurs langages, renifler leurs parfums. Il ne juge pas, il n'apprécie pas.
La « Batte » à Liège ? Non, il s'agit du travail photographique de Earthsworld 1 mais qu'importe. Ces personnages captés à l'autre bout du monde sont-ils différents de ceux que nous croisons tous les jours ? L'homme de la rue n'est-il pas le même partout, en proie au questionnement sur l'existence, les prévisions météo, les matchs de football ? Aussi peut-être le rejet de l'autre, l'accueil aux migrants, les bouleversements climatiques, ... ?

Un regard que l'on pourrait qualifier de tendre sur les êtres qu'il croise. Saisissant les défauts ou, mieux, le caractère d'un visage, c'est l'histoire de la personne qu'il retrace et réinvente. Sondant l'intime au plus profond de son image en gravant ses traits singuliers avec son bic bleu, Pol écrit un scénario de vie improbable, un parcours qui aurait pu exister dans une autre vie, une histoire autre de ces anonymes, les rendant « du coup » pitoyables ou admirables, selon le regard qu'il nous propose de poser. Car en nous plaçant en spectateur de ces vies, n'est-ce pas la nôtre qu'il nous met au défi de scruter face à ce miroir indiscret ? Face à notre questionnement, c'est la rencontre avec l'intime, le parcours personnel de chacun qu'il interroge.
Pas de caricature donc car la caricature est l'exaltation du trait, mais la trace qui façonne le portrait et entraîne l'histoire dans l'histoire. D'ici et d'ailleurs, joyeux ou pathétique, c'est le compte-rendu sans jugement d'une humanité quelque peu déboussolée qui veut croire encore à son possible bonheur.
Né à Dinant en 1975, formé à l'Institut Saint-Luc de Liège où il enseigne à présent, Pol Hurion poursuit un parcours orienté pleinement sur la pratique du dessin mais qui s'ouvre désormais sur des techniques plus élaborées laissant augurer un bel épanouissement de son travail de chercheur, explorant des moyens de mieux en mieux maîtrisés.

Jean-Paul Laixhay