Wégimont Culture

Brigitte CORBISIER

2026-09-16T14:13:41Z

Commissaire : Régine Rémon
À la galerie du cinéma Churchill
Du lundi 28 septembre au dimanche 22 novembre 2026

Pas besoin de mots pour aimer Brigitte

Pas besoin de mots pour aimer Brigitte

Brigitte Corbisier, La Roue du temps, 2010, triptyque, gravure à la pointe sèche, 26 x 276 cm.

Elle fait les meilleurs rognons au porto de Liège. Au point qu'on peut affirmer que sans rognons, il n'y a pas de porto. Sans Brigitte, pas de monde pictural. Le plaisir manquerait, et le goût. Avec des moyens dérisoires, comment s'interroger valablement sur le sens de la vie ? S'y intéresser par l'infinitésimal, la bactérie ? Embrasser sans élan, le monde, cosmos compris ? La pauvreté des moyens peut-elle en décrire la richesse ? Poser la question et ne pas y répondre est de mise …
Le cœur de Brigitte la fait entrer en action, elle forme des petits monticules protégés, identiques, à fleur de peau, multipliés et répétés dans les espaces qu'elle crée. Ils sont l'essence même de sa recherche. Nous les pénétrons chacun. De l'intérieur, nous suivons ses galeries-roches. Elles se rejoignent ou s'éloignent, nous faisant découvrir des landes inexplorées. Les lunes et leurs ombres. Des traces de vies qui collent partout et brillent. C'est un peu rocailleux. Puis c'est strié …
Comment encore embrasser le Monde tant infini qu'invisible, sans outils ou si peu ? Brigitte le tente. Elle commence par triturer sa pensée, la multiplie sur feuille, l'arrache, l'oblige. Elle fabrique des rochers par strates, des chemins.
Des sentiers, d'ailleurs. Une architecture griffue d'où sortent les horizons supposés. Quelques couleurs.
Parfois, une congère. Si c'est humide ou mouillé, elle laisse sécher à l'envi. À l'envi plutôt qu'au besoin car elle est mariée au hasard. Comme Eden. Elle élabore ses paradis. Les grands,
les petits, les inconnus surtout. De nouveaux parfois. Alors arrive l'outil-roi, l'agression délibérée, la pointe dirigée, la maladresse voulue, le retour en arrière comme un accouchement évident. Quotidien, d'heure en heure. La déglutition : elle avale autant qu'elle recrache. Elle est devenue
machine ! Elle pond du cerveau ! Façonne de la main ! Sans répit !
Brigitte avance dans ses longueurs kilométriques, corrige et rature. Elle note et coco-note, met en exergue et ponctue, colle et défait. Elle chante aussi, fait grand bruit. Ça gratte aux oreilles : les papillons restent, les oiseaux s'égaillent, sauf les choucas.
Regarder son travail entre les formes, les couleurs des matières, toucher des yeux, comble. Les griffures dirigent, emmènent, promènent et découvrent les paysages de l'intérieur des crânes, celui de Brigitte comme celui de certains êtres. Le crâne des mouches, le crâne des fleurs et des amibes. Parfois des cerveaux de malades, les voies de la résurrection, des guérisons. La mémoire de la vie. Une respiration, une sorte d'optimisme étranger que l'on peut toucher du doigt.
Dorénavant.
Brigitte Corbisier est une plasticienne, une athlète de l'art. Dans l'arène, Article 17 ou non, nous sommes les bienvenus. Il faut s'habituer à l'obscurité, aux blancs souillés, aux odeurs comme aux parfums, à la légère lumière du fond qui aide, par derrière. Il ne faut pas être trop aveugle, ni trop sourd, ni pressé. Ni trop exigeant avec soi-même. L'arrêt est autorisé, encouragé même.
Sur demande expresse.
C'est simple, il faut accepter de se laisser guider dans les méandres de sa pensée. Se laisser emporter avec calme. Se réjouir de la paix, enfin. Simplement.

Michel Barzin
Haute Desnié, le 4 mai 2026

La Roue du temps

La Roue du temps
« L'univers est contenu dans les petites choses », écrivait Sylvie Canonne à propos du travail de Brigitte Corbisier, en 2011, lors de l'exposition Panta Rhei au Cabinet des Estampes et des Dessins.
Panta Rhei ou l'idée du monde en perpétuelles mutations, un titre qui entre en parfaite résonance avec la vision du monde que s'en fait l'artiste. D'un tempérament dynamique, Brigitte Corbisier parle volontiers de son « cinéma mental », dans lequel les idées fusent jour et nuit. Cette activité intérieure se manifeste d'ailleurs dans sa production gravée particulièrement dense.
Partant d'observations dans son jardin, elle puise une multitude de sujets végétaux ou animaux qui l'inspirent pour ses croquis, ses gravures ou ses peintures. Pourtant, au cœur de sa démarche, son credo reste celui du « slow ». Pour l'artiste, la création permet de développer des qualités secrètes et d'opérer une transformation intérieure. Son sens aigu de l'observation l'amène inévitablement à ralentir, décomposant le mouvement avec une certaine poésie. Avec lenteur et poésie, elle traduit une éclosion ou un envol, nous offrant ainsi la perception de l'impermanence des choses.
Pour donner forme à cette pensée, Brigitte Corbisier privilégie des formats allongés. L'effet sériel engendre le mouvement et permet de raconter une histoire. Et puis, lorsque ses silhouettes se figent sur le papier, elle leur rend vie en les intégrant à des programmes d'animation vidéo. Le mouvement décomposé sur le papier se transforme et reprend. La boucle est bouclée.
Chez Corbisier, les animaux se transforment et se métamorphosent sans jamais que la narration ne s'achève. L'intégration du mouvement dans un cycle est fondamentale dans son œuvre.
(La roue tourne).
Dans son travail, l'artiste s'inspire des théories bouddhistes et de l'art du Japon. Que ce soit dans l'usage de papiers fins et délicats, mais aussi dans le minimalisme des formes ou la gestuelle de ses traits. Selon la tradition bouddhiste, le Temps est cyclique. Il conduit à la transformation et à l'éveil. La roue du temps relie ainsi l'univers extérieur à l'être humain, à son corps et à son esprit.
La Roue du temps, qu'elle a choisi de présenter, est une œuvre ancienne, dévoilée lors d'une exposition en 2007 à la galerie Arte Coppo (Verviers). Cette peinture colossale de dix mètres de long se distingue du reste de sa production, tant par son format que par le thème ésotérique qu'elle illustre. Quittant temporairement le monde animal et végétal, Brigitte Corbisier aborde avec sérénité le passage du temps dans toute sa grandeur. À l'acrylique, elle fixe un bâton au bout de son pinceau pour accéder à cette roue dont l'axe tourne au ralenti. De manière méditative, elle soigne le fond en nuances de lumière. Un ciel sombre et les sillons du Temps qui le traversent surplombent la roue, comme si celle-ci ne laissait pas le choix de sa trajectoire ou de sa destinée. La version acrylique est une succession de couches, déclinées en une variation d'ocres évoquant la terre.
Brigitte Corbisier aime travailler la matière. L'effet des barbes du métal donne du relief à sa composition, tout comme l'acrylique appliquée au pinceau-bâton. Quelques années plus tard, elle réalise une longue estampe sur le même thème. Alors, elle incise les sillons du temps dans la matrice de métal.
Ainsi, cette œuvre, par sa matière et sa composition, invite à une méditation sur la beauté du mouvement perpétuel.

Fanny Moens

Brigitte Corbisier, La Roue du temps, 2007, acrylique au pinceau et bâton sur papier Canson, collé sur support, 200 x 1000 cm (détail)

©Luc Lejeune

Panta Rhei, tout coule…

Panta Rhei, tout coule…
Brigitte Corbisier dessine, peint et surtout grave. Avec bonheur. Après la découverte assez tardive de la linogravure, elle choisit la technique exigeante de la pointe sèche, quelque soit le support, -zinc, cuivre, plexiglas, papier aluminium...-, quitte à l'associer à l'aquatinte ou la linogravure, voire même à des procédés numériques.
Après des participations remarquées aux Biennales de Gravure, de 2003 à 2009, et une exposition solo Panta Rhei au CED, Brigitte Corbisier effectue en 2024 une importante donation de plus de 250 œuvres sur papier, comprenant estampes et pastels, en faveur du Cabinet des Estampes et des Dessins, preuve de sa grande générosité.
La part gravée comporte plusieurs séries comptant jusqu'à vingt pointes sèches sur papier Chine ou Japon
collé, certaines de grands formats, alliant le noir
et le bistre : Les mouches (2006), Les huîtres (2010),
Le petit Chrysope (2013), Labyrinthe (2016), Les graines du cosmos (2019), Jouons petits bourgeons (2021) et d'autres encore. L'artiste puise son inspiration dans la vie secrète de son jardinet sur les hauteurs de la Citadelle. Elle observe des heures durant les colonnes de fourmis, la prison des coccinelles, l'envol d'un bourdon, les mouches …. Les brins d'herbes, graminées, noyaux de pêches, pépins de citronniers s'invitent à leurs tours ; plus loin, des chemins de traverse, des falaises, des labours, voire une ziggourat … Point d'orgue de cette donation, Les bestioles, installation très poétique présentée en 2007 lors de la 7^e Biennale de Gravure composée d'une vaste forêt dansante de papiers transparents suspendus, ornés d'insectes virevoltants, gravés à la pointe sèche et retravaillés numériquement.
L'autre aspect de la donation comporte quantité de croquis esquissés sur du papier kraft découpé, à l'aide de pastels de couleurs vives ; un seul d'entre eux est daté de 1988. Des fruits, des silhouettes, des motifs décoratifs : tout est prétexte à saisir une attitude, une expression, un accord
de couleurs, juste le plaisir de fixer l'instant. Contemporains sont les croquis de SDF réalisés dans la salle d'attente de la gare des Guillemins, entre 1980 et 1990. Brigitte croque discrètement des hommes emmitouflés, pensifs ou hagards, et tente de leur redonner une identité. Toujours avec tendresse (don de Germain Dufour au CED en 2013).
Il y a quelques mois, Brigitte a exprimé son souhait de compléter cette importante donation envers le musée liégeois, donation qui se doublerait d'une autre destinée cette fois
au Comptoir d'estampes de Wégimont.

Régine Rémon
d'après le catalogue de l'exposition
« Musée des Beaux-Arts de Liège.
Dix ans d'acquisitions. 2016-2026 »,
Liège, 2026, p 167.

Marc WENDELSKI

2026-09-16T07:37:47Z

Commissaire : Dominique Mathieu
À la galerie de Wégimont
Du 26 septembre au 1^er novembre 2026
Vernissage le vendredi 25 septembre 2026 à 18h30
L'artiste sera présent le 31 octobre de 14h à 18h

Dust

Sous nos pas le sol gronde et se fissure, et on ne sait plus si c'est une montagne ou un volcan qu'on gravit, si c'est de la neige ou de la cendre qui retombe et se pose sur nos paupières ni si le sommet tiendra malgré tout ses promesses.
Fumée noire : encore un bip, une notif', et mon regard quitte l'horizon. Des glaciers pleurent pour rejoindre une mer en colère, l'Europe remplace les étoiles par des barbelés, une espèce vient de s'éteindre, une de plus. Fumée blanche, soldes monstres, mensonges enivrants, coach personnel, plan social, milliardaires en orbite, épuisement total. Des nuées de solitudes poursuivent le printemps en avion, sourire forcé, compagnon virtuel, écran total. Je résiste et j'enregistre pour plus tard …
Une affiche publicitaire dissidente montre son dos bleu et se marie au ciel d'été. Souvenirs d'une éclipse, éclats de civilisation, je m'accroche aux derniers rayons, à la lumière à travers la suie, à tout ce qui nous a précédé et à tout ce qui nous suivra. Aux cimes et aux floraisons, aux torrents et aux brumes, aux envols et aux respirations. Je vois dans l'ombre, des enfants grimpeurs matraquant leurs espoirs au travers d'un ‘gueulophone' fracassé, jouant leur futur dans la boue des saccages, balbutiant les nouveaux mythes dans des langues amoureuses. J'ai bon espoir et j'enregistre pour maintenant.
Dust, c'est l'ambivalence de notre époque, les contradictions dans lesquelles on patauge et la nécessité d'imaginer, malgré tout, au cœur même de nos incertitudes.

Marc Wendelski

Marc Wendelski, Sans titre, extrait de la série Dust, 2017, 116 x 94 cm

Marc Wendelski, Sans titre, extrait de la série Dust, 2025, 116 x 94 cm

Ciel de traîne

Si un jour, dans le futur, un archéologue se penche sur notre époque et constate les ravages que celle-ci a fait subir à la somptueuse nature dont elle avait hérité, j'espère que le hasard mettra sur sa route les photos de Marc Wendelski, car il tiendrait entre ses mains un fabuleux témoignage sur ces temps incertains qui furent les nôtres.
En effet, pendant des années, partout où il allait, en Allemagne, en Angleterre, au Canada, au Chili, et à présent, plus près de chez nous, sur les collines boisées proches des sites industriels de Seraing ou à proximité de nos anciennes mines de charbon, Marc Wendelski emprunte des chemins parallèles qui ne figurent sur aucune carte postale. Ses centaines de photos constituent, en réalité, un dossier à charge sans concession dénonçant la toute-puissance du monde financier et l'inertie politique face à l'urgence climatique, malgré les cris d'alarme des scientifiques.
Ajoutant sa voix à celles qui s'élèvent et mobilisent leurs forces pour que nous ne courrions pas tous, d'un même élan, vers une catastrophe planétaire d'une ampleur sans précédent, cet amoureux de la nature dédie une grande partie de ses œuvres à cette cause.
Loin du confort de son atelier, il repère les terrains vagues, les forêts abîmées, les pâturages asséchés, les eaux souillées, les sources taries, les carcasses d'acier rouillées, les banlieues sans âme sous des ciels de traîne.
Décors à l'abandon où personne ne semble plus vivre. Visions d'apocalypse. No Future ?
Peut-être et pourtant, l'émotion poétique que ses photos suscitent, le jeu magique de leurs lumières subtiles et les tensions qu'elles créent entre l'inquiétude et l'émerveillement renforcent, je le crois, notre désir de ne pas laisser tomber les bras.
Les fleurs croisées sur les sentiers, l'envol d'un papillon, la silhouette furtive d'un loup, les lierres qui s'accrochent aux fils barbelés, la clarté des étoiles qu'il débusque sont autant de signes que son œuvre envoie pour que nous disions tous « Stop ».
Comme l'avait dit cette jeune fille de 17 ans à l'ONU, en 2019 : « Comment osez-vous ? Vous avez volé mes rêves et mon enfance avec vos paroles creuses. Tout ce dont vous parlez, c'est d'argent et de contes de fées de croissance économique éternelle. S'il vous plaît, considérez la crise climatique comme la crise gravissime qu'elle est et donnez-nous un futur » (Greta Thunberg).

Dominique Mathieu

Marc Wendelski, Sans titre, extrait de la série Dust, 2018, 74 x 60 cm

Frayeur(s) d'hier

2026-08-03T14:21:47Z

Commissaires : Dragana Bojic et Audrey Lo Bianco
A la galerie du cinéma Churchill
Du 29 juin 2026 au 27 septembre 2026

Participants :
Catherine Bourgeois, Francis Capet, Adeline Constant, llona Chlubnova, Nathalie D, Cléo De Bundel, Nicolas Deprez, Ducha, Nelly Haikal, Serge Hamels, Jean Hannay, Line Hubert, JeanJacques Jacob, Claude Kollasch, Blanca Martinez Delgado, Honoré Ndayishimiye, Adam Nys, Nathalie Renwart, Christine Sarris, David Titz, Claude Velasti, Hughes Winandy, Laurence Wisniewski,
Professeure : Audrey Lo Bianco

Tout a commencé par une erreur : un mail envoyé par mégarde aux élèves. De cette maladresse est née une interrogation : que représentait la crainte autrefois ?

Serge Hamels. linogravure. 58 x 39 cm. 2026

Quelles sont nos frayeurs d'hier et d'aujourd'hui et quelles sont nos définitions de la peur ?

Hughes Winandy, eau forte, aquatinte, 39 x 58 cm, 2026

Les discussions au sein de |'atelier —collectives ou individuelles — ont permis d'ouvrir des pistes de réflexion et d'affiner les intentions de chacun.

Au fil de ces échanges, une écoute attentive a favorisé des liens entre les élèves basés sur les affinités artistiques, les démarches proches ou le simple plaisir de créer ensemble.

Chaque projet est unique et chaque lieu représente un défi. L'espace impose ses limites, fait évoluer les idées et encourage des solutions inédites. Pour cette exposition, une approche spécifique a été choisie : le travail en binôme. Cette contrainte a pris forme selon la sensibilité de chacun, son vécu et I'écoute de l'autre, permettant de tisser des liens par le dialogue afin de donner vie aux images.

De quoi aviez-vous peur autrefois et qu'avez-vous fait de cette peur aujourd'hui ?

Line Hubert, aquatinte, pointe séche, 39 x 58cm, 2026

Adam Nys. Audrey lo Bianco. collagraph1e. eau forte, collage. 58 x 39 cm. 2026

À hauteur d'enfance

2026-05-02T13:09:44Z

Du 9 mai au 21 juin 2026, la galerie de Wégimont accueille l'exposition « À hauteur d'enfance », proposée par la Province de Liège et son Département Culture.

Du samedi 9 mai au dimanche 21 juin 2026
Vernissage le vendredi 8 mai 2026 à 18h30
Horaires : samedis et dimanches de 14h à 18h et sur rendez-vous

Cette exposition explore la manière dont les artistes convoquent les imaginaires liés à l'enfance. Elle interroge les notions de fantaisie, de jeu, de couleur et d'humour, à travers une sélection d'œuvres variées issues de la Collection artistique provinciale. Peintures, sculptures, gravures et vidéos dialoguent dans une scénographie pensée librement, mettant en relation des univers singuliers et poétiques.

La Collection artistique de la Province de Liège se développe notamment par des acquisitions visant à soutenir la création contemporaine et les artistes du territoire. Elle se compose d'un ensemble d'œuvres reflétant une diversité de styles et de démarches, valorisée à travers des expositions et des collaborations culturelles.

L'exposition rassemble des artistes tels que Éric Deprez, Antoine Van Impe, Thierry Grootaers, Vanessa Cao, Hubert Grooteclaes ou encore Marie-José Sacré, parmi d'autres.

Paul Mahoux

2026-03-02T14:25:50Z

Commissaire : Dominique Mathieu

Du 13 avril au 28 juin 2026
Vernissage le jeudi 16 avril à 18h

Paul Mahoux

Paul Mahoux, un marcheur brouilleur de pistes

Paul Mahoux, Une nuit avec Moby Dick, pastel, A5, 2019 - 2024

Si Paul Mahoux n'avait pas été enseignant à l'Académie royale de Beaux-Arts de Liège, dessinateur et peintre, il aurait pu être archiviste, chroniqueur bibliothécaire ou bio- graphe. D'ailleurs, réflexion faite, n'était-il déjà pas tout cela à la fois ?
Se promener dans le réel pour le transformer, faire surgir l'intime en décodant l'histoire et les échos du monde, détourner le sens du temps qui fuit en y créant des correspondances, inverser les points de vue, fixer une émotion fugace, tout cela tisse, il me semble, le canevas d'une inspiration foisonnante dont les sources sont multiples.
Cependant, à l'inverse de certains, Paul Mahoux ne s'est jamais intéressé au passé en tant que tel, il ne part pas à sa recherche et si il le fige, c'est pour lui imaginer un futur à travers ses écrits, ses peintures, ses dessins, ses photos.
En me rendant chez lui pour préparer son exposition au Churchill, toutes ces idées me traversaient l'esprit. Nous avions souvent travaillé ensemble lorsque je m'occupais de la programmation artistique du Centre d'art contemporain « Les Brasseurs ». Paul y avait exposé une série d'œuvres où les couvertures de journaux « Le Soir » et « Libération » accrochées aux trois étages du bâtiment servaient de toile de fond à ses interventions picturales. Nous étions en 1998 …
Vingt-huit ans plus tard, même si nous nous sommes souvent croisés, c'est la première fois que je découvrais son nouveau havre, un petit appartement surplombant Liège avec une large part de ciel dont la lumière inonde des bibliothèques surchargées de bouquins, des étagères croulant sous le poids de ses collections d'archives, de projets, d'ouvrages auxquels il a participé. Il m'en sort quelques-uns et je m'installe dans sa cuisine, où je prends des notes en l'écoutant parler :
J'ai réalisé plusieurs projets avec Pascal Leclercq, poète et éditeur. Ensemble, nous avons notamment crée la revue littéraire et graphique « Boustro », un ovni créatif dont la liberté est la règle d'or. Karel Logist et Laurent Danloy étaient aussi de la partie.
J'ai également illustré certains de ses poèmes, publiés par Tetras Lyre. Pour son poème « Vous êtes nous serez vous sommes » où il brouille les règles grammaticales pour démontrer l'impossibilité et l'absurdité de tenter de cerner l'identité de quelqu'un, j'ai peint, à partir d'articles de journaux, des aplats aux couleurs de l'argile qui s'opposent à des masses bleutées, reflets des nuances de nos milliards d'écrans, le tout est traversé par la ligne blanche d'un cardiogramme qui s'emballe.
La terre, notre origine. Les bruits du monde. Moi, ce que je suis. Les autres… Toutes ces interférences m'intéressent, j'essaie d'y voir plus clair et ce n'est pas facile. Ma mémoire est un fouillis, elle ressemble à mes caves.
C'est peut-être pour cette raison que je me suis obligé, chaque jour, à laisser une trace, j'ai alors utilisé comme supports des agendas moleskine, en 2014, il était en noir et blanc, en 2020, je me suis autorisé la couleur.
La page de gauche était strictement utilitaire : dates d'anniversaire, rendez-vous, listes de courses… sur la page de droite, c'était un dessin, une peinture, un évènement, une phrase, je les compare à des flashs d'infos, à des news, ça part dans tous les sens.
Un peu plus tard, la même année, me dit-il, à partir du texte qu'elle venait de terminer et dont le titre était « 10 ans », Caroline Lamarche m'a proposé d'illustrer son récit par mes dessins. Elle souhaitait établir des parallèles et des croisements entre l'intime et l'universel à partir de deux pôles : l'évolution du désastre climatique planétaire et celle du drame qui avait frappé sa famille en plein cœur à la naissance de sa fille atteinte de mucoviscidose, maladie des poumons extrêmement grave et incurable à l'époque. Les médecins lui donnent dix ans à vivre…. Nous avons travaillé des heures et des heures ensemble, j'ai divisé son texte magnifique où elle se glisse dans la peau de son enfant, en petites bulles de pensées et de phrases qui évoquent sa course contre le temps, ses essoufflements, ses traitements, ses colères, ses rêves.
Comme toile de fond, j'ai dessiné des forêts, des arbres dont les ramifications me font penser à celles des poumons, eux aussi, ils sont fatigués, essoufflés, torturés. Cette petite fille et ces arbres suivent la même course contre le temps avec, parfois, l'espoir de résister à la disparition qu'on leur a prédit.
Épuisé par l'énergie que lui a demandé tous ses derniers travaux, la violence des thèmes abordés et certains évènements personnels, Paul décide alors de prendre l'air. Il marche. Chaque jour, il augmente ses kilomètres, son Gsm lui sert d'outil, il va prendre des photos partout, il cherche ce qu'il fait sans gouvernail, sans boussole.

Paul Mahoux, Une nuit avec Moby Dick, pastel, A5, 2019 - 2024

Une nuit, devant sa télévision, Gsm à la main, il photographie Moby Dick, film culte de John Huston, sorti en 1956 et inspiré par un des phares de la littérature américaine, Herman Melville.
Des photos de ce récit hallucinatoire opposant le bien et le mal, à travers le déchaînement d'un homme et ceux des océans, Paul Mahoux créera soixante « dessins » d'une force hypnotique en parfaite symbiose avec ce texte du romancier navigateur qui terminera le mien... Accrochez-vous ! Plein cap vers le grand large !

Dominique Mathieu

Une nuit avec Moby Dyck

Une nuit avec Moby Dyck

Extrait du journal de Paul Mahoux

Paul Mahoux, Une nuit avec Moby Dick, pastel, A5, 2019 - 2024

« C'était un samedi, au milieu de l'été, le 19 juillet 2019. Les enfants étaient chez leurs mères respectives, j'étais seul chez moi. Juillet n'était pas mon mois préféré bien que j'aime l'été et la chaleur. Impossible de comprendre pourquoi, je me sens fragilisé, par moments à cette époque précise de l'année. Chaque année. Autant j'aime août, autant juillet me perturbe, chaque fois. Mystère des perturbations du calendrier psychique ou d'invisibles actions climatologiques particulières en cette saison précise…
Ce jour-là, je vois que Moby Dick est au programme télé en soirée. Je vais chercher une bouteille de vin rouge, ce que je ne fais jamais quand je veux regarder un film. Je m'installe dans mon divan et je prends des photos de l'écran avec mon portable.
Quelques centaines de photos, trois ou quatre cents, du début à la fin du film. La bouteille de vin entière y passe. Moby Dick. Violence et Plénitude. Pas « ou » mais « et ».
Les photos restent dans la mémoire de mon portable. Je les garde, sans trop savoir ce que je vais en faire, mais en pensant les utiliser, un jour, d'une manière ou d'une autre, pour un travail pictural ou graphique.
Ce sont des fantômes, ces photos, et les fantômes, ça me parle. Le 21 décembre 2024, je réalise une première double page. Deux A5, une image coupée en deux par le pli du futur bouquin, ce sera le code graphique, si je trouve un éditeur intéressé par le projet. Dès le départ, je pense plutôt livre que projet d'expo. Moby Dick, dans mon parcours, c'est avant tout un film, vu à plusieurs reprises depuis mon enfance. Un film adoré par mes copains, par mes proches et moi. J'ai lu le livre plus tard, à l'âge adulte mais il m'est difficile de me souvenir quel âge j'avais à cette époque.
Par contre, je me souviens des heures de route de détours nécessaires pour voir le « Musée de la Baleine » à New-Bedford en partant de New-York pour retrouver des amis à Montréal ainsi que des milliers de kilomètres ajoutés au trajet New-York – Montréal pour apercevoir peut-être des baleines dans le Saint-Laurent à Tadoussac.
Plus tard, bien plus tard, à l'âge adulte, il y eut la découverte des livres d'un autre auteur américain Cormac Mc Carty dont la lecture de « La route », par la manière dont il arrive à traduire la plénitude et la violence du monde, m'a également profondément marqué.
Non pas plénitude ou violence, mais plénitude et violence.

Paul Mahoux

Christine Renard et Thomas Chable

2026-03-02T13:45:13Z

Commissaire : Dominique Mathieu
À la galerie de Wégimont
Du 21 mars au 19 avril 2026
Vernissage le vendredi 20 mars à 18h30
Finissage en présence des artistes le 19 avril

En prélude à ce texte, un avertissement s'impose : si vous voulez entrer dans l'univers de Christine Renard et Thomas Chable, mettez de bonnes chaussures. La route sera longue…

Atelier de Coco à Poulseur

Elle commence en 1990, à Poulseur, petit village en bord de l'Ourthe, son vieux café d' habitués « Le Poul's Café », ça ne s'invente pas, une épicerie aussi pimpante que la boucherie sa voisine et, détail important, non loin de là, la gare, ouverture vers le monde qu'ils ont tant parcouru.
Auraient-ils choisi ce village sans elle ? La question reste en suspens. Quoi qu'il en soit, c'est bien dans ce décor de cartes postales anciennes qu'ils vivent maintenant depuis trente cinq ans. Leur maison ? Un ancien moulin à grains, aux vastes pièces innombrables prolongées par un jardin luxuriant qu'une verrière surplombe. À l'image de leur couple, il est devenu un nid chaleureux, protecteur, ouvert aux amis et ô combien … hors-normes !
Entrons-y. Imaginez-vous être à la fois dans un laboratoire d'alchimiste, un vieux musée ethnographique consacré aux voyages, une réserve d'un brocanteur-fou doublé d'un bricoleur de génie ou pourquoi pas dans la cachette d'un archéologue ! Vous aurez alors, une petite idée du charme et de l'atmosphère de cet endroit magique dont ils ne déménageront jamais. « C'est notre bateau, nous coulerons avec lui » dira Thomas.
De cette symbiose va naître deux parcours artistiques bien distincts, chacun y poursuivant son propre chemin pour le mener à sa guise.
Flash-back. Dès l'adolescence, à l'inverse de bien des lycéennes, Christine est fascinée par une science ancestrale : la chimie. La fusion des métaux, la mutation des éléments, les variations de couleurs, le feu, l'eau, les fioles, les alambics, l'infinité des métamorphoses et des symboles, tout lui parle.
Aujourd'hui encore, cette science-sorcière qu'elle ne cesse d'interroger reste une clé essentielle, le « sésame » qui ouvre toutes ses œuvres.

Christine Renard, Poulpe, bronze patiné, 2021

Très vite, dit-elle, j'ai compris que j'allais apprivoiser ce savoir pour y imprimer ma marque, je serai sculptrice et je découvrirai les mystères du bronze. À 16 ans, je me suis donc inscrite à Saint-Luc, c'est là que j'ai rencontré Thomas.
Il suivait les cours de photographie, son père lui en avait donné les ficelles et il me parlait déjà des idées de voyage qui lui trottaient en tête.
Trois ans après leur installation à Poulseur, cette humeur vagabonde revient à la surface pour les emmener vers l'Afrique, ce sera le début d'une très longue aventure, une seconde vie en quelque sorte, qui couvre trois décennies.

Sécou Traoré, l'atelier de fonderie, Poulseur, 1999

À Ouagadougou, premier port d'attache, par un de ces merveilleux hasards qu'offre parfois la vie, un ami va aider Christine dans sa quête initiatique, il la met en contact avec Sékou Traoré, un maître fondeur travaillant en famille dans le quartier réservé à cette profession.
Dans son atelier, elle apprend les mélanges subtils de l'étain et du cuivre, leurs dosages et les températures nécessaires pour qu'ils se transforment en coulées de bronze liquide. Elle y reste plusieurs mois, il revient avec elle en Belgique, une amitié se tisse et ses œuvres se multiplient.
Vénus paléolithiques, bestiaires fantasmagoriques, ex-voto, bijoux, talismans, meubles, tables et bancs, amphores et vases, son imagination semble sans limite.
Je mélange tout avec tout. Pas de hiérarchie, des coups de cœur. Je ramasse des perles, des coquillages, des coraux, du quartz, des pigments, des herbes, je les insère dans le bronze, je polis, je peins, je fais des croquis. J'aime les volcans, le végétal, l'organique. J'ai un faible pour les pieuvres, les libellules, les araignées, clin d'œil à Louise Bourgeois. Je ne sais jamais ce que je vais faire, mais à un moment donné, je sais que c'est ça. À chaque coulée de bronze, je suis euphorique, sous tension, ça casse ou ça passe.

Thomas Chable, Lacombe, 2023

Pendant ce temps, très loin des hordes touristiques, Thomas Chable se balade le long des quatre mille cent trente-quatre kilomètres du fleuve Niger. Un appareil argentique, un sac au dos, des souliers solides et parfois, une pirogue lui suffisent. Il prend son temps et des photos. Elles captent des émotions fugaces, les gestes suspendus, les éclats du soleil, ses ombres douces, les détails du quotidien intime de ceux qu'il rencontre et qui l'accueillent.
Dans son journal de bord qui servira de texte à son livre Odeurs d'Afrique, il prend des notes.
Lac Débo : ça et là apparaissent quelques îlots laissés par la décrue des eaux dont Barcapile, le plus grand campement de pécheurs Bozos. Ici, dans cet immense espace, l'œil parcourt librement l'horizon, il porte loin, rien ne l'arrête. Aucun obstacle, pas même l'arbre à palabres, juste le soleil comme témoin. Le jour se lève tôt, les femmes avant lui.
Ambiance très calme : fin de journée, un dimanche qui n'en finit pas, un temps enfin apaisé, balayé par un vent de fine poussière. À vrai dire, l'intégration est chose facile par ici pour qui sait se laisser modeler par le temps mais aussi par le vent, ce merveilleux sculpteur. Tout se fond imperceptiblement dans le paysage humain de la bouche du Niger. Pas le moindre son discordant, pas un mouvement pour déranger cette plaine où passe, silencieux, le fleuve.
Cet humanisme tendre qui distingue l'œuvre de Thomas de tous les autres photographes se déclinera aussi dans le livre Brûleur (nom donné aux milliers d'africains qui veulent rejoindre l'Europe) et dans le coffret Éthiopie.
Hélas, pour les raisons que nous connaissons, le livre qui devait illustrer son long séjour en Palestine entrepris lors d'une courte trêve des combats, ne sera jamais publié.
Depuis plusieurs années, l'Afrique est à feu et à sang, la Palestine est anéantie, les migrants s'entassent par millions dans des camps.
Thomas, voyageur empêché, revient vers ses racines et son nid. Il publie Salomé, prénom de leur fille, il y capte aussi la blondeur de Christine que tout le monde appelle Coco, les grimaces des enfants, les amis qui débarquent, les reflets entre chien et loup des forêts voisines tombant dans les eaux de l'Ourthe.

Thomas Chable, Abiya Adi, Éthiopie, 2018

C'est notre dernière étape. Notre route s'arrête là où elle a commencé. Reprenons notre souffle pour écouter, loin des bruits du monde, l'écho de ce texte que Rilke aurait pu leur dédicacer.
Pour écrire un seul vers, il faut avoir vu beaucoup de villes, d'hommes et de choses, il faut connaître les animaux, il faut sentir comment volent les oiseaux et savoir quel mouvement font les petites fleurs en s'ouvrant le matin. Il faut pouvoir repenser à des chemins dans des régions inconnues, à des rencontres inattendues, à des départs que l'on voyait longtemps approcher, à des jours d'enfance dont le mystère ne s'est pas encore éclairci…

Dominique Mathieu

Luigino de Zotti

2026-01-20T21:27:25Z

Commissaire : Dragana Bojic
À la galerie du cinéma Churchill
Du 2 février au 12 avril 2026

Luigino

Luigino de Zotti, Diptyque IV, sérigraphie, 24 x 40 cm, 2016

Celui qui n'a pas passé une soirée avec Luigino de Zotti ne le saura sans doute pas - mais je vous en informe -, il n'est pas du genre à vous faire de grands discours. Tout le monde n'a pas non plus eu la chance d'avoir des parents communistes, Luigino si, au moins par son père. De l'union de ses parents est sorti un couple paradoxalement royal : une fille, Nadia, un fils, Lui.
Un grand cœur aux artères lisses, et à l'amitié fiable, un esprit subtil, friand de dialogues et prêt à l'écoute. Une bienveillance manifeste, et le goût du travail bien fait.

Luigino de Zotti, Dyade, fusain sérigraphique, 50 x 80 cm, 2017

Les gestes sont précis, décidés et économes, comme ceux de tout bon ouvrier. On ne fait jamais n'importe quoi, n'importe comment. L'oeil distingue, en collaboration avec les autres sens et un cortex attentif, ce que le corps est en train de faire, et ajuste l'idée à la réalité qui se crée. Pas le temps d'hésiter, la nourriture doit rester fraîche. Les aplats, les traits éventuels s'agencent, comme naturellement, pour former des harmonies bien construites où la solidité ne verse pas dans la lourdeur, où le chant des tons ne verse pas dans la pompe, mais garde vie, fraîcheur et profondeur. C'est juste juste. C'est la dose recommandée.
C'est du bon. On peut regarder, on ne va pas tomber malade, on ne va pas s'ennuyer, ni faire une attaque nerveuse. C'est là pour faire du bien, et ça marche, toujours, parce que le travail est bien fait - Luigino et Luigi me pardonneront l'expression - Come dio comanda.
J'ai testé pour vous : on ne s'en lasse pas. Vous pouvez regarder, savourer, encore, encore. Profitez et pensez à votre chance ; comme l'homme qui le produit, l'œuvre est unique, rare.
Et il ne vend pas cher. C'est comme si vous aviez eu la chance d'avoir un papa communiste.

Julien Barzin, un matin de novembre, le 14

Luigino de Zotti, Diptyque II, sérigraphie, 24 x 40 cm, 2016

Les images de Luigino soulignent un fait artistique digne de mention : économie de moyen n'est pas synonyme d'ascèse ou de sévérité. C'est en ce qu'elles sont profondément vivantes, généreuses, épicuriennes, que ces compositions nous touchent. Le jeu qui consiste à construire
pour se construire, nous rappelle, avec bienveillance, à nous-mêmes.
L'art traite-t-il d'autre chose ?

Julien Barzin, il y a quelques années

Luigino de Zotti, Diptyque I, sérigraphie, 24 x 40 cm, 2016

Romain Van Wissen

2026-01-20T19:20:56Z

Commissaire : Georges Demarteau
À la galerie de Wégimont
Du 24 janvier au 1^er mars 2026
Vernissage le vendredi 23 janvier 2026 à 18h30
L'artiste sera également présent les 1^er février 2026 et 1^er mars 2026

La véritable histoire de « Tout l'Univers »

La véritable histoire de « Tout l'Univers »

Romain Van Wissen, Tout l'Univers, acrylique sur toile, 26 x 24 cm, 2025

Quelqu'un a sonné à ma porte et a disparu aussitôt, laissant sur le seuil deux grosses caisses de livres, des encyclopédies et des dictionnaires. C'était au mois de mai 2025 et je n'ai toujours aucune idée de qui il s'agissait. Un peu contrarié par cette insolence, j'y ai tout de même jeté un vague coup d'œil. Rien d'intéressant à priori, j'ai failli les mettre au rebut.
Au deuxième coup d'œil, je me suis aperçu que, sous les horribles couvertures en plastique jauni, s'en trouvaient d'autres entoilées et rouges avec l'inscription « Tout l'Univers » en doré vieillissant. Magnifique ! Je les ai récupérées pour en faire des cartons toilés (les rectangulaires
des encyclopédies et les carrées des dictionnaires). Lorsque j'étais plus jeune, mes parents avaient acquis ce genre d'encyclopédies, en quarante volumes plus ou moins. On les trouvait d'ailleurs chez un peu tout le monde, elles garnissaient littéralement et fièrement les étagères des bibliothèques sans jamais en sortir, ou presque. Des livres d'une inutilité crasse, ouverts une fois ou deux par curiosité, avant de reprendre leur place définitive sur leur planche et prendre la poussière.

Romain Van Wissen, Tout l'Univers, acrylique sur toile, 31 x 24 cm, 2025

Leur titre « Tout l'Univers » m'a fait sourire Dépassées dès leur sortie de presse, ces encyclopédies ne pouvaient pas non plus être exhaustives sur l'entièreté de l'univers. C'est cet excès d'ambition qui m'a amusé et immédiatement stimulé. J'ai eu envie de pousser le bouchon un peu plus loin. Avec dérision, j'ai choisi de représenter des sujets banals et sans importance. Mais aussi des jouets un peu ridicules et obsolètes, des gens ou des animaux dans des postures étranges. En somme toutes sortes de choses qu'on ne trouverait probablement pas telles quelles dans une encyclopédie et qui représenteraient plutôt l'envers de l'univers.
Le rouge vif des cartons constitue un fil conducteur à travers tous ces sujets disparates. Le titre y apparaît ou transparaît de temps à autre et souligne encore un peu la dérision des motifs. Certains cartons n'ont pas de titre, ce sont les dos des livres. « Tout l'Univers » est un titre un peu prétentieux. Je sais, mais la thématique est sans limite, et ça, ça me plaît !

Romain Van Wissen
octobre 2025

Romain Van Wissen, Tout l'Univers, acrylique sur toile, 31 x 24 cm, 2025

Romain

Romain

Romain Van Wissen, Tout l'Univers, acrylique sur toile, 26 x 24 cm, 2025

Romain est un surdoué. De plus, il sait vivre et aimer. Il sait peindre bien et dessiner bien : il peut faire comme Rembrandt s'il le veut. Mais cela ne l'intéresse pas. Son ambition ne se situe pas dans les musées. Il leur préfère les cuisines et les bibliothèques. De la cuisine, il prend les fonds d'emballages et des livres, les couvertures.
À cause des reliefs dans le premier cas, de la couleur et de la force du support dans le deuxième. À la manière d'un ouvrier qui voit tout et qui solutionne les problèmes. Rien ne pourrait lui faire peur puisqu'il a tous les outils pour arriver à ses fins.
Ses fins, son but est de nous épater par des juxtapositions improbables. L'important est que l'image dans l'image donne des rébus visuels à l'aide de ses matières choisies, car à-propos, collectionnées et aimées car elles l'ont fait sourire.
Il n'a pas besoin d'étaler sa virtuosité qui est partout, non, mais elle lui permet de rester léger. Sa peinture rit. Romain rit quand il travaille et cela se remarque. C'est si remarquable que ses expositions deviennent des symphonies joyeuses.
Qu'y voyons-nous ? Du connu : notre quotidien à tous et sous toutes latitudes, des fleurs au tarmac, d'un sommier aux nuages, d'un éclair à une porte de garde-robe, d'une poupée à un couteau... tout est dans son escarcelle.
Romain, c'est du sucre coloré, des lacquemants, des beignets et de la sauce bolo à leur plus haut niveau. Il peint la vie d'aujourd'hui en se servant d'hier afin d'essayer d'atteindre demain, qui sait ?
Dans tous les cas, Romain nous balade et nous invite à la promenade d'images en images, un chemin étrange fait de bousculades et de formes. Une matière ici, des répétitions par-là. Des séries pour se pénétrer de sa musique. Ce n'est pas difficile, il suffit, pour entrer dans son jeu, de laisser son esprit à l'entrée. Comme on devrait le faire plus souvent sans doute.
Romain pense à son travail sans arrêt, le temps semble lui man- quer, il court, ne veut pas être en retard, alors sa main s'impatiente. Sa main n'a peur de rien puisqu'elle peut compter sur sa science, son savoir, ses armes victorieuses.
Alors arrive l'imprévu sur son seuil : on y a déposé des encyclopédies. Il en fera son support et l'exposera sous toutes ses facettes et dans tous les formats. Il exulte devant ce rouge et le multiplie. Le fond lui donne le sujet, le contraint. Tout est dans tout mais pas nécessairement dans les encyclopédies. L'art n'y a pas sa place. L'art n'a pas de formule chimique et n'est pas dans le fichier. Il n'y a rien !
C'est de quoi il s'agit dans « Tout l'Univers ».

Michel Barzin
octobre 2025

Romain Van Wissen, Tout l'Univers, carton toilé, 31 x 24 cm, 2025

FRANÇOISE DEPREZ

2025-12-01T10:53:29Z

Il y a quarante ans, le film Quadrophenia immortalisait les Mods des années 1960. Cette jeunesse anglaise, insolente et nonchalante, porte la modernité comme on porte un regard. Elle aime la vitesse, la musique qui fait vibrer le cœur, et les nuits où tout semble possible.
Aujourd'hui, les Mods ont vieilli mais restent terriblement stylés et leurs descendants perpétuent avec élégance leur look so British. Sur leurs Lambretta et Vespa rutilantes et ultra-chromées, ils déboulent par centaines le long du front de mer de Brighton.

Françoise

À la galerie du cinéma Churchill
Du 24 novembre au 1^er février 2026

Françoise Deprez

Françoise Deprez, Brighton, 2018, tirage photo sur papier baryté, 20 x 30 cm

Dès qu'elle le peut, Françoise Deprez prend rendez-vous avec la Mer du Nord pour y vivre au rythme des lumières qui s'y reflètent, mêlant les roses, les parme, les gris profonds et toute la gamme des bleus, sa couleur préférée.
Elle fuit les plages bondées, les paysages dénaturés par les immeubles en béton car, à quelques kilomètres de cette mutation architecturale, il existe encore des endroits sauvages où elle croise, dès l'aube, des pêcheurs ramenant avec leurs vieux chevaux des filets de crevettes.
Guidée par une boussole magique, son appareil en bandoulière, elle s'infiltre dans les interstices, les chemins abandonnés, les lieux à l'écart, à la rencontre de ceux qui y vivent et ne semblent plus intéresser personne. Vous la cherchez ? C'est par là que vous la trouverez souvent accompagnée de sa fille Charlotte, photographe elle aussi, et de leur chien Agathe, un trio qui travaille en symbiose et se serre les coudes lorsque le vent se lève.

Françoise Deprez, Brighton, 2018, tirage photo sur papier baryté, 20 x 30 cm

Françoise, je la connais depuis des années, elle m'envoie, d'où qu'elle soit, les photos de ses découvertes et de ses éblouissements. Si je devais la définir rapidement, je dirais qu'elle s'apparente à une journaliste poète, humaniste et bienveillante, sachant saisir aussi bien la beauté d'une vague, la tendresse d'un geste ou la détresse d'un silence pour proposer des images où la narration et le sens de l'écoute occupent toujours une place centrale.
Son papa l'a initiée très jeune à la photographie, qui va devenir pour elle au fil du temps une véritable vocation. Françoise s'inscrit à des ateliers et des workshops, elle y rencontre des photographes reconnus tels Sandrine Lopez, Philippe Herbet, Sébastien Van Malleghem, qui l'aident à affiner ses choix. Son travail, dès lors, atteint une reconnaissance que son curriculum reflète.
Néanmoins, aucun effet de style, aucun « truc tendance » n'entameront sa démarche ; l'authenticité de son travail reste sa marque de fabrique. En témoignent ses reportages lors de « thés dansants » organisés par une maison de repos, non loin de chez elle, où chacun se met sur son « 31 » pour se lancer dans une valse ou risquer un twist.
Et puis, il y a aussi ses portraits d'une tendresse merveilleuse sur les gens seuls et leurs animaux, ou encore ces images bouleversantes des victimes des inondations de juillet 2021, à la rencontre desquelles elle part avec l'autrice Caroline Lamarche. Ces photos accompagnées par les textes figeront à jamais le désespoir, la fatigue et la boue dans le livre paru à cette occasion Toujours l'eau aux Éditions du Caïd.
Pour cette exposition que Wégimont Culture propose au Churchill, changement de cap, nous retrouvons la mer en franchissant la Manche, nous sommes à Brighton. Chaque année s'y déroule le rassemblement des Mods qui ont marqué par leur excentricité, leur style vestimentaire, leur musique et leur excès en tous genres, une époque aujourd'hui révolue et sans doute inconcevable, les années 60.
Sea, free and style made in England…que la fête commence.

Dominique Mathieu

Brighton

Brighton.

Françoise Deprez, Brighton, 2019, tirage photo sur papier baryté, 20 x 30 cm

J'y retourne chaque année.
C'est une ville qui danse entre la mer et la campagne,
entre le passé et le présent, entre la nostalgie et la gaieté.
Les Mods s'y retrouvent, fiers de leurs scooters luisants,
héritiers d'une époque révolue mais toujours vivante.
Leur passion, leur style et leur sens de la fête créent une
atmosphère particulière.
Ils sont là, sur la jetée, sous le regard des goélands, des oi
seaux qui semblent tout savoir de la ville.
Brighton, ce n'est pas seulement le bord de mer, le Pier,
les lumières, les couleurs.
C'est aussi la campagne anglaise, toute proche, verddoyante,
silencieuse, presque trop calme après l'agitation de la ville.
Les gens ici sont différents.
Ils parlent, ils rient, ils viennent de partout.
J'aime cette convivialité, ce mélange de cultures, ce senti
ment qui fait de Brighton un endroit unique, où l'on se
sent libre d'être soi.
Je pense à Virginia Woolf, qui a vécu ici.
À Lee Miller, qui aurait su saisir cette lumière, cette étrangeté.
Je pense aussi à Chris Killip, à Tish Murta, à Vanessa
Winship, dont les images m'ont appris à regarder
le monde autrement.
Mes photos sont en noir et blanc.
Parce que la vie ici est faite de contrastes, de nuances, de
moments suspendus entre la mer et la ville.
Brighton, c'est tout cela.
Un lieu où l'on croise des Mods, des goélands, des rêveurs,
des photographes.
Un lieu où la mer est toujours là, silencieuse, indifférente,
fascinante.

Françoise Deprez

Françoise Deprez, Brighton, 2023, tirage photo sur papier baryté, 20 x 30 cm

PHILIPPE FRÈRE MARIO GARZANITIPASCAL KOCH

2025-11-02T11:46:09Z

Du 8 novembre au 21 décembre 2025
Vernissage le vendredi 7 novembre à 18h30
Finissage musical le dimanche 21 décembre 2025 dès 14h00
et concert de TOOLS TOYS à 16h00
(Francis Danloy-Laurent Simon-Mario Garzaniti-Gauthier Simon-Claudine Denis)

Architect whitout architecture

Et si l'on partait de l'idée qu'un architecte est avant tout un créateur ? On enfonce une porte ouverte mais dans la pratique, ce métier est-il aussi « sexy » qu'il n'y parait ?
Entre les exigences des commanditaires, la conception et la description des projets, les budgets à respecter, les délais à maintenir, le contrôle de l'exécution des travaux, il reste bien peu de temps à l'architecte pour se concentrer à ce qui est l'essence de sa motivation : créer, échafauder un projet.
J'ai toujours pensé que le choix d'exercer ce métier révèle une difficulté à élaborer sa propre vie. N'est-il pas question dans cette orientation de rassembler pour soi-même les différentes composantes d'un processus de création ?
Lorsque je me suis inscrit à l'examen d'entrée de l'école d'architecture, je n'avais pas 18 ans. L'apprentissage par les outils qui passent par la main me fascinait : règles en té, équerres, compas me faisaient entrer dans un monde merveilleux où, alchimiste de l'espace, je me voyais promis aux plus belles réalisations !
L'élaboration des projets par l'approche sensible de la construction des maquettes, le choix des matériaux et des couleurs me reliaient à la construction de ma propre personnalité ! Je veux dire par là que la main maniant le crayon et l'équerre participait activement à l'élaboration des idées sur le papier, que la construction de prototypes au moyen de carton, du cutter et de colle permettait de prendre conscience des rapports entre eux de la stabilité des parois, sols et plafonds, de la réflexion de la lumière, du toucher des textures et des matières.
« Dire que nous « saisissons quelque chose » implique, physiquement, que nous tendions la main vers lui. Dans le geste physique familier qui consiste à prendre un verre, ma main va adopter une forme arrondie, appropriée à la forme du verre, avant qu'elle ne touche effectivement la surface. Le corps est prêt à tenir avant même de savoir si ce qu'il va tenir est glacé ou bouillant. La préhension est le nom technique des mouvements dans lesquels le corps anticipe et agit avant de recevoir des données de sens. Mentalement « nous saisissons quelque chose » quand nous en comprenons le concept ». [1]
Saisir est aussi ressentir, percevoir, vivre une émotion, en décoder l'origine, le sens, et transposer ces données en espace sensible, en objet créé, en représentation figurée.
Ainsi si l'architecture définit un mode de vie, de réflexion, tant politique que philosophique, elle est aussi un laboratoire permanent ouvert sur l'espace entier de la création.
« L'architecture est le plus complet des arts car il fait appel à tous les autres… » (François Mitterrand).
« Appel à tous les autres … ». Voici donc la démarche de ces démiurges qui, dans la lignée des grands auteurs universellement connus, De Vinci, Le Corbusier, Macintosh et toute l'école du Bauhaus se consacrent aux multiples aspects de cette quête, du design à la peinture, la sculpture, la musique, la photographie, les installations… [2]
Ainsi est né ce projet de présentation des recherches d'architectes « sans architecture ».

Jean-Paul Laixhay

Acier-corten. Réalisation Ateliers Melens & Dejardin

Les architectes

Philippe FRÈRE
Après avoir vécu ensemble notre cursus d'apprentissage, nous avons constitué notre bureau et avons travaillé côte à côte pendant 20 ans. Parcours d'échange et de confrontations quelquefois, de respect et de soutien en toutes circonstances, Philippe m'a donné l'esprit de nuance qui quelquefois me faisait défaut. Dans ses bas-reliefs élaborés avec une précision d'orfèvre, on retrouve toujours une trace, une empreinte, quelquefois oserait-on dire une blessure qui reflète la délicate intervention de la main sur un support improbable.

Philppe Frere, sans titre, s.d., gesso & mine de plomb sur zinc, 90 x 80cm

Mario GARZANITI
L'amour de la musique et singulièrement des instruments à vent nous a fait nous rencontrer. Cet observateur du ciel et décrocheur d'étoiles ne se contente pas de jouer de la trompette. Il la crée et la fait fabriquer. Nous avons découvert notre intérêt commun pour le dessin et la peinture. Le regard de Mario posé sur tous les exercices de la création est empreint d'une attention approfondie et nuancée. Ses créations de mobilier sont élaborées dans une réflexion intense et un regard sur l'univers où le goût du détail se réfère au designer Carlo Scarpa.

Mario Garzaniti, Je regardais le plafond et soudain je vis le ciel ADAMS, monotype, 2019

Pascal KOCH
Nous avons enseigné ensemble. Dès l'entame de notre collaboration, j'ai ressenti l'énergie et la volonté de cet homme de terrain, pragmatique et déterminé. A peine avions-nous fait connaissance que Pascal vint m'aider à construire une installation sur le thème des frontières à Eynatten. Touche-à-tout, empreint d'un regard souvent farouche sur la société, Pascal est débordant, excessif parfois mais d'une générosité et d'une efficacité redoutables. Dans leurs compétences singulières, ces trois créateurs qui sont aussi mes amis ont exploré des recherches qui convoquent tous les sens et qui expriment une curiosité créative intense. Ils occupent l'espace de Wégimont dans une scénographie soignée qui s'intègre admirablement à ce lieu emblématique.

Pascal Koch, sans titre, s.d., sculpture

Je les remercie chaleureusement.

J'oubliais, nos trois compères sont des poètes, réunissant avec bonheur intuition et raison… de vrais architectes quoi !

Jean-Paul Laixhay

Philippe FRÈRE

« Ce qui me motive dans mon travail de composition, c'est la recherche ou parfois la découverte d'un matériau qui pourrait servir, soit de support, soit de médium à mon travail graphique. L'essence de ma recherche se focalise sur des compositions exploitant le traitement de la matière. Tirer parti du grain, de la patine, des défauts, des blessures ou déchirures, ou la fragilité de mes différents supports, sert de guide à mes compositions. Mes compositions abstraites austères ou à l'opposé produites par une gestuelle plus libre seront, je l'espère, un espace d'éveil à l'imaginaire. Mon attitude face à la vie est une permanente question sur l'acte créateur qu'il peut poser. »

Philppe Frere, sans titre, s.d, Gesso et mine de plomb sur feuille de plomb, 90 x 80cm

Mario GARZANITI

« Toute(s) mise(s) en forme d'un thème traduit son caractère en soi inaccessible, inatteignable.
Les tentatives d'expression (multiples et successives) en font apparaître certaines faces, qui varient et s'éclairent l'une l'autre par leurs différences. Cette réverbération masque, parfois sournoisement, la quête initiale. Focalisant l'attention sur l'empreinte plutôt que sa cause, les différentes manifestations visibles jouissent, au mieux, d'une gloire éphémère, avant d'être remplacées et parfois sublimées.
Dès lors, il n'est plus question de thème, mais de style(s).
Le style, seul possible, anéantit tout espoir de certitude et d'identification.
Mais il nous ouvre un champ d'expérimentation, vaste et, peut-être, riche de sensations et de significations. »

Justine GARZANITI.

Mario Garzaniti, détail du 1^er prototype de gousset de la table oIrAM, s.d.

Pascal KOCH

« Tout est lié aujourd'hui. Tant en architecture que dans le domaine artistique, la matière, l'outil, l'espace et l'ingéniosité sont indispensables à la création. Le ressenti et l'histoire vécue sont aussi un moteur pour imaginer, proposer sa propre interpénétration des choses. En art-design, je suis animé par des ressentis politiques. Concernant le design proprement dit, je parlerai plutôt de dialogue et d'envie de mettre en exergue une matière particulière et de lui donner forme utile.
La réflexion fait partie des éléments constitutifs de la réflexion. Par exemple j'ai commencé à mettre en fabrication un jeu d'échecs et ce, après l'invasion de l'Ukraine par la Russie.
Tout et rien peuvent être un déclencheur à la créativité, cela dépend de la sensibilité de chacun.
J'affectionne l'acier, le bois, les matériaux nobles. Généralement, les objets conçus ont toujours un lien direct avec notre corps, notre histoire. »

Pascal Koch, Lampe Tétraèdre, s.d., Inox poli miroir, 200 x 15 x 15cm

TOOL TOYS

Finissage de Architect Without Architecture en musique le 21 décembre 2025
C'est une musique « prêt à porter » et sur « mesure »
Tout style, toutes tailles et -fait maison-.
Un tissu musical qui voyage au gré des âges et dans divers univers. Du « garage » à la « kitchen » ette.
Cuivré, cartonné et venteux , percuté et quatre grosses cordes.
Un peu patiné… parfois glissant.

Accordéon : Francis DANLOY
Sax baryton, sax alto et voix : Laurent SIMON
Trompette et bugle : Mario GARZANITI
Contrebasse : Gauthier SIMON
Drums : Claudine DENIS
Écouter

[1] Richard Sennett, Ce que sait la main, La culture de l'artisanat, Éditions Albin Michel, 2010

[2] L'esprit du Bauhaus, Musée des arts décoratifs avec la Fondation d'entreprise Hermès du 19 octobre 2016 au 26 janvier 2017, Beaux-Arts hors-série,. « L'idéal du Bauhaus a été abjuré à travers une production très prolifique, interdisciplinaire, qui faisait de chaque maître et élève non pas des spécialistes, mais des artistes à part entière, capables de travailler dans des domaines aussi divers que le décor mural, la scénographie, le design ou encore le tissage ou la céramique. Le mot d'ordre était le retour aux bases : couleurs primaires, formes simples… pour garantir la transmission d'un savoir-faire, loin du culte de la figure de l'artiste. »