Wégimont Culture

Paul Mahoux

2026-03-02T14:25:50Z

Commissaire : Dominique Mathieu

Du 13 avril au 28 juin 2026
Vernissage le jeudi 16 avril à 18h

Paul Mahoux

Paul Mahoux, un marcheur brouilleur de pistes

Paul Mahoux, Une nuit avec Moby Dick, pastel, A5, 2019 - 2024

Si Paul Mahoux n'avait pas été enseignant à l'Académie royale de Beaux-Arts de Liège, dessinateur et peintre, il aurait pu être archiviste, chroniqueur bibliothécaire ou bio- graphe. D'ailleurs, réflexion faite, n'était-il déjà pas tout cela à la fois ?
Se promener dans le réel pour le transformer, faire surgir l'intime en décodant l'histoire et les échos du monde, détourner le sens du temps qui fuit en y créant des correspondances, inverser les points de vue, fixer une émotion fugace, tout cela tisse, il me semble, le canevas d'une inspiration foisonnante dont les sources sont multiples.
Cependant, à l'inverse de certains, Paul Mahoux ne s'est jamais intéressé au passé en tant que tel, il ne part pas à sa recherche et si il le fige, c'est pour lui imaginer un futur à travers ses écrits, ses peintures, ses dessins, ses photos.
En me rendant chez lui pour préparer son exposition au Churchill, toutes ces idées me traversaient l'esprit. Nous avions souvent travaillé ensemble lorsque je m'occupais de la programmation artistique du Centre d'art contemporain « Les Brasseurs ». Paul y avait exposé une série d'œuvres où les couvertures de journaux « Le Soir » et « Libération » accrochées aux trois étages du bâtiment servaient de toile de fond à ses interventions picturales. Nous étions en 1998 …
Vingt-huit ans plus tard, même si nous nous sommes souvent croisés, c'est la première fois que je découvrais son nouveau havre, un petit appartement surplombant Liège avec une large part de ciel dont la lumière inonde des bibliothèques surchargées de bouquins, des étagères croulant sous le poids de ses collections d'archives, de projets, d'ouvrages auxquels il a participé. Il m'en sort quelques-uns et je m'installe dans sa cuisine, où je prends des notes en l'écoutant parler :
J'ai réalisé plusieurs projets avec Pascal Leclercq, poète et éditeur. Ensemble, nous avons notamment crée la revue littéraire et graphique « Boustro », un ovni créatif dont la liberté est la règle d'or. Karel Logist et Laurent Danloy étaient aussi de la partie.
J'ai également illustré certains de ses poèmes, publiés par Tetras Lyre. Pour son poème « Vous êtes nous serez vous sommes » où il brouille les règles grammaticales pour démontrer l'impossibilité et l'absurdité de tenter de cerner l'identité de quelqu'un, j'ai peint, à partir d'articles de journaux, des aplats aux couleurs de l'argile qui s'opposent à des masses bleutées, reflets des nuances de nos milliards d'écrans, le tout est traversé par la ligne blanche d'un cardiogramme qui s'emballe.
La terre, notre origine. Les bruits du monde. Moi, ce que je suis. Les autres… Toutes ces interférences m'intéressent, j'essaie d'y voir plus clair et ce n'est pas facile. Ma mémoire est un fouillis, elle ressemble à mes caves.
C'est peut-être pour cette raison que je me suis obligé, chaque jour, à laisser une trace, j'ai alors utilisé comme supports des agendas moleskine, en 2014, il était en noir et blanc, en 2020, je me suis autorisé la couleur.
La page de gauche était strictement utilitaire : dates d'anniversaire, rendez-vous, listes de courses… sur la page de droite, c'était un dessin, une peinture, un évènement, une phrase, je les compare à des flashs d'infos, à des news, ça part dans tous les sens.
Un peu plus tard, la même année, me dit-il, à partir du texte qu'elle venait de terminer et dont le titre était « 10 ans », Caroline Lamarche m'a proposé d'illustrer son récit par mes dessins. Elle souhaitait établir des parallèles et des croisements entre l'intime et l'universel à partir de deux pôles : l'évolution du désastre climatique planétaire et celle du drame qui avait frappé sa famille en plein cœur à la naissance de sa fille atteinte de mucoviscidose, maladie des poumons extrêmement grave et incurable à l'époque. Les médecins lui donnent dix ans à vivre…. Nous avons travaillé des heures et des heures ensemble, j'ai divisé son texte magnifique où elle se glisse dans la peau de son enfant, en petites bulles de pensées et de phrases qui évoquent sa course contre le temps, ses essoufflements, ses traitements, ses colères, ses rêves.
Comme toile de fond, j'ai dessiné des forêts, des arbres dont les ramifications me font penser à celles des poumons, eux aussi, ils sont fatigués, essoufflés, torturés. Cette petite fille et ces arbres suivent la même course contre le temps avec, parfois, l'espoir de résister à la disparition qu'on leur a prédit.
Épuisé par l'énergie que lui a demandé tous ses derniers travaux, la violence des thèmes abordés et certains évènements personnels, Paul décide alors de prendre l'air. Il marche. Chaque jour, il augmente ses kilomètres, son Gsm lui sert d'outil, il va prendre des photos partout, il cherche ce qu'il fait sans gouvernail, sans boussole.

Paul Mahoux, Une nuit avec Moby Dick, pastel, A5, 2019 - 2024

Une nuit, devant sa télévision, Gsm à la main, il photographie Moby Dick, film culte de John Huston, sorti en 1956 et inspiré par un des phares de la littérature américaine, Herman Melville.
Des photos de ce récit hallucinatoire opposant le bien et le mal, à travers le déchaînement d'un homme et ceux des océans, Paul Mahoux créera soixante « dessins » d'une force hypnotique en parfaite symbiose avec ce texte du romancier navigateur qui terminera le mien... Accrochez-vous ! Plein cap vers le grand large !

Dominique Mathieu

Une nuit avec Moby Dyck

Une nuit avec Moby Dyck

Extrait du journal de Paul Mahoux

Paul Mahoux, Une nuit avec Moby Dick, pastel, A5, 2019 - 2024

« C'était un samedi, au milieu de l'été, le 19 juillet 2019. Les enfants étaient chez leurs mères respectives, j'étais seul chez moi. Juillet n'était pas mon mois préféré bien que j'aime l'été et la chaleur. Impossible de comprendre pourquoi, je me sens fragilisé, par moments à cette époque précise de l'année. Chaque année. Autant j'aime août, autant juillet me perturbe, chaque fois. Mystère des perturbations du calendrier psychique ou d'invisibles actions climatologiques particulières en cette saison précise…
Ce jour-là, je vois que Moby Dick est au programme télé en soirée. Je vais chercher une bouteille de vin rouge, ce que je ne fais jamais quand je veux regarder un film. Je m'installe dans mon divan et je prends des photos de l'écran avec mon portable.
Quelques centaines de photos, trois ou quatre cents, du début à la fin du film. La bouteille de vin entière y passe. Moby Dick. Violence et Plénitude. Pas « ou » mais « et ».
Les photos restent dans la mémoire de mon portable. Je les garde, sans trop savoir ce que je vais en faire, mais en pensant les utiliser, un jour, d'une manière ou d'une autre, pour un travail pictural ou graphique.
Ce sont des fantômes, ces photos, et les fantômes, ça me parle. Le 21 décembre 2024, je réalise une première double page. Deux A5, une image coupée en deux par le pli du futur bouquin, ce sera le code graphique, si je trouve un éditeur intéressé par le projet. Dès le départ, je pense plutôt livre que projet d'expo. Moby Dick, dans mon parcours, c'est avant tout un film, vu à plusieurs reprises depuis mon enfance. Un film adoré par mes copains, par mes proches et moi. J'ai lu le livre plus tard, à l'âge adulte mais il m'est difficile de me souvenir quel âge j'avais à cette époque.
Par contre, je me souviens des heures de route de détours nécessaires pour voir le « Musée de la Baleine » à New-Bedford en partant de New-York pour retrouver des amis à Montréal ainsi que des milliers de kilomètres ajoutés au trajet New-York – Montréal pour apercevoir peut-être des baleines dans le Saint-Laurent à Tadoussac.
Plus tard, bien plus tard, à l'âge adulte, il y eut la découverte des livres d'un autre auteur américain Cormac Mc Carty dont la lecture de « La route », par la manière dont il arrive à traduire la plénitude et la violence du monde, m'a également profondément marqué.
Non pas plénitude ou violence, mais plénitude et violence.

Paul Mahoux

Christine Renard et Thomas Chable

2026-03-02T13:45:13Z

Commissaire : Dominique Mathieu
À la galerie de Wégimont
Du 21 mars au 19 avril 2026
Vernissage le vendredi 20 mars à 18h30
Finissage en présence des artistes le 19 avril

En prélude à ce texte, un avertissement s'impose : si vous voulez entrer dans l'univers de Christine Renard et Thomas Chable, mettez de bonnes chaussures. La route sera longue…

Atelier de Coco à Poulseur

Elle commence en 1990, à Poulseur, petit village en bord de l'Ourthe, son vieux café d' habitués « Le Poul's Café », ça ne s'invente pas, une épicerie aussi pimpante que la boucherie sa voisine et, détail important, non loin de là, la gare, ouverture vers le monde qu'ils ont tant parcouru.
Auraient-ils choisi ce village sans elle ? La question reste en suspens. Quoi qu'il en soit, c'est bien dans ce décor de cartes postales anciennes qu'ils vivent maintenant depuis trente cinq ans. Leur maison ? Un ancien moulin à grains, aux vastes pièces innombrables prolongées par un jardin luxuriant qu'une verrière surplombe. À l'image de leur couple, il est devenu un nid chaleureux, protecteur, ouvert aux amis et ô combien … hors-normes !
Entrons-y. Imaginez-vous être à la fois dans un laboratoire d'alchimiste, un vieux musée ethnographique consacré aux voyages, une réserve d'un brocanteur-fou doublé d'un bricoleur de génie ou pourquoi pas dans la cachette d'un archéologue ! Vous aurez alors, une petite idée du charme et de l'atmosphère de cet endroit magique dont ils ne déménageront jamais. « C'est notre bateau, nous coulerons avec lui » dira Thomas.
De cette symbiose va naître deux parcours artistiques bien distincts, chacun y poursuivant son propre chemin pour le mener à sa guise.
Flash-back. Dès l'adolescence, à l'inverse de bien des lycéennes, Christine est fascinée par une science ancestrale : la chimie. La fusion des métaux, la mutation des éléments, les variations de couleurs, le feu, l'eau, les fioles, les alambics, l'infinité des métamorphoses et des symboles, tout lui parle.
Aujourd'hui encore, cette science-sorcière qu'elle ne cesse d'interroger reste une clé essentielle, le « sésame » qui ouvre toutes ses œuvres.

Christine Renard, Poulpe, bronze patiné, 2021

Très vite, dit-elle, j'ai compris que j'allais apprivoiser ce savoir pour y imprimer ma marque, je serai sculptrice et je découvrirai les mystères du bronze. À 16 ans, je me suis donc inscrite à Saint-Luc, c'est là que j'ai rencontré Thomas.
Il suivait les cours de photographie, son père lui en avait donné les ficelles et il me parlait déjà des idées de voyage qui lui trottaient en tête.
Trois ans après leur installation à Poulseur, cette humeur vagabonde revient à la surface pour les emmener vers l'Afrique, ce sera le début d'une très longue aventure, une seconde vie en quelque sorte, qui couvre trois décennies.

Sécou Traoré, l'atelier de fonderie, Poulseur, 1999

À Ouagadougou, premier port d'attache, par un de ces merveilleux hasards qu'offre parfois la vie, un ami va aider Christine dans sa quête initiatique, il la met en contact avec Sékou Traoré, un maître fondeur travaillant en famille dans le quartier réservé à cette profession.
Dans son atelier, elle apprend les mélanges subtils de l'étain et du cuivre, leurs dosages et les températures nécessaires pour qu'ils se transforment en coulées de bronze liquide. Elle y reste plusieurs mois, il revient avec elle en Belgique, une amitié se tisse et ses œuvres se multiplient.
Vénus paléolithiques, bestiaires fantasmagoriques, ex-voto, bijoux, talismans, meubles, tables et bancs, amphores et vases, son imagination semble sans limite.
Je mélange tout avec tout. Pas de hiérarchie, des coups de cœur. Je ramasse des perles, des coquillages, des coraux, du quartz, des pigments, des herbes, je les insère dans le bronze, je polis, je peins, je fais des croquis. J'aime les volcans, le végétal, l'organique. J'ai un faible pour les pieuvres, les libellules, les araignées, clin d'œil à Louise Bourgeois. Je ne sais jamais ce que je vais faire, mais à un moment donné, je sais que c'est ça. À chaque coulée de bronze, je suis euphorique, sous tension, ça casse ou ça passe.

Thomas Chable, Lacombe, 2023

Pendant ce temps, très loin des hordes touristiques, Thomas Chable se balade le long des quatre mille cent trente-quatre kilomètres du fleuve Niger. Un appareil argentique, un sac au dos, des souliers solides et parfois, une pirogue lui suffisent. Il prend son temps et des photos. Elles captent des émotions fugaces, les gestes suspendus, les éclats du soleil, ses ombres douces, les détails du quotidien intime de ceux qu'il rencontre et qui l'accueillent.
Dans son journal de bord qui servira de texte à son livre Odeurs d'Afrique, il prend des notes.
Lac Débo : ça et là apparaissent quelques îlots laissés par la décrue des eaux dont Barcapile, le plus grand campement de pécheurs Bozos. Ici, dans cet immense espace, l'œil parcourt librement l'horizon, il porte loin, rien ne l'arrête. Aucun obstacle, pas même l'arbre à palabres, juste le soleil comme témoin. Le jour se lève tôt, les femmes avant lui.
Ambiance très calme : fin de journée, un dimanche qui n'en finit pas, un temps enfin apaisé, balayé par un vent de fine poussière. À vrai dire, l'intégration est chose facile par ici pour qui sait se laisser modeler par le temps mais aussi par le vent, ce merveilleux sculpteur. Tout se fond imperceptiblement dans le paysage humain de la bouche du Niger. Pas le moindre son discordant, pas un mouvement pour déranger cette plaine où passe, silencieux, le fleuve.
Cet humanisme tendre qui distingue l'œuvre de Thomas de tous les autres photographes se déclinera aussi dans le livre Brûleur (nom donné aux milliers d'africains qui veulent rejoindre l'Europe) et dans le coffret Éthiopie.
Hélas, pour les raisons que nous connaissons, le livre qui devait illustrer son long séjour en Palestine entrepris lors d'une courte trêve des combats, ne sera jamais publié.
Depuis plusieurs années, l'Afrique est à feu et à sang, la Palestine est anéantie, les migrants s'entassent par millions dans des camps.
Thomas, voyageur empêché, revient vers ses racines et son nid. Il publie Salomé, prénom de leur fille, il y capte aussi la blondeur de Christine que tout le monde appelle Coco, les grimaces des enfants, les amis qui débarquent, les reflets entre chien et loup des forêts voisines tombant dans les eaux de l'Ourthe.

Thomas Chable, Abiya Adi, Éthiopie, 2018

C'est notre dernière étape. Notre route s'arrête là où elle a commencé. Reprenons notre souffle pour écouter, loin des bruits du monde, l'écho de ce texte que Rilke aurait pu leur dédicacer.
Pour écrire un seul vers, il faut avoir vu beaucoup de villes, d'hommes et de choses, il faut connaître les animaux, il faut sentir comment volent les oiseaux et savoir quel mouvement font les petites fleurs en s'ouvrant le matin. Il faut pouvoir repenser à des chemins dans des régions inconnues, à des rencontres inattendues, à des départs que l'on voyait longtemps approcher, à des jours d'enfance dont le mystère ne s'est pas encore éclairci…

Dominique Mathieu

Luigino de Zotti

2026-01-20T21:27:25Z

Commissaire : Dragana Bojic
À la galerie du cinéma Churchill
Du 2 février au 12 avril 2026

Luigino

Luigino de Zotti, Diptyque IV, sérigraphie, 24 x 40 cm, 2016

Celui qui n'a pas passé une soirée avec Luigino de Zotti ne le saura sans doute pas - mais je vous en informe -, il n'est pas du genre à vous faire de grands discours. Tout le monde n'a pas non plus eu la chance d'avoir des parents communistes, Luigino si, au moins par son père. De l'union de ses parents est sorti un couple paradoxalement royal : une fille, Nadia, un fils, Lui.
Un grand cœur aux artères lisses, et à l'amitié fiable, un esprit subtil, friand de dialogues et prêt à l'écoute. Une bienveillance manifeste, et le goût du travail bien fait.

Luigino de Zotti, Dyade, fusain sérigraphique, 50 x 80 cm, 2017

Les gestes sont précis, décidés et économes, comme ceux de tout bon ouvrier. On ne fait jamais n'importe quoi, n'importe comment. L'oeil distingue, en collaboration avec les autres sens et un cortex attentif, ce que le corps est en train de faire, et ajuste l'idée à la réalité qui se crée. Pas le temps d'hésiter, la nourriture doit rester fraîche. Les aplats, les traits éventuels s'agencent, comme naturellement, pour former des harmonies bien construites où la solidité ne verse pas dans la lourdeur, où le chant des tons ne verse pas dans la pompe, mais garde vie, fraîcheur et profondeur. C'est juste juste. C'est la dose recommandée.
C'est du bon. On peut regarder, on ne va pas tomber malade, on ne va pas s'ennuyer, ni faire une attaque nerveuse. C'est là pour faire du bien, et ça marche, toujours, parce que le travail est bien fait - Luigino et Luigi me pardonneront l'expression - Come dio comanda.
J'ai testé pour vous : on ne s'en lasse pas. Vous pouvez regarder, savourer, encore, encore. Profitez et pensez à votre chance ; comme l'homme qui le produit, l'œuvre est unique, rare.
Et il ne vend pas cher. C'est comme si vous aviez eu la chance d'avoir un papa communiste.

Julien Barzin, un matin de novembre, le 14

Luigino de Zotti, Diptyque II, sérigraphie, 24 x 40 cm, 2016

Les images de Luigino soulignent un fait artistique digne de mention : économie de moyen n'est pas synonyme d'ascèse ou de sévérité. C'est en ce qu'elles sont profondément vivantes, généreuses, épicuriennes, que ces compositions nous touchent. Le jeu qui consiste à construire
pour se construire, nous rappelle, avec bienveillance, à nous-mêmes.
L'art traite-t-il d'autre chose ?

Julien Barzin, il y a quelques années

Luigino de Zotti, Diptyque I, sérigraphie, 24 x 40 cm, 2016

Romain Van Wissen

2026-01-20T19:20:56Z

Commissaire : Georges Demarteau
À la galerie de Wégimont
Du 24 janvier au 1^er mars 2026
Vernissage le vendredi 23 janvier 2026 à 18h30
L'artiste sera également présent les 1^er février 2026 et 1^er mars 2026

La véritable histoire de « Tout l'Univers »

La véritable histoire de « Tout l'Univers »

Romain Van Wissen, Tout l'Univers, acrylique sur toile, 26 x 24 cm, 2025

Quelqu'un a sonné à ma porte et a disparu aussitôt, laissant sur le seuil deux grosses caisses de livres, des encyclopédies et des dictionnaires. C'était au mois de mai 2025 et je n'ai toujours aucune idée de qui il s'agissait. Un peu contrarié par cette insolence, j'y ai tout de même jeté un vague coup d'œil. Rien d'intéressant à priori, j'ai failli les mettre au rebut.
Au deuxième coup d'œil, je me suis aperçu que, sous les horribles couvertures en plastique jauni, s'en trouvaient d'autres entoilées et rouges avec l'inscription « Tout l'Univers » en doré vieillissant. Magnifique ! Je les ai récupérées pour en faire des cartons toilés (les rectangulaires
des encyclopédies et les carrées des dictionnaires). Lorsque j'étais plus jeune, mes parents avaient acquis ce genre d'encyclopédies, en quarante volumes plus ou moins. On les trouvait d'ailleurs chez un peu tout le monde, elles garnissaient littéralement et fièrement les étagères des bibliothèques sans jamais en sortir, ou presque. Des livres d'une inutilité crasse, ouverts une fois ou deux par curiosité, avant de reprendre leur place définitive sur leur planche et prendre la poussière.

Romain Van Wissen, Tout l'Univers, acrylique sur toile, 31 x 24 cm, 2025

Leur titre « Tout l'Univers » m'a fait sourire Dépassées dès leur sortie de presse, ces encyclopédies ne pouvaient pas non plus être exhaustives sur l'entièreté de l'univers. C'est cet excès d'ambition qui m'a amusé et immédiatement stimulé. J'ai eu envie de pousser le bouchon un peu plus loin. Avec dérision, j'ai choisi de représenter des sujets banals et sans importance. Mais aussi des jouets un peu ridicules et obsolètes, des gens ou des animaux dans des postures étranges. En somme toutes sortes de choses qu'on ne trouverait probablement pas telles quelles dans une encyclopédie et qui représenteraient plutôt l'envers de l'univers.
Le rouge vif des cartons constitue un fil conducteur à travers tous ces sujets disparates. Le titre y apparaît ou transparaît de temps à autre et souligne encore un peu la dérision des motifs. Certains cartons n'ont pas de titre, ce sont les dos des livres. « Tout l'Univers » est un titre un peu prétentieux. Je sais, mais la thématique est sans limite, et ça, ça me plaît !

Romain Van Wissen
octobre 2025

Romain Van Wissen, Tout l'Univers, acrylique sur toile, 31 x 24 cm, 2025

Romain

Romain

Romain Van Wissen, Tout l'Univers, acrylique sur toile, 26 x 24 cm, 2025

Romain est un surdoué. De plus, il sait vivre et aimer. Il sait peindre bien et dessiner bien : il peut faire comme Rembrandt s'il le veut. Mais cela ne l'intéresse pas. Son ambition ne se situe pas dans les musées. Il leur préfère les cuisines et les bibliothèques. De la cuisine, il prend les fonds d'emballages et des livres, les couvertures.
À cause des reliefs dans le premier cas, de la couleur et de la force du support dans le deuxième. À la manière d'un ouvrier qui voit tout et qui solutionne les problèmes. Rien ne pourrait lui faire peur puisqu'il a tous les outils pour arriver à ses fins.
Ses fins, son but est de nous épater par des juxtapositions improbables. L'important est que l'image dans l'image donne des rébus visuels à l'aide de ses matières choisies, car à-propos, collectionnées et aimées car elles l'ont fait sourire.
Il n'a pas besoin d'étaler sa virtuosité qui est partout, non, mais elle lui permet de rester léger. Sa peinture rit. Romain rit quand il travaille et cela se remarque. C'est si remarquable que ses expositions deviennent des symphonies joyeuses.
Qu'y voyons-nous ? Du connu : notre quotidien à tous et sous toutes latitudes, des fleurs au tarmac, d'un sommier aux nuages, d'un éclair à une porte de garde-robe, d'une poupée à un couteau... tout est dans son escarcelle.
Romain, c'est du sucre coloré, des lacquemants, des beignets et de la sauce bolo à leur plus haut niveau. Il peint la vie d'aujourd'hui en se servant d'hier afin d'essayer d'atteindre demain, qui sait ?
Dans tous les cas, Romain nous balade et nous invite à la promenade d'images en images, un chemin étrange fait de bousculades et de formes. Une matière ici, des répétitions par-là. Des séries pour se pénétrer de sa musique. Ce n'est pas difficile, il suffit, pour entrer dans son jeu, de laisser son esprit à l'entrée. Comme on devrait le faire plus souvent sans doute.
Romain pense à son travail sans arrêt, le temps semble lui man- quer, il court, ne veut pas être en retard, alors sa main s'impatiente. Sa main n'a peur de rien puisqu'elle peut compter sur sa science, son savoir, ses armes victorieuses.
Alors arrive l'imprévu sur son seuil : on y a déposé des encyclopédies. Il en fera son support et l'exposera sous toutes ses facettes et dans tous les formats. Il exulte devant ce rouge et le multiplie. Le fond lui donne le sujet, le contraint. Tout est dans tout mais pas nécessairement dans les encyclopédies. L'art n'y a pas sa place. L'art n'a pas de formule chimique et n'est pas dans le fichier. Il n'y a rien !
C'est de quoi il s'agit dans « Tout l'Univers ».

Michel Barzin
octobre 2025

Romain Van Wissen, Tout l'Univers, carton toilé, 31 x 24 cm, 2025

FRANÇOISE DEPREZ

2025-12-01T10:53:29Z

Il y a quarante ans, le film Quadrophenia immortalisait les Mods des années 1960. Cette jeunesse anglaise, insolente et nonchalante, porte la modernité comme on porte un regard. Elle aime la vitesse, la musique qui fait vibrer le cœur, et les nuits où tout semble possible.
Aujourd'hui, les Mods ont vieilli mais restent terriblement stylés et leurs descendants perpétuent avec élégance leur look so British. Sur leurs Lambretta et Vespa rutilantes et ultra-chromées, ils déboulent par centaines le long du front de mer de Brighton.

Françoise

À la galerie du cinéma Churchill
Du 24 novembre au 1^er février 2026

Françoise Deprez

Françoise Deprez, Brighton, 2018, tirage photo sur papier baryté, 20 x 30 cm

Dès qu'elle le peut, Françoise Deprez prend rendez-vous avec la Mer du Nord pour y vivre au rythme des lumières qui s'y reflètent, mêlant les roses, les parme, les gris profonds et toute la gamme des bleus, sa couleur préférée.
Elle fuit les plages bondées, les paysages dénaturés par les immeubles en béton car, à quelques kilomètres de cette mutation architecturale, il existe encore des endroits sauvages où elle croise, dès l'aube, des pêcheurs ramenant avec leurs vieux chevaux des filets de crevettes.
Guidée par une boussole magique, son appareil en bandoulière, elle s'infiltre dans les interstices, les chemins abandonnés, les lieux à l'écart, à la rencontre de ceux qui y vivent et ne semblent plus intéresser personne. Vous la cherchez ? C'est par là que vous la trouverez souvent accompagnée de sa fille Charlotte, photographe elle aussi, et de leur chien Agathe, un trio qui travaille en symbiose et se serre les coudes lorsque le vent se lève.

Françoise Deprez, Brighton, 2018, tirage photo sur papier baryté, 20 x 30 cm

Françoise, je la connais depuis des années, elle m'envoie, d'où qu'elle soit, les photos de ses découvertes et de ses éblouissements. Si je devais la définir rapidement, je dirais qu'elle s'apparente à une journaliste poète, humaniste et bienveillante, sachant saisir aussi bien la beauté d'une vague, la tendresse d'un geste ou la détresse d'un silence pour proposer des images où la narration et le sens de l'écoute occupent toujours une place centrale.
Son papa l'a initiée très jeune à la photographie, qui va devenir pour elle au fil du temps une véritable vocation. Françoise s'inscrit à des ateliers et des workshops, elle y rencontre des photographes reconnus tels Sandrine Lopez, Philippe Herbet, Sébastien Van Malleghem, qui l'aident à affiner ses choix. Son travail, dès lors, atteint une reconnaissance que son curriculum reflète.
Néanmoins, aucun effet de style, aucun « truc tendance » n'entameront sa démarche ; l'authenticité de son travail reste sa marque de fabrique. En témoignent ses reportages lors de « thés dansants » organisés par une maison de repos, non loin de chez elle, où chacun se met sur son « 31 » pour se lancer dans une valse ou risquer un twist.
Et puis, il y a aussi ses portraits d'une tendresse merveilleuse sur les gens seuls et leurs animaux, ou encore ces images bouleversantes des victimes des inondations de juillet 2021, à la rencontre desquelles elle part avec l'autrice Caroline Lamarche. Ces photos accompagnées par les textes figeront à jamais le désespoir, la fatigue et la boue dans le livre paru à cette occasion Toujours l'eau aux Éditions du Caïd.
Pour cette exposition que Wégimont Culture propose au Churchill, changement de cap, nous retrouvons la mer en franchissant la Manche, nous sommes à Brighton. Chaque année s'y déroule le rassemblement des Mods qui ont marqué par leur excentricité, leur style vestimentaire, leur musique et leur excès en tous genres, une époque aujourd'hui révolue et sans doute inconcevable, les années 60.
Sea, free and style made in England…que la fête commence.

Dominique Mathieu

Brighton

Brighton.

Françoise Deprez, Brighton, 2019, tirage photo sur papier baryté, 20 x 30 cm

J'y retourne chaque année.
C'est une ville qui danse entre la mer et la campagne,
entre le passé et le présent, entre la nostalgie et la gaieté.
Les Mods s'y retrouvent, fiers de leurs scooters luisants,
héritiers d'une époque révolue mais toujours vivante.
Leur passion, leur style et leur sens de la fête créent une
atmosphère particulière.
Ils sont là, sur la jetée, sous le regard des goélands, des oi
seaux qui semblent tout savoir de la ville.
Brighton, ce n'est pas seulement le bord de mer, le Pier,
les lumières, les couleurs.
C'est aussi la campagne anglaise, toute proche, verddoyante,
silencieuse, presque trop calme après l'agitation de la ville.
Les gens ici sont différents.
Ils parlent, ils rient, ils viennent de partout.
J'aime cette convivialité, ce mélange de cultures, ce senti
ment qui fait de Brighton un endroit unique, où l'on se
sent libre d'être soi.
Je pense à Virginia Woolf, qui a vécu ici.
À Lee Miller, qui aurait su saisir cette lumière, cette étrangeté.
Je pense aussi à Chris Killip, à Tish Murta, à Vanessa
Winship, dont les images m'ont appris à regarder
le monde autrement.
Mes photos sont en noir et blanc.
Parce que la vie ici est faite de contrastes, de nuances, de
moments suspendus entre la mer et la ville.
Brighton, c'est tout cela.
Un lieu où l'on croise des Mods, des goélands, des rêveurs,
des photographes.
Un lieu où la mer est toujours là, silencieuse, indifférente,
fascinante.

Françoise Deprez

Françoise Deprez, Brighton, 2023, tirage photo sur papier baryté, 20 x 30 cm

PHILIPPE FRÈRE MARIO GARZANITIPASCAL KOCH

2025-11-02T11:46:09Z

Du 8 novembre au 21 décembre 2025
Vernissage le vendredi 7 novembre à 18h30
Finissage musical le dimanche 21 décembre 2025 dès 14h00
et concert de TOOLS TOYS à 16h00
(Francis Danloy-Laurent Simon-Mario Garzaniti-Gauthier Simon-Claudine Denis)

Architect whitout architecture

Et si l'on partait de l'idée qu'un architecte est avant tout un créateur ? On enfonce une porte ouverte mais dans la pratique, ce métier est-il aussi « sexy » qu'il n'y parait ?
Entre les exigences des commanditaires, la conception et la description des projets, les budgets à respecter, les délais à maintenir, le contrôle de l'exécution des travaux, il reste bien peu de temps à l'architecte pour se concentrer à ce qui est l'essence de sa motivation : créer, échafauder un projet.
J'ai toujours pensé que le choix d'exercer ce métier révèle une difficulté à élaborer sa propre vie. N'est-il pas question dans cette orientation de rassembler pour soi-même les différentes composantes d'un processus de création ?
Lorsque je me suis inscrit à l'examen d'entrée de l'école d'architecture, je n'avais pas 18 ans. L'apprentissage par les outils qui passent par la main me fascinait : règles en té, équerres, compas me faisaient entrer dans un monde merveilleux où, alchimiste de l'espace, je me voyais promis aux plus belles réalisations !
L'élaboration des projets par l'approche sensible de la construction des maquettes, le choix des matériaux et des couleurs me reliaient à la construction de ma propre personnalité ! Je veux dire par là que la main maniant le crayon et l'équerre participait activement à l'élaboration des idées sur le papier, que la construction de prototypes au moyen de carton, du cutter et de colle permettait de prendre conscience des rapports entre eux de la stabilité des parois, sols et plafonds, de la réflexion de la lumière, du toucher des textures et des matières.
« Dire que nous « saisissons quelque chose » implique, physiquement, que nous tendions la main vers lui. Dans le geste physique familier qui consiste à prendre un verre, ma main va adopter une forme arrondie, appropriée à la forme du verre, avant qu'elle ne touche effectivement la surface. Le corps est prêt à tenir avant même de savoir si ce qu'il va tenir est glacé ou bouillant. La préhension est le nom technique des mouvements dans lesquels le corps anticipe et agit avant de recevoir des données de sens. Mentalement « nous saisissons quelque chose » quand nous en comprenons le concept ». [1]
Saisir est aussi ressentir, percevoir, vivre une émotion, en décoder l'origine, le sens, et transposer ces données en espace sensible, en objet créé, en représentation figurée.
Ainsi si l'architecture définit un mode de vie, de réflexion, tant politique que philosophique, elle est aussi un laboratoire permanent ouvert sur l'espace entier de la création.
« L'architecture est le plus complet des arts car il fait appel à tous les autres… » (François Mitterrand).
« Appel à tous les autres … ». Voici donc la démarche de ces démiurges qui, dans la lignée des grands auteurs universellement connus, De Vinci, Le Corbusier, Macintosh et toute l'école du Bauhaus se consacrent aux multiples aspects de cette quête, du design à la peinture, la sculpture, la musique, la photographie, les installations… [2]
Ainsi est né ce projet de présentation des recherches d'architectes « sans architecture ».

Jean-Paul Laixhay

Acier-corten. Réalisation Ateliers Melens & Dejardin

Les architectes

Philippe FRÈRE
Après avoir vécu ensemble notre cursus d'apprentissage, nous avons constitué notre bureau et avons travaillé côte à côte pendant 20 ans. Parcours d'échange et de confrontations quelquefois, de respect et de soutien en toutes circonstances, Philippe m'a donné l'esprit de nuance qui quelquefois me faisait défaut. Dans ses bas-reliefs élaborés avec une précision d'orfèvre, on retrouve toujours une trace, une empreinte, quelquefois oserait-on dire une blessure qui reflète la délicate intervention de la main sur un support improbable.

Philppe Frere, sans titre, s.d., gesso & mine de plomb sur zinc, 90 x 80cm

Mario GARZANITI
L'amour de la musique et singulièrement des instruments à vent nous a fait nous rencontrer. Cet observateur du ciel et décrocheur d'étoiles ne se contente pas de jouer de la trompette. Il la crée et la fait fabriquer. Nous avons découvert notre intérêt commun pour le dessin et la peinture. Le regard de Mario posé sur tous les exercices de la création est empreint d'une attention approfondie et nuancée. Ses créations de mobilier sont élaborées dans une réflexion intense et un regard sur l'univers où le goût du détail se réfère au designer Carlo Scarpa.

Mario Garzaniti, Je regardais le plafond et soudain je vis le ciel ADAMS, monotype, 2019

Pascal KOCH
Nous avons enseigné ensemble. Dès l'entame de notre collaboration, j'ai ressenti l'énergie et la volonté de cet homme de terrain, pragmatique et déterminé. A peine avions-nous fait connaissance que Pascal vint m'aider à construire une installation sur le thème des frontières à Eynatten. Touche-à-tout, empreint d'un regard souvent farouche sur la société, Pascal est débordant, excessif parfois mais d'une générosité et d'une efficacité redoutables. Dans leurs compétences singulières, ces trois créateurs qui sont aussi mes amis ont exploré des recherches qui convoquent tous les sens et qui expriment une curiosité créative intense. Ils occupent l'espace de Wégimont dans une scénographie soignée qui s'intègre admirablement à ce lieu emblématique.

Pascal Koch, sans titre, s.d., sculpture

Je les remercie chaleureusement.

J'oubliais, nos trois compères sont des poètes, réunissant avec bonheur intuition et raison… de vrais architectes quoi !

Jean-Paul Laixhay

Philippe FRÈRE

« Ce qui me motive dans mon travail de composition, c'est la recherche ou parfois la découverte d'un matériau qui pourrait servir, soit de support, soit de médium à mon travail graphique. L'essence de ma recherche se focalise sur des compositions exploitant le traitement de la matière. Tirer parti du grain, de la patine, des défauts, des blessures ou déchirures, ou la fragilité de mes différents supports, sert de guide à mes compositions. Mes compositions abstraites austères ou à l'opposé produites par une gestuelle plus libre seront, je l'espère, un espace d'éveil à l'imaginaire. Mon attitude face à la vie est une permanente question sur l'acte créateur qu'il peut poser. »

Philppe Frere, sans titre, s.d, Gesso et mine de plomb sur feuille de plomb, 90 x 80cm

Mario GARZANITI

« Toute(s) mise(s) en forme d'un thème traduit son caractère en soi inaccessible, inatteignable.
Les tentatives d'expression (multiples et successives) en font apparaître certaines faces, qui varient et s'éclairent l'une l'autre par leurs différences. Cette réverbération masque, parfois sournoisement, la quête initiale. Focalisant l'attention sur l'empreinte plutôt que sa cause, les différentes manifestations visibles jouissent, au mieux, d'une gloire éphémère, avant d'être remplacées et parfois sublimées.
Dès lors, il n'est plus question de thème, mais de style(s).
Le style, seul possible, anéantit tout espoir de certitude et d'identification.
Mais il nous ouvre un champ d'expérimentation, vaste et, peut-être, riche de sensations et de significations. »

Justine GARZANITI.

Mario Garzaniti, détail du 1^er prototype de gousset de la table oIrAM, s.d.

Pascal KOCH

« Tout est lié aujourd'hui. Tant en architecture que dans le domaine artistique, la matière, l'outil, l'espace et l'ingéniosité sont indispensables à la création. Le ressenti et l'histoire vécue sont aussi un moteur pour imaginer, proposer sa propre interpénétration des choses. En art-design, je suis animé par des ressentis politiques. Concernant le design proprement dit, je parlerai plutôt de dialogue et d'envie de mettre en exergue une matière particulière et de lui donner forme utile.
La réflexion fait partie des éléments constitutifs de la réflexion. Par exemple j'ai commencé à mettre en fabrication un jeu d'échecs et ce, après l'invasion de l'Ukraine par la Russie.
Tout et rien peuvent être un déclencheur à la créativité, cela dépend de la sensibilité de chacun.
J'affectionne l'acier, le bois, les matériaux nobles. Généralement, les objets conçus ont toujours un lien direct avec notre corps, notre histoire. »

Pascal Koch, Lampe Tétraèdre, s.d., Inox poli miroir, 200 x 15 x 15cm

TOOL TOYS

Finissage de Architect Without Architecture en musique le 21 décembre 2025
C'est une musique « prêt à porter » et sur « mesure »
Tout style, toutes tailles et -fait maison-.
Un tissu musical qui voyage au gré des âges et dans divers univers. Du « garage » à la « kitchen » ette.
Cuivré, cartonné et venteux , percuté et quatre grosses cordes.
Un peu patiné… parfois glissant.

Accordéon : Francis DANLOY
Sax baryton, sax alto et voix : Laurent SIMON
Trompette et bugle : Mario GARZANITI
Contrebasse : Gauthier SIMON
Drums : Claudine DENIS
Écouter

[1] Richard Sennett, Ce que sait la main, La culture de l'artisanat, Éditions Albin Michel, 2010

[2] L'esprit du Bauhaus, Musée des arts décoratifs avec la Fondation d'entreprise Hermès du 19 octobre 2016 au 26 janvier 2017, Beaux-Arts hors-série,. « L'idéal du Bauhaus a été abjuré à travers une production très prolifique, interdisciplinaire, qui faisait de chaque maître et élève non pas des spécialistes, mais des artistes à part entière, capables de travailler dans des domaines aussi divers que le décor mural, la scénographie, le design ou encore le tissage ou la céramique. Le mot d'ordre était le retour aux bases : couleurs primaires, formes simples… pour garantir la transmission d'un savoir-faire, loin du culte de la figure de l'artiste. »

Illustration et bande dessinée

2025-09-10T12:04:57Z

À la galerie du cinéma Churchill
Du 30 juin au 28 septembre 2025

Deux sections de l'ESA Saint-Luc, Illustration et Bande dessinée, une seule exposition !

David Ghaye, Bac 2 BD, Errances, 2024, risographie

Il y a là comme une évidence tant ces disciplines sont proches. Le dessin bien sûr ! En noir
et blanc, en couleur, au pinceau, tramé, ombré, à la plume, au crayon gris ou de couleur, au Bic, à l'encre, à l'aquarelle, au fil, au feutre, à l'aide d'une tablette graphique… Mais aussi, et peut-être même surtout, la narration. Les outils et les techniques diffèrent mais toujours avec cette volonté commune et irrépressible de raconter, émouvoir, distraire, faire rire, sensibiliser, surprendre, tisser des liens… Si la sororité de ces deux disciplines est indéniable, elles ne sont pas jumelles pour autant. La perméabilité des frontières entre l'illustration et la bande dessinée n'occultent pas les spécificités de chacune d'elles et cette exposition est une magnifique occasion de les mettre en lumière. L'illustration, par sa faculté à aimanter l'œil, couvre un large domaine. Qu'elle soutienne un recueil poétique, une manifestation culturelle, le conditionnement d'un jeu, une couverture de livre ou de magazine… elle se fait complice, séduit, attire, inspire. Mais là où l'illustration trouve son plus beau compagnonnage, c'est dans le domaine de l'album où elle enrichit et fait résonner les mots.

« Le livre est mon outil et je l'interroge » [1]

Qu'on ne s'y trompe pas ! Si l'image illustrée aime la beauté, elle s'est émancipée aujourd'hui de la facture classique d'antan et des dictats du « beau dessin ». Quelques traits suffisent parfois à exprimer avec force de grandes idées. Son charme agit par la vibration d'une couleur, l'association de matières ou encore le sensible d'une technique. Dans son carnet de recherche, l'illustrateur·trice cherche son langage. Patiemment, il-elle construit, interroge, jongle, dose, ose pour donner à voir, à entrevoir, à s'émouvoir et parfois même à réfléchir. La ligne claire, les gros nez, le réalisme, l'heroic fantasy, le comics, le manga, le roman graphique, la bande dessinée, pur imaginaire ou ancrée dans le réel, interpelle le lecteur, le questionne, le prend à témoin, l'in- forme, le surprend, le distrait, avec drôlerie ou sérieux.

« Intimité, simplicité, authenticité » [2]

Art séquentiel tel que défini par Will Eisner, la bande dessinée raconte
à partir d'images et de mots, alterne les pleins et les vides, donne l'illusion du continu dans le discontinu, s'amuse et s'étonne des cases fantômes. Inspirée, adaptée, héritière ou émancipée de ses modèles, novatrice ou classique, distrayante ou réflexive, bien souvent savourée imprimée, la bande dessinée, d'aventures ou introspective, est une écriture qui s'apprend et qui donne à voir le monde, à l'imaginer. Des cases, avec cadre et sans cadre, des strips, des planches, des gaufriers. Des dessins, tremblants ou hachurés, stylisés, complexes, simples ou virtuoses, moches, séduisants, élégants, grossiers. Des Grrr, haaaa, pouet pouet, plouf, glou glou glou. Des bulles. Du rythme, de la surprise, du mystère, une invitation à tourner la page… L'alchimie opère sans grand spectacle, sans budget hollywoodien, avec discrétion et de soi à soi. “Raconter un récit en bande dessinée du début jusqu'à la fin et que ce soit lisible par tous, que les étudiants soient les plus professionnels possible au niveau de leurs dessins et de leurs manières de raconter.” [3] Il ne faut pas avoir peur, le dessin s'acquiert. Il ne faut pas se poser de question et foncer, oser aller vers, on en apprend à travers le dessin des autres. Le dessin nous offre un éventail extraordinaire de possibilités.

« Aucune image n'est immédiate, toutes sont dans le loin, le tôt, le proche ou le tard. » [4]

Les travaux présentés ici sont issus des deux sections et des trois années de formations. Les enseignants ont sélectionné une panoplie de réalisations suffisamment variées pour laisser deviner le champ des possibles des deux disciplines et installer doutes, sur- prises et questionnements. La formation proposée à l'ESA offre la possibilité de toucher à différentes techniques, outils et moyens d'expression. Au contact des nombreux professionnels venus rythmer le cursus par le biais de rencontres et de workshops, les étudiants nourrissent leur démarche au contact des auteur.e.s dont le point de vue est personnel et singulier. L'école accueille souvent des étudiant.e.s d'horizons très différents et une formation artistique n'est pas indispensable pour démarrer.
En revanche, le moteur indispensable sera la passion curieuse, l'ouverture d'esprit, l'engagement et l'envie d'apprendre.
Les travaux présentés dans cette exposition sont en cheminement. Ils ne sont pas parfaits et ne correspondent peut-être pas tout à fait à l'idée que vous vous faites de ces disciplines. Ils reflètent néanmoins la diversité et la sincérité de parcours engagés et assumés où le rêve, l'intime, l'étrangeté et l'aventure sont encore de mise.

Francine Zeyen, Frédéric Hainaut et Pierre Colin

[1] Anne Herbauts, La tête dans la haie - dialogue avec Frédérique Dolphijn - éditions Esperluète

[2] Emma Dexter, extrait de la préface de Vitamine D : Nouvelles Perspectives en Dessin, éditions Phaidon, 2006

[3] Philippe Sadzot dit Fifi, extrait d'une capsule vidéo visible sur le site de Saint-Luc

[4] Jacques Prévert, Imaginaires, Skira, 1970

CATHERINE BARDIAU

2025-09-09T15:25:27Z

À la galerie du cinéma Churchill
Du 29 septembre au 23 novembre 2025

Un salon légèrement enfumé et, dans l'ombre que projette une lampe de chevet, un homme assis sur un strapontin fait face à une femme lovée dans un canapé de velours… Fait-il nuit ou est-ce l'après -midi, une aventure de quelques heures volées au rythme lassant du quotidien ? In the mood for love. Deux êtres se cherchent dans le trouble de l'attirance et du désir. Un lit défait. Et cet instant figé sur la toile nous laisse imaginer tout ce qu'ils se sont dit dans le secret de cette alcôve.

Catherine Bardiau, Conversation, 2023, acrylique sur MDF, 30 x 35 cm

Plus loin, trois hommes en smoking discutent dans un salon feutré, porte-cigarette à la main, jaugeant une silhouette féminine d'une rare élégance, juchée sur ses hauts talons.
Catherine Bardiau saisit un instantané, elle nous laisse interpréter les non-dits et murmures de la toile. Et l'on se prend à explorer l'expression des yeux de ses portraits désuets, à longer dans la mélancolie d'une époque révolue, celle des années folles ou de l'après-guerre.
Elle aime le raffinement des situations comme celui des sentiments, faire l'apologie des corps sculptés par le sport ou des costumes cintrés, revisiter les jardins luxuriants ou les piscines à la Hockney, les villas hollywoodiennes à la Hopper, l'architecture New-yorkaise du XIX^e siècle.
C'est en déambulant dans les ateliers de confection de son père et grand-père à Binche, en scrutant les dessins et croquis de mode et en palpant les rouleaux de fines étoffes que l'artiste a puisé son inspiration première.
Attirée aussi par les portraits d'avant-guerre du photographe Auguste Sander1 et par le cinéma, elle peint ainsi des arrêts sur image, introduit sur la toile des éléments insolites telle la présence de son chien, suggérant le frôlement des tissus ou la brise d'un été au bord de l'Océan Pacifique.
L'on se prend à rêver aux beaux jours, à la douceur de vivre, à l'amour en retenue et délicatesse, à la paix dans une nature florifère.
Son jardin personnel rejoint par ailleurs celui qu'elle cultive sur les hauteurs de Tihange, lequel lui apporte équilibre et force. Elle le peint aussi, luxuriant, opposant les couleurs des massifs aux ombres du soir, les parterres fleuris aux pelouses parfaitement tondues.
Tout est question d'harmonie, de soin du détail, d'ambiance et de mystères à découvrir au détour d'un buisson.
Le parcours professionnel scientifique de Catherine - elle est pharmacienne biologiste - n'est sans doute pas étranger à la rigueur et le soin qu'elle met à peaufiner le détail, cet infime élément souvent narrateur de son propos.
Dès lors, quel meilleur cadre espérer que la galerie du cinéma Churchill pour découvrir son univers feutré et sensible ?
Laissons notre regard plonger dans la piscine, dans les plis de ces draps de lits défaits, caressons ce chien endormi au soleil et retrouvons nos rêves et sentiments anesthésiés par notre époque déboussolée.

Cécile Dumortier

La Bûche,

2025-09-03T07:56:50Z

À la galerie de Wégimont
Du 27 septembre au 26 octobre 2025
Vernissage le vendredi 26 septembre 2025 à 18h30

Artistes exposants :
Francois GOFFIN (photo)
Jean TROMME (sculpture)
Justine DE RAIKEM (sculpture)
Julie FRAITURE (dessin, peinture)
Martin CHAUMONT (peinture, dessin)
Thierry GROOTAERS (peinture)
Charlotte SCHOMMERS (peinture, dessin)

Thierry Grootaers, sans titre, s.d., acrylique sur toile, 31 x 33 cm

Sculptée par le temps, façonnée par la main.
La bûche est bien plus qu'un simple morceau de bois coupé.
Elle est une trace, un fragment d'arbre, un témoin silencieux de la forêt et de ses cycles. Dans sa rugosité, elle porte l'histoire du vivant : les cernes racontent les saisons, les nœuds arquent les tempêtes, les fissures disent le gel, la sécheresse ou l'attente.
Outil, chaleur, matière, la bûche entre dans nos vies comme une passerelle entre la nature brute et la culture humaine. Elle chauffe les foyers, soutient les charpentes, devient le socle de l'œuvre d'art ou le trait de pinceau du sculpteur. Elle est utilitaire autant qu'esthétique.
Les bûcherons, premiers sculpteurs de cette matière, travaillent avec précision et respect. Leurs gestes, millénaires, relient l'homme à la nature dans un équilibre de force et d'humilité. La hache, le bruit sec du bois qui cède, la sciure en pluie lente, autant de sons et d'images qui composent une poésie rustique, une danse entre l'homme et l'arbre.
Dans l'art, la bûche devient totem, support, symbole. Elle évoque l'ancrage, la mémoire des forêts, le passage du sauvage au domestique. Elle peut être brute ou polie, entière ou éclatée, mais toujours elle invite au toucher,à l'écoute du bois.
La bûche, c'est l'essence même d'un lien, entre la main humaine et la matière vivante, entre la nature indomptée et la forme que l'on donne, entre le feu qui consume et la chaleur qui réunit.

Matière vivante, forme en devenir
Dans l'imaginaire collectif, la bûche évoque d'abord la forêt, le foyer, l'hiver. Elle semble simple, rustique, fonctionnelle. Et pourtant, à qui sait regarder, elle offre bien plus : une beauté brute, une histoire à lire dans les nervures, un potentiel sculptural et poétique.
Chaque bûche est un fragment d'arbre, détaché du tout mais porteur de la mémoire du vivant. On y devine les années passées, les saisons traversées, les cicatrices du temps. Elle est matière, mais aussi trace. Une sorte de parchemin végétal, écrit en cernes et en textures.

Pour l'artiste, la bûche devient support, point de départ, objet de dialogue. On la peint, on la creuse, on l'assemble.
On la confronte à d'autres matières, on la laisse parler. Elle peut être masse ou silhouette, socle ou sculpture, totem ou abstraction. Elle incarne une tension : entre nature et culture, entre conservation et transformation.
Et derrière la bûche, il y a toujours la main de l'homme - celle du bûcheron-. Ce geste ancien, précis, presque chorégraphique, qui extrait le bois de la forêt, le découpe,
le prépare. Entre brutalité et finesse, il donne naissance à cette forme élémentaire, brute, mais chargée de sens.
Dans l'espace de l'exposition, la bûche sort de son rôle utilitaire. Elle est offerte au regard, à l'imagination. Elle questionne notre rapport au bois, à la matière, à l'environnement. Elle devient œuvre, ou du moins, fragments du monde en attente de regard.
La bûche n'est plus un simple morceau de bois. Elle est art en devenir. Écho d'un arbre, empreinte du geste humain, promesse d'une transformation.

Thierry Grootaers

Martin Chaumont, les bûches, s.d., 220 x 190 cm

Vestige d'un arbre, fragment d'un tout, la souche est souvent ignorée, reléguée au sol, comme un simple reste.
Et pourtant, elle est une œuvre en soi. Par sa matière, ses lignes, ses cicatrices, elle porte en elle l'histoire d'une vie et le début d'une autre. Sculptée par le temps, marquée par la main humaine, elle devient un sujet d'observation, de transformation, de contemplation.
La souche est ici mémoire vivante. Elle interroge notre rapport au temps, à la trace, à ce qui persiste et renaît. Elle nous invite à ralentir, à observer, à ressentir.
Cette exposition explore la souche comme motif, comme matière et comme métaphore.
Les artistes ici réunis réinventent le regard : bois, terre, textile, photographie, métal ou installation… Chaque œuvre est une rencontre avec cette forme organique, entre ancrage et effacement.

Martin Chaumont

Pierre Pétry

2025-05-03T12:34:26Z

À la fin de l'année 2023, la famille Pétry — et tout particulièrement ses frère et sœurs, Marie-Louise, Suzanne et René — décide de donner à la Fondation l'œuvre de Pierre, artiste animalier de génie, créateur d'un bestiaire… tellement peu ordinaire.

Une exposition de la Fondation Province de Liège pour l'Art et la Culture
Commissariat : Dominique Mathieu et Isabelle Neuray

À la galerie de Wégimont
Du 10 mai au 22 juin 2025
Vernissage le vendredi 9 mai 18h30
Finissage le dimanche 22 juin dès 14h

Pierre Pétry

Pierre Pétry, Autoportrait, s. d.,huile sur papier, 40 x 35 cm

Né le 26 février 1945 au sortir de la guerre, il meurt en 2017 à l'aube de ses 72 ans. Étudiant à l'Académie des Beaux- Arts de Liège entre 1962 et 1971, il est l'élève notamment de Jean Debattice et de Mady Andrien. Il y retournera en tant que professeur (dessin, sculpture, peinture décorative) de 1974 à 2010. Cet artiste a marqué, en Province de Liège et ailleurs, toute une génération de peintres et de sculpteurs, d'esthètes et d'amateurs d'art, sans oublier les amoureux des bêtes et les férus d'hybridité.
« J'ai toujours aimé observer les animaux. Et je me suis créé un univers. Sans y mettre une intention particulière, je peux relever qu'il s'agit toujours d'espèces familières et que je ne les représente jamais dans une attitude agressive ou dans une situation de danger. Je travaille aussi à créer tout un bestiaire hybride où on identifie des figures humaines. Mais il n'y a ni symbolisme, ni narration. » [1]
Démunie face à l'ampleur d'une production artistique désormais orpheline, la fratrie n'a pas souhaité que celle-ci s'éparpille et disparaisse. L'œuvre de Pierre ne devait pas se retrouver dans des mains peu scrupuleuses, faisant fi de sa valeur et de sa portée humaniste. Elle n'allait pas non plus sombrer dans la désolation d'un garde-meuble. Suite à une rencontre fructueuse entre René Pétry et Paul-Emile Mottard, président de la Fondation, le Fonds Pétry est créé. Débute alors l'inventaire de l'œuvre de Pierre, celle qui reposait encore dans son lumineux atelier de la rue Basse-Wez à Liège. Cet ancien bâtiment industriel réhabilité, à l'ombre du parc des Oblats et de la colline de la Chartreuse, Pierre le partageait avec ses voisins et amis, les artistes Michel Léonardi et Roel Goussey. Sa présence y est toujours palpable…
La Fondation a relevé des sculptures de petites et moyennes dimensions, en plâtre, polyester, résine ou terre, aux couleurs souvent vives voire chatoyantes, parfois empruntées à la peinture de carrosserie : personnages anthropomorphes à l'allure simiesque, à la tête de lapin, d'hippopotame, de taureau, ou de drôles d'oiseaux, … ; sculptures animalières, gallinacés et autres volatiles, cochons, lapins, équidés, poissons, pingouins…

Pierre Pétry, La chèvre rose, s.d., huile sur papier, 73 x 55 cm

De grands et petits dessins aussi, à l'huile ou au fusain, et aux sujets concordants.
Sur ce travail justement, Pierre s'exprimait ainsi : « Dans les dessins que je présente ici, c'est la ligne qui sert de guide à la composition. Puis, je reviens avec une matière picturale, de l'huile en bâton, appliquée avec une gestualité expressive. Les fonds blancs sont préservés, comme des silences. Je comprendrais qu'on apparente ces travaux à certains caractères de la peinture rupestre. Il y a aussi une allure d'estampe, peut-être de la lithographie avec des motifs décalés qui se super- posent, puis font naître d'autres images : une tête de cheval qui ressemble à un paysage. »*

Pierre Pétry, Red Rabbit, s.d., huile sur papier, 38 x 33 cm

Il en résulte une œuvre préservée de plus de 200 pièces auxquelles s'ajoutent des peintures de jeunesse, une foule de petits croquis, quelques carnets et des archives. Pierre Pétry a également pratiqué l'échange avec ses collègues et amis artistes puisque ont été découvertes d'autres œuvres aux dédicaces émouvantes. Tout cela témoigne de son long parcours dans l'imagerie onirique animalière, de quelques grands voyages, de son sens de l'ordre, de son goût du beau, de l'amitié, de sa volonté d'exposer, de travailler encore et toujours et ce jusqu'à son dernier souffle en 2017.
Un merci tout particulier est adressé à René, frère aîné de Pierre, grand amoureux des bonnes oies familières, celles de Konrad Lorenz et Selma Lagerlöf… Ce qui nous interpelle et nous éclaire aussi sur cette marotte si particulière de Pierre pour le motif animalier. « D'aussi loin que je me souvienne, a-t-il confié, j'ai toujours pris les animaux comme sujets. »* Pour donner le ton à cette ex- position posthume, la Fondation a invité Dominique Mathieu, fondatrice en 1993 du centre d'art contemporain liégeois Les Brasseurs, véritable laboratoire offrant aux artistes toute liberté pour créer. Elle a très bien connu Pierre qui fréquentait cet espace très convivial ouvert aux rencontres, aux échanges de pratique, à la réflexion. Dans l'exposition que nous vous offrons, Dominique a choisi de privilégier les représentations purement animalières. Un hommage doux et puissant à cet homme discret et élégant, parti sans faire de bruit…

Isabelle Neuray
secrétaire de la Fondation

Pierre Pétry dans son atelier

La Fondation

La Fondation Province de Liège pour l'Art et la Culture

Pierre Pétry, Allo !, s.d., huile sur papier, 147 x 107 cm

La Fondation Province de Liège pour l'Art et la Culture, présidée par Paul-Émile Mottard, voit le jour en 2017. Créée à l'initiative de Guy Vandeloise et Juliette Rousseff, un couple d'artistes liégeois désireux de léguer leur patrimoine à la Province de Liège, cette fondation d'utilité publique scelle une alliance entre l'Institution provinciale, les deux artistes et la création plastique. Les époux assurent ainsi la survivance de leur propre création artistique mais aussi de leur patrimoine personnel, un patrimoine immobilier et mobilier de collectionneurs érudits.
Outre le fonds Vandeloise-Rousseff, toujours sujet à se développer, la Fondation crée d'autres fonds distincts qui mettent en valeur des philosophies et des esthétiques de l'art différentes. Elle a la volonté de se tourner vers l'avenir en restant ouverte à des techniques et des attitudes multiples et variées. Elle privilégie les artistes ayant le sens de la liberté dans la recherche, à travers une pratique de l'art fondamentalement liée à la quête et à la construction de soi (psychologique, somatique, philosophique), en résonance avec le monde et par quelque moyen que ce soit.
Principalement dédiée aux arts plastiques, cette jeune fondation a pour mission de lutter contre le démantèlement de collections, d'œuvrer à la sauvegarde, à la conservation et à la valorisation de l'art liégeois des XX^e et XXI^e siècles. Constituant un vecteur de dynamisme et de développement culturels en Province de Liège, la Fondation met en valeur ses missions et les artistes qu'elle promeut par des expositions et rencontres, et l'édition de catalogues et ouvrages de réflexion. Elle s'emploie aussi à soutenir et promouvoir d'autres initiatives aux buts similaires.

Fondation Province de Liège Art et Culture

www.fondationartprovincedeliege.be

Le bestiaire hybride

Le bestiaire hybride : une question d'humanité

« Le rossignol pris pour un moineau,
cela aussi est le printemps
Buson »

Homme à tête d'éléphant, homme à tête de loup, à tête de chat, d'hippopotame, de lapin... Dans l'art de Pierre Pétry, depuis toujours, le monde animal se marie à l'hu- main. À moins évidemment, qu'il ne s'agisse de l'inverse. D'autant qu'à bien le regarder, ce curieux bestiaire arrive à nous surprendre au point que nous ne savons plus si c'est seulement le corps qui est animal ou si ce ne serait pas plutôt la mimique de leur visage, leurs yeux, leur port de tête qui... Les références sont immédiates, les associations faciles : d'Anubis au lapin d'Alice et de Raminagrobis au loup de Tex Avery.

Pierre Pétry, Wolfy, résine, s. d., 61 x 18 x 20 cm

Juxtaposer l'homme à l'animal est certes aussi vieux que le monde… Pour différencier les « tempéraments » humains, pour mieux en faire apparaître les particularités, de- puis longtemps les sociétés ont eu recours à l'affiliation animale, la brebis, l'aigle, le taureau, le lapin... Suivant la vieille physiognomonie, énoncée et illustrée par Gas- pard Lavater ou Charles Lebrun notamment, par simple ressemblance, on s'imaginait pouvoir identifier, dans
les traits physiques d'une tête ou d'un visage, les signes révélateurs d'une personnalité donnée, supposée parta- gée avec l'animal ; certaines expressions quotidiennes n'en ont-elles pas conservé l'empreinte ?
Si, à première vue, les procédés paraissent comparables, la référence, un peu facile, se révèle assez vite dépour- vue de véritable à-propos devant les œuvres de Pierre Pétry. Chez Pierre, s'il est question du monde animal, il est surtout question d'humanité. De profonde et de subtile humanité. Plutôt que le signe d'une volonté réductrice, ou d'une solution un peu rapide, pour ranger les hommes dans des catégories, l'association homme - animal chez Pierre est bien davantage la marque d'une particulière et peu commune attention aux hommes eux-mêmes. Sous ces airs d'amuseur d'enfants en mal de rêves, Pierre, avec son humour et sa réserve, nous murmure quelque chose qui parle de nous. Oui, de nous et ce même s'il avoue un peu vite, comme pour s'en excuser, avoir depuis toujours préféré étudier, dessiner, peindre et sculpter les animaux. Le chemin peut paraître détourné - par pudeur et par discrétion, par élégance aussi et la méthode surprend sans doute, mais, bien que les apparences du jeu soient trompeuses, c'est de nous qu'il parle.

Philippe Delaite

Pierre Pétry, 9 cm, s.d., huile sur papier, 147 x 107 cm

[1] Propos de Pierre Pétry recueillis par Pierre Henrion en 2016