Wégimont Culture

Christine Renard et Thomas Chable

2026-03-02T13:45:13Z

Commissaire : Dominique Mathieu
À la galerie de Wégimont
Du 21 mars au 19 avril 2026
Vernissage le vendredi 20 mars à 18h30
Finissage en présence des artistes le 19 avril

En prélude à ce texte, un avertissement s'impose : si vous voulez entrer dans l'univers de Christine Renard et Thomas Chable, mettez de bonnes chaussures. La route sera longue…

Atelier de Coco à Poulseur

Elle commence en 1990, à Poulseur, petit village en bord de l'Ourthe, son vieux café d' habitués « Le Poul's Café », ça ne s'invente pas, une épicerie aussi pimpante que la boucherie sa voisine et, détail important, non loin de là, la gare, ouverture vers le monde qu'ils ont tant parcouru.
Auraient-ils choisi ce village sans elle ? La question reste en suspens. Quoi qu'il en soit, c'est bien dans ce décor de cartes postales anciennes qu'ils vivent maintenant depuis trente cinq ans. Leur maison ? Un ancien moulin à grains, aux vastes pièces innombrables prolongées par un jardin luxuriant qu'une verrière surplombe. À l'image de leur couple, il est devenu un nid chaleureux, protecteur, ouvert aux amis et ô combien … hors-normes !
Entrons-y. Imaginez-vous être à la fois dans un laboratoire d'alchimiste, un vieux musée ethnographique consacré aux voyages, une réserve d'un brocanteur-fou doublé d'un bricoleur de génie ou pourquoi pas dans la cachette d'un archéologue ! Vous aurez alors, une petite idée du charme et de l'atmosphère de cet endroit magique dont ils ne déménageront jamais. « C'est notre bateau, nous coulerons avec lui » dira Thomas.
De cette symbiose va naître deux parcours artistiques bien distincts, chacun y poursuivant son propre chemin pour le mener à sa guise.
Flash-back. Dès l'adolescence, à l'inverse de bien des lycéennes, Christine est fascinée par une science ancestrale : la chimie. La fusion des métaux, la mutation des éléments, les variations de couleurs, le feu, l'eau, les fioles, les alambics, l'infinité des métamorphoses et des symboles, tout lui parle.
Aujourd'hui encore, cette science-sorcière qu'elle ne cesse d'interroger reste une clé essentielle, le « sésame » qui ouvre toutes ses œuvres.

Christine Renard, Poulpe, bronze patiné, 2021

Très vite, dit-elle, j'ai compris que j'allais apprivoiser ce savoir pour y imprimer ma marque, je serai sculptrice et je découvrirai les mystères du bronze. À 16 ans, je me suis donc inscrite à Saint-Luc, c'est là que j'ai rencontré Thomas.
Il suivait les cours de photographie, son père lui en avait donné les ficelles et il me parlait déjà des idées de voyage qui lui trottaient en tête.
Trois ans après leur installation à Poulseur, cette humeur vagabonde revient à la surface pour les emmener vers l'Afrique, ce sera le début d'une très longue aventure, une seconde vie en quelque sorte, qui couvre trois décennies.

Sécou Traoré, l'atelier de fonderie, Poulseur, 1999

À Ouagadougou, premier port d'attache, par un de ces merveilleux hasards qu'offre parfois la vie, un ami va aider Christine dans sa quête initiatique, il la met en contact avec Sékou Traoré, un maître fondeur travaillant en famille dans le quartier réservé à cette profession.
Dans son atelier, elle apprend les mélanges subtils de l'étain et du cuivre, leurs dosages et les températures nécessaires pour qu'ils se transforment en coulées de bronze liquide. Elle y reste plusieurs mois, il revient avec elle en Belgique, une amitié se tisse et ses œuvres se multiplient.
Vénus paléolithiques, bestiaires fantasmagoriques, ex-voto, bijoux, talismans, meubles, tables et bancs, amphores et vases, son imagination semble sans limite.
Je mélange tout avec tout. Pas de hiérarchie, des coups de cœur. Je ramasse des perles, des coquillages, des coraux, du quartz, des pigments, des herbes, je les insère dans le bronze, je polis, je peins, je fais des croquis. J'aime les volcans, le végétal, l'organique. J'ai un faible pour les pieuvres, les libellules, les araignées, clin d'œil à Louise Bourgeois. Je ne sais jamais ce que je vais faire, mais à un moment donné, je sais que c'est ça. À chaque coulée de bronze, je suis euphorique, sous tension, ça casse ou ça passe.

Thomas Chable, Lacombe, 2023

Pendant ce temps, très loin des hordes touristiques, Thomas Chable se balade le long des quatre mille cent trente-quatre kilomètres du fleuve Niger. Un appareil argentique, un sac au dos, des souliers solides et parfois, une pirogue lui suffisent. Il prend son temps et des photos. Elles captent des émotions fugaces, les gestes suspendus, les éclats du soleil, ses ombres douces, les détails du quotidien intime de ceux qu'il rencontre et qui l'accueillent.
Dans son journal de bord qui servira de texte à son livre Odeurs d'Afrique, il prend des notes.
Lac Débo : ça et là apparaissent quelques îlots laissés par la décrue des eaux dont Barcapile, le plus grand campement de pécheurs Bozos. Ici, dans cet immense espace, l'œil parcourt librement l'horizon, il porte loin, rien ne l'arrête. Aucun obstacle, pas même l'arbre à palabres, juste le soleil comme témoin. Le jour se lève tôt, les femmes avant lui.
Ambiance très calme : fin de journée, un dimanche qui n'en finit pas, un temps enfin apaisé, balayé par un vent de fine poussière. À vrai dire, l'intégration est chose facile par ici pour qui sait se laisser modeler par le temps mais aussi par le vent, ce merveilleux sculpteur. Tout se fond imperceptiblement dans le paysage humain de la bouche du Niger. Pas le moindre son discordant, pas un mouvement pour déranger cette plaine où passe, silencieux, le fleuve.
Cet humanisme tendre qui distingue l'œuvre de Thomas de tous les autres photographes se déclinera aussi dans le livre Brûleur (nom donné aux milliers d'africains qui veulent rejoindre l'Europe) et dans le coffret Éthiopie.
Hélas, pour les raisons que nous connaissons, le livre qui devait illustrer son long séjour en Palestine entrepris lors d'une courte trêve des combats, ne sera jamais publié.
Depuis plusieurs années, l'Afrique est à feu et à sang, la Palestine est anéantie, les migrants s'entassent par millions dans des camps.
Thomas, voyageur empêché, revient vers ses racines et son nid. Il publie Salomé, prénom de leur fille, il y capte aussi la blondeur de Christine que tout le monde appelle Coco, les grimaces des enfants, les amis qui débarquent, les reflets entre chien et loup des forêts voisines tombant dans les eaux de l'Ourthe.

Thomas Chable, Abiya Adi, Éthiopie, 2018

C'est notre dernière étape. Notre route s'arrête là où elle a commencé. Reprenons notre souffle pour écouter, loin des bruits du monde, l'écho de ce texte que Rilke aurait pu leur dédicacer.
Pour écrire un seul vers, il faut avoir vu beaucoup de villes, d'hommes et de choses, il faut connaître les animaux, il faut sentir comment volent les oiseaux et savoir quel mouvement font les petites fleurs en s'ouvrant le matin. Il faut pouvoir repenser à des chemins dans des régions inconnues, à des rencontres inattendues, à des départs que l'on voyait longtemps approcher, à des jours d'enfance dont le mystère ne s'est pas encore éclairci…

Dominique Mathieu

Romain Van Wissen

2026-01-20T19:20:56Z

Commissaire : Georges Demarteau
À la galerie de Wégimont
Du 24 janvier au 1^er mars 2026
Vernissage le vendredi 23 janvier 2026 à 18h30
L'artiste sera également présent les 1^er février 2026 et 1^er mars 2026

La véritable histoire de « Tout l'Univers »

La véritable histoire de « Tout l'Univers »

Romain Van Wissen, Tout l'Univers, acrylique sur toile, 26 x 24 cm, 2025

Quelqu'un a sonné à ma porte et a disparu aussitôt, laissant sur le seuil deux grosses caisses de livres, des encyclopédies et des dictionnaires. C'était au mois de mai 2025 et je n'ai toujours aucune idée de qui il s'agissait. Un peu contrarié par cette insolence, j'y ai tout de même jeté un vague coup d'œil. Rien d'intéressant à priori, j'ai failli les mettre au rebut.
Au deuxième coup d'œil, je me suis aperçu que, sous les horribles couvertures en plastique jauni, s'en trouvaient d'autres entoilées et rouges avec l'inscription « Tout l'Univers » en doré vieillissant. Magnifique ! Je les ai récupérées pour en faire des cartons toilés (les rectangulaires
des encyclopédies et les carrées des dictionnaires). Lorsque j'étais plus jeune, mes parents avaient acquis ce genre d'encyclopédies, en quarante volumes plus ou moins. On les trouvait d'ailleurs chez un peu tout le monde, elles garnissaient littéralement et fièrement les étagères des bibliothèques sans jamais en sortir, ou presque. Des livres d'une inutilité crasse, ouverts une fois ou deux par curiosité, avant de reprendre leur place définitive sur leur planche et prendre la poussière.

Romain Van Wissen, Tout l'Univers, acrylique sur toile, 31 x 24 cm, 2025

Leur titre « Tout l'Univers » m'a fait sourire Dépassées dès leur sortie de presse, ces encyclopédies ne pouvaient pas non plus être exhaustives sur l'entièreté de l'univers. C'est cet excès d'ambition qui m'a amusé et immédiatement stimulé. J'ai eu envie de pousser le bouchon un peu plus loin. Avec dérision, j'ai choisi de représenter des sujets banals et sans importance. Mais aussi des jouets un peu ridicules et obsolètes, des gens ou des animaux dans des postures étranges. En somme toutes sortes de choses qu'on ne trouverait probablement pas telles quelles dans une encyclopédie et qui représenteraient plutôt l'envers de l'univers.
Le rouge vif des cartons constitue un fil conducteur à travers tous ces sujets disparates. Le titre y apparaît ou transparaît de temps à autre et souligne encore un peu la dérision des motifs. Certains cartons n'ont pas de titre, ce sont les dos des livres. « Tout l'Univers » est un titre un peu prétentieux. Je sais, mais la thématique est sans limite, et ça, ça me plaît !

Romain Van Wissen
octobre 2025

Romain Van Wissen, Tout l'Univers, acrylique sur toile, 31 x 24 cm, 2025

Romain

Romain

Romain Van Wissen, Tout l'Univers, acrylique sur toile, 26 x 24 cm, 2025

Romain est un surdoué. De plus, il sait vivre et aimer. Il sait peindre bien et dessiner bien : il peut faire comme Rembrandt s'il le veut. Mais cela ne l'intéresse pas. Son ambition ne se situe pas dans les musées. Il leur préfère les cuisines et les bibliothèques. De la cuisine, il prend les fonds d'emballages et des livres, les couvertures.
À cause des reliefs dans le premier cas, de la couleur et de la force du support dans le deuxième. À la manière d'un ouvrier qui voit tout et qui solutionne les problèmes. Rien ne pourrait lui faire peur puisqu'il a tous les outils pour arriver à ses fins.
Ses fins, son but est de nous épater par des juxtapositions improbables. L'important est que l'image dans l'image donne des rébus visuels à l'aide de ses matières choisies, car à-propos, collectionnées et aimées car elles l'ont fait sourire.
Il n'a pas besoin d'étaler sa virtuosité qui est partout, non, mais elle lui permet de rester léger. Sa peinture rit. Romain rit quand il travaille et cela se remarque. C'est si remarquable que ses expositions deviennent des symphonies joyeuses.
Qu'y voyons-nous ? Du connu : notre quotidien à tous et sous toutes latitudes, des fleurs au tarmac, d'un sommier aux nuages, d'un éclair à une porte de garde-robe, d'une poupée à un couteau... tout est dans son escarcelle.
Romain, c'est du sucre coloré, des lacquemants, des beignets et de la sauce bolo à leur plus haut niveau. Il peint la vie d'aujourd'hui en se servant d'hier afin d'essayer d'atteindre demain, qui sait ?
Dans tous les cas, Romain nous balade et nous invite à la promenade d'images en images, un chemin étrange fait de bousculades et de formes. Une matière ici, des répétitions par-là. Des séries pour se pénétrer de sa musique. Ce n'est pas difficile, il suffit, pour entrer dans son jeu, de laisser son esprit à l'entrée. Comme on devrait le faire plus souvent sans doute.
Romain pense à son travail sans arrêt, le temps semble lui man- quer, il court, ne veut pas être en retard, alors sa main s'impatiente. Sa main n'a peur de rien puisqu'elle peut compter sur sa science, son savoir, ses armes victorieuses.
Alors arrive l'imprévu sur son seuil : on y a déposé des encyclopédies. Il en fera son support et l'exposera sous toutes ses facettes et dans tous les formats. Il exulte devant ce rouge et le multiplie. Le fond lui donne le sujet, le contraint. Tout est dans tout mais pas nécessairement dans les encyclopédies. L'art n'y a pas sa place. L'art n'a pas de formule chimique et n'est pas dans le fichier. Il n'y a rien !
C'est de quoi il s'agit dans « Tout l'Univers ».

Michel Barzin
octobre 2025

Romain Van Wissen, Tout l'Univers, carton toilé, 31 x 24 cm, 2025

PHILIPPE FRÈRE MARIO GARZANITIPASCAL KOCH

2025-11-02T11:46:09Z

Du 8 novembre au 21 décembre 2025
Vernissage le vendredi 7 novembre à 18h30
Finissage musical le dimanche 21 décembre 2025 dès 14h00
et concert de TOOLS TOYS à 16h00
(Francis Danloy-Laurent Simon-Mario Garzaniti-Gauthier Simon-Claudine Denis)

Architect whitout architecture

Et si l'on partait de l'idée qu'un architecte est avant tout un créateur ? On enfonce une porte ouverte mais dans la pratique, ce métier est-il aussi « sexy » qu'il n'y parait ?
Entre les exigences des commanditaires, la conception et la description des projets, les budgets à respecter, les délais à maintenir, le contrôle de l'exécution des travaux, il reste bien peu de temps à l'architecte pour se concentrer à ce qui est l'essence de sa motivation : créer, échafauder un projet.
J'ai toujours pensé que le choix d'exercer ce métier révèle une difficulté à élaborer sa propre vie. N'est-il pas question dans cette orientation de rassembler pour soi-même les différentes composantes d'un processus de création ?
Lorsque je me suis inscrit à l'examen d'entrée de l'école d'architecture, je n'avais pas 18 ans. L'apprentissage par les outils qui passent par la main me fascinait : règles en té, équerres, compas me faisaient entrer dans un monde merveilleux où, alchimiste de l'espace, je me voyais promis aux plus belles réalisations !
L'élaboration des projets par l'approche sensible de la construction des maquettes, le choix des matériaux et des couleurs me reliaient à la construction de ma propre personnalité ! Je veux dire par là que la main maniant le crayon et l'équerre participait activement à l'élaboration des idées sur le papier, que la construction de prototypes au moyen de carton, du cutter et de colle permettait de prendre conscience des rapports entre eux de la stabilité des parois, sols et plafonds, de la réflexion de la lumière, du toucher des textures et des matières.
« Dire que nous « saisissons quelque chose » implique, physiquement, que nous tendions la main vers lui. Dans le geste physique familier qui consiste à prendre un verre, ma main va adopter une forme arrondie, appropriée à la forme du verre, avant qu'elle ne touche effectivement la surface. Le corps est prêt à tenir avant même de savoir si ce qu'il va tenir est glacé ou bouillant. La préhension est le nom technique des mouvements dans lesquels le corps anticipe et agit avant de recevoir des données de sens. Mentalement « nous saisissons quelque chose » quand nous en comprenons le concept ». [1]
Saisir est aussi ressentir, percevoir, vivre une émotion, en décoder l'origine, le sens, et transposer ces données en espace sensible, en objet créé, en représentation figurée.
Ainsi si l'architecture définit un mode de vie, de réflexion, tant politique que philosophique, elle est aussi un laboratoire permanent ouvert sur l'espace entier de la création.
« L'architecture est le plus complet des arts car il fait appel à tous les autres… » (François Mitterrand).
« Appel à tous les autres … ». Voici donc la démarche de ces démiurges qui, dans la lignée des grands auteurs universellement connus, De Vinci, Le Corbusier, Macintosh et toute l'école du Bauhaus se consacrent aux multiples aspects de cette quête, du design à la peinture, la sculpture, la musique, la photographie, les installations… [2]
Ainsi est né ce projet de présentation des recherches d'architectes « sans architecture ».

Jean-Paul Laixhay

Acier-corten. Réalisation Ateliers Melens & Dejardin

Les architectes

Philippe FRÈRE
Après avoir vécu ensemble notre cursus d'apprentissage, nous avons constitué notre bureau et avons travaillé côte à côte pendant 20 ans. Parcours d'échange et de confrontations quelquefois, de respect et de soutien en toutes circonstances, Philippe m'a donné l'esprit de nuance qui quelquefois me faisait défaut. Dans ses bas-reliefs élaborés avec une précision d'orfèvre, on retrouve toujours une trace, une empreinte, quelquefois oserait-on dire une blessure qui reflète la délicate intervention de la main sur un support improbable.

Philppe Frere, sans titre, s.d., gesso & mine de plomb sur zinc, 90 x 80cm

Mario GARZANITI
L'amour de la musique et singulièrement des instruments à vent nous a fait nous rencontrer. Cet observateur du ciel et décrocheur d'étoiles ne se contente pas de jouer de la trompette. Il la crée et la fait fabriquer. Nous avons découvert notre intérêt commun pour le dessin et la peinture. Le regard de Mario posé sur tous les exercices de la création est empreint d'une attention approfondie et nuancée. Ses créations de mobilier sont élaborées dans une réflexion intense et un regard sur l'univers où le goût du détail se réfère au designer Carlo Scarpa.

Mario Garzaniti, Je regardais le plafond et soudain je vis le ciel ADAMS, monotype, 2019

Pascal KOCH
Nous avons enseigné ensemble. Dès l'entame de notre collaboration, j'ai ressenti l'énergie et la volonté de cet homme de terrain, pragmatique et déterminé. A peine avions-nous fait connaissance que Pascal vint m'aider à construire une installation sur le thème des frontières à Eynatten. Touche-à-tout, empreint d'un regard souvent farouche sur la société, Pascal est débordant, excessif parfois mais d'une générosité et d'une efficacité redoutables. Dans leurs compétences singulières, ces trois créateurs qui sont aussi mes amis ont exploré des recherches qui convoquent tous les sens et qui expriment une curiosité créative intense. Ils occupent l'espace de Wégimont dans une scénographie soignée qui s'intègre admirablement à ce lieu emblématique.

Pascal Koch, sans titre, s.d., sculpture

Je les remercie chaleureusement.

J'oubliais, nos trois compères sont des poètes, réunissant avec bonheur intuition et raison… de vrais architectes quoi !

Jean-Paul Laixhay

Philippe FRÈRE

« Ce qui me motive dans mon travail de composition, c'est la recherche ou parfois la découverte d'un matériau qui pourrait servir, soit de support, soit de médium à mon travail graphique. L'essence de ma recherche se focalise sur des compositions exploitant le traitement de la matière. Tirer parti du grain, de la patine, des défauts, des blessures ou déchirures, ou la fragilité de mes différents supports, sert de guide à mes compositions. Mes compositions abstraites austères ou à l'opposé produites par une gestuelle plus libre seront, je l'espère, un espace d'éveil à l'imaginaire. Mon attitude face à la vie est une permanente question sur l'acte créateur qu'il peut poser. »

Philppe Frere, sans titre, s.d, Gesso et mine de plomb sur feuille de plomb, 90 x 80cm

Mario GARZANITI

« Toute(s) mise(s) en forme d'un thème traduit son caractère en soi inaccessible, inatteignable.
Les tentatives d'expression (multiples et successives) en font apparaître certaines faces, qui varient et s'éclairent l'une l'autre par leurs différences. Cette réverbération masque, parfois sournoisement, la quête initiale. Focalisant l'attention sur l'empreinte plutôt que sa cause, les différentes manifestations visibles jouissent, au mieux, d'une gloire éphémère, avant d'être remplacées et parfois sublimées.
Dès lors, il n'est plus question de thème, mais de style(s).
Le style, seul possible, anéantit tout espoir de certitude et d'identification.
Mais il nous ouvre un champ d'expérimentation, vaste et, peut-être, riche de sensations et de significations. »

Justine GARZANITI.

Mario Garzaniti, détail du 1^er prototype de gousset de la table oIrAM, s.d.

Pascal KOCH

« Tout est lié aujourd'hui. Tant en architecture que dans le domaine artistique, la matière, l'outil, l'espace et l'ingéniosité sont indispensables à la création. Le ressenti et l'histoire vécue sont aussi un moteur pour imaginer, proposer sa propre interpénétration des choses. En art-design, je suis animé par des ressentis politiques. Concernant le design proprement dit, je parlerai plutôt de dialogue et d'envie de mettre en exergue une matière particulière et de lui donner forme utile.
La réflexion fait partie des éléments constitutifs de la réflexion. Par exemple j'ai commencé à mettre en fabrication un jeu d'échecs et ce, après l'invasion de l'Ukraine par la Russie.
Tout et rien peuvent être un déclencheur à la créativité, cela dépend de la sensibilité de chacun.
J'affectionne l'acier, le bois, les matériaux nobles. Généralement, les objets conçus ont toujours un lien direct avec notre corps, notre histoire. »

Pascal Koch, Lampe Tétraèdre, s.d., Inox poli miroir, 200 x 15 x 15cm

TOOL TOYS

Finissage de Architect Without Architecture en musique le 21 décembre 2025
C'est une musique « prêt à porter » et sur « mesure »
Tout style, toutes tailles et -fait maison-.
Un tissu musical qui voyage au gré des âges et dans divers univers. Du « garage » à la « kitchen » ette.
Cuivré, cartonné et venteux , percuté et quatre grosses cordes.
Un peu patiné… parfois glissant.

Accordéon : Francis DANLOY
Sax baryton, sax alto et voix : Laurent SIMON
Trompette et bugle : Mario GARZANITI
Contrebasse : Gauthier SIMON
Drums : Claudine DENIS
Écouter

[1] Richard Sennett, Ce que sait la main, La culture de l'artisanat, Éditions Albin Michel, 2010

[2] L'esprit du Bauhaus, Musée des arts décoratifs avec la Fondation d'entreprise Hermès du 19 octobre 2016 au 26 janvier 2017, Beaux-Arts hors-série,. « L'idéal du Bauhaus a été abjuré à travers une production très prolifique, interdisciplinaire, qui faisait de chaque maître et élève non pas des spécialistes, mais des artistes à part entière, capables de travailler dans des domaines aussi divers que le décor mural, la scénographie, le design ou encore le tissage ou la céramique. Le mot d'ordre était le retour aux bases : couleurs primaires, formes simples… pour garantir la transmission d'un savoir-faire, loin du culte de la figure de l'artiste. »

La Bûche,

2025-09-03T07:56:50Z

À la galerie de Wégimont
Du 27 septembre au 26 octobre 2025
Vernissage le vendredi 26 septembre 2025 à 18h30

Artistes exposants :
Francois GOFFIN (photo)
Jean TROMME (sculpture)
Justine DE RAIKEM (sculpture)
Julie FRAITURE (dessin, peinture)
Martin CHAUMONT (peinture, dessin)
Thierry GROOTAERS (peinture)
Charlotte SCHOMMERS (peinture, dessin)

Thierry Grootaers, sans titre, s.d., acrylique sur toile, 31 x 33 cm

Sculptée par le temps, façonnée par la main.
La bûche est bien plus qu'un simple morceau de bois coupé.
Elle est une trace, un fragment d'arbre, un témoin silencieux de la forêt et de ses cycles. Dans sa rugosité, elle porte l'histoire du vivant : les cernes racontent les saisons, les nœuds arquent les tempêtes, les fissures disent le gel, la sécheresse ou l'attente.
Outil, chaleur, matière, la bûche entre dans nos vies comme une passerelle entre la nature brute et la culture humaine. Elle chauffe les foyers, soutient les charpentes, devient le socle de l'œuvre d'art ou le trait de pinceau du sculpteur. Elle est utilitaire autant qu'esthétique.
Les bûcherons, premiers sculpteurs de cette matière, travaillent avec précision et respect. Leurs gestes, millénaires, relient l'homme à la nature dans un équilibre de force et d'humilité. La hache, le bruit sec du bois qui cède, la sciure en pluie lente, autant de sons et d'images qui composent une poésie rustique, une danse entre l'homme et l'arbre.
Dans l'art, la bûche devient totem, support, symbole. Elle évoque l'ancrage, la mémoire des forêts, le passage du sauvage au domestique. Elle peut être brute ou polie, entière ou éclatée, mais toujours elle invite au toucher,à l'écoute du bois.
La bûche, c'est l'essence même d'un lien, entre la main humaine et la matière vivante, entre la nature indomptée et la forme que l'on donne, entre le feu qui consume et la chaleur qui réunit.

Matière vivante, forme en devenir
Dans l'imaginaire collectif, la bûche évoque d'abord la forêt, le foyer, l'hiver. Elle semble simple, rustique, fonctionnelle. Et pourtant, à qui sait regarder, elle offre bien plus : une beauté brute, une histoire à lire dans les nervures, un potentiel sculptural et poétique.
Chaque bûche est un fragment d'arbre, détaché du tout mais porteur de la mémoire du vivant. On y devine les années passées, les saisons traversées, les cicatrices du temps. Elle est matière, mais aussi trace. Une sorte de parchemin végétal, écrit en cernes et en textures.

Pour l'artiste, la bûche devient support, point de départ, objet de dialogue. On la peint, on la creuse, on l'assemble.
On la confronte à d'autres matières, on la laisse parler. Elle peut être masse ou silhouette, socle ou sculpture, totem ou abstraction. Elle incarne une tension : entre nature et culture, entre conservation et transformation.
Et derrière la bûche, il y a toujours la main de l'homme - celle du bûcheron-. Ce geste ancien, précis, presque chorégraphique, qui extrait le bois de la forêt, le découpe,
le prépare. Entre brutalité et finesse, il donne naissance à cette forme élémentaire, brute, mais chargée de sens.
Dans l'espace de l'exposition, la bûche sort de son rôle utilitaire. Elle est offerte au regard, à l'imagination. Elle questionne notre rapport au bois, à la matière, à l'environnement. Elle devient œuvre, ou du moins, fragments du monde en attente de regard.
La bûche n'est plus un simple morceau de bois. Elle est art en devenir. Écho d'un arbre, empreinte du geste humain, promesse d'une transformation.

Thierry Grootaers

Martin Chaumont, les bûches, s.d., 220 x 190 cm

Vestige d'un arbre, fragment d'un tout, la souche est souvent ignorée, reléguée au sol, comme un simple reste.
Et pourtant, elle est une œuvre en soi. Par sa matière, ses lignes, ses cicatrices, elle porte en elle l'histoire d'une vie et le début d'une autre. Sculptée par le temps, marquée par la main humaine, elle devient un sujet d'observation, de transformation, de contemplation.
La souche est ici mémoire vivante. Elle interroge notre rapport au temps, à la trace, à ce qui persiste et renaît. Elle nous invite à ralentir, à observer, à ressentir.
Cette exposition explore la souche comme motif, comme matière et comme métaphore.
Les artistes ici réunis réinventent le regard : bois, terre, textile, photographie, métal ou installation… Chaque œuvre est une rencontre avec cette forme organique, entre ancrage et effacement.

Martin Chaumont

Pierre Pétry

2025-05-03T12:34:26Z

À la fin de l'année 2023, la famille Pétry — et tout particulièrement ses frère et sœurs, Marie-Louise, Suzanne et René — décide de donner à la Fondation l'œuvre de Pierre, artiste animalier de génie, créateur d'un bestiaire… tellement peu ordinaire.

Une exposition de la Fondation Province de Liège pour l'Art et la Culture
Commissariat : Dominique Mathieu et Isabelle Neuray

À la galerie de Wégimont
Du 10 mai au 22 juin 2025
Vernissage le vendredi 9 mai 18h30
Finissage le dimanche 22 juin dès 14h

Pierre Pétry

Pierre Pétry, Autoportrait, s. d.,huile sur papier, 40 x 35 cm

Né le 26 février 1945 au sortir de la guerre, il meurt en 2017 à l'aube de ses 72 ans. Étudiant à l'Académie des Beaux- Arts de Liège entre 1962 et 1971, il est l'élève notamment de Jean Debattice et de Mady Andrien. Il y retournera en tant que professeur (dessin, sculpture, peinture décorative) de 1974 à 2010. Cet artiste a marqué, en Province de Liège et ailleurs, toute une génération de peintres et de sculpteurs, d'esthètes et d'amateurs d'art, sans oublier les amoureux des bêtes et les férus d'hybridité.
« J'ai toujours aimé observer les animaux. Et je me suis créé un univers. Sans y mettre une intention particulière, je peux relever qu'il s'agit toujours d'espèces familières et que je ne les représente jamais dans une attitude agressive ou dans une situation de danger. Je travaille aussi à créer tout un bestiaire hybride où on identifie des figures humaines. Mais il n'y a ni symbolisme, ni narration. » [1]
Démunie face à l'ampleur d'une production artistique désormais orpheline, la fratrie n'a pas souhaité que celle-ci s'éparpille et disparaisse. L'œuvre de Pierre ne devait pas se retrouver dans des mains peu scrupuleuses, faisant fi de sa valeur et de sa portée humaniste. Elle n'allait pas non plus sombrer dans la désolation d'un garde-meuble. Suite à une rencontre fructueuse entre René Pétry et Paul-Emile Mottard, président de la Fondation, le Fonds Pétry est créé. Débute alors l'inventaire de l'œuvre de Pierre, celle qui reposait encore dans son lumineux atelier de la rue Basse-Wez à Liège. Cet ancien bâtiment industriel réhabilité, à l'ombre du parc des Oblats et de la colline de la Chartreuse, Pierre le partageait avec ses voisins et amis, les artistes Michel Léonardi et Roel Goussey. Sa présence y est toujours palpable…
La Fondation a relevé des sculptures de petites et moyennes dimensions, en plâtre, polyester, résine ou terre, aux couleurs souvent vives voire chatoyantes, parfois empruntées à la peinture de carrosserie : personnages anthropomorphes à l'allure simiesque, à la tête de lapin, d'hippopotame, de taureau, ou de drôles d'oiseaux, … ; sculptures animalières, gallinacés et autres volatiles, cochons, lapins, équidés, poissons, pingouins…

Pierre Pétry, La chèvre rose, s.d., huile sur papier, 73 x 55 cm

De grands et petits dessins aussi, à l'huile ou au fusain, et aux sujets concordants.
Sur ce travail justement, Pierre s'exprimait ainsi : « Dans les dessins que je présente ici, c'est la ligne qui sert de guide à la composition. Puis, je reviens avec une matière picturale, de l'huile en bâton, appliquée avec une gestualité expressive. Les fonds blancs sont préservés, comme des silences. Je comprendrais qu'on apparente ces travaux à certains caractères de la peinture rupestre. Il y a aussi une allure d'estampe, peut-être de la lithographie avec des motifs décalés qui se super- posent, puis font naître d'autres images : une tête de cheval qui ressemble à un paysage. »*

Pierre Pétry, Red Rabbit, s.d., huile sur papier, 38 x 33 cm

Il en résulte une œuvre préservée de plus de 200 pièces auxquelles s'ajoutent des peintures de jeunesse, une foule de petits croquis, quelques carnets et des archives. Pierre Pétry a également pratiqué l'échange avec ses collègues et amis artistes puisque ont été découvertes d'autres œuvres aux dédicaces émouvantes. Tout cela témoigne de son long parcours dans l'imagerie onirique animalière, de quelques grands voyages, de son sens de l'ordre, de son goût du beau, de l'amitié, de sa volonté d'exposer, de travailler encore et toujours et ce jusqu'à son dernier souffle en 2017.
Un merci tout particulier est adressé à René, frère aîné de Pierre, grand amoureux des bonnes oies familières, celles de Konrad Lorenz et Selma Lagerlöf… Ce qui nous interpelle et nous éclaire aussi sur cette marotte si particulière de Pierre pour le motif animalier. « D'aussi loin que je me souvienne, a-t-il confié, j'ai toujours pris les animaux comme sujets. »* Pour donner le ton à cette ex- position posthume, la Fondation a invité Dominique Mathieu, fondatrice en 1993 du centre d'art contemporain liégeois Les Brasseurs, véritable laboratoire offrant aux artistes toute liberté pour créer. Elle a très bien connu Pierre qui fréquentait cet espace très convivial ouvert aux rencontres, aux échanges de pratique, à la réflexion. Dans l'exposition que nous vous offrons, Dominique a choisi de privilégier les représentations purement animalières. Un hommage doux et puissant à cet homme discret et élégant, parti sans faire de bruit…

Isabelle Neuray
secrétaire de la Fondation

Pierre Pétry dans son atelier

La Fondation

La Fondation Province de Liège pour l'Art et la Culture

Pierre Pétry, Allo !, s.d., huile sur papier, 147 x 107 cm

La Fondation Province de Liège pour l'Art et la Culture, présidée par Paul-Émile Mottard, voit le jour en 2017. Créée à l'initiative de Guy Vandeloise et Juliette Rousseff, un couple d'artistes liégeois désireux de léguer leur patrimoine à la Province de Liège, cette fondation d'utilité publique scelle une alliance entre l'Institution provinciale, les deux artistes et la création plastique. Les époux assurent ainsi la survivance de leur propre création artistique mais aussi de leur patrimoine personnel, un patrimoine immobilier et mobilier de collectionneurs érudits.
Outre le fonds Vandeloise-Rousseff, toujours sujet à se développer, la Fondation crée d'autres fonds distincts qui mettent en valeur des philosophies et des esthétiques de l'art différentes. Elle a la volonté de se tourner vers l'avenir en restant ouverte à des techniques et des attitudes multiples et variées. Elle privilégie les artistes ayant le sens de la liberté dans la recherche, à travers une pratique de l'art fondamentalement liée à la quête et à la construction de soi (psychologique, somatique, philosophique), en résonance avec le monde et par quelque moyen que ce soit.
Principalement dédiée aux arts plastiques, cette jeune fondation a pour mission de lutter contre le démantèlement de collections, d'œuvrer à la sauvegarde, à la conservation et à la valorisation de l'art liégeois des XX^e et XXI^e siècles. Constituant un vecteur de dynamisme et de développement culturels en Province de Liège, la Fondation met en valeur ses missions et les artistes qu'elle promeut par des expositions et rencontres, et l'édition de catalogues et ouvrages de réflexion. Elle s'emploie aussi à soutenir et promouvoir d'autres initiatives aux buts similaires.

Fondation Province de Liège Art et Culture

www.fondationartprovincedeliege.be

Le bestiaire hybride

Le bestiaire hybride : une question d'humanité

« Le rossignol pris pour un moineau,
cela aussi est le printemps
Buson »

Homme à tête d'éléphant, homme à tête de loup, à tête de chat, d'hippopotame, de lapin... Dans l'art de Pierre Pétry, depuis toujours, le monde animal se marie à l'hu- main. À moins évidemment, qu'il ne s'agisse de l'inverse. D'autant qu'à bien le regarder, ce curieux bestiaire arrive à nous surprendre au point que nous ne savons plus si c'est seulement le corps qui est animal ou si ce ne serait pas plutôt la mimique de leur visage, leurs yeux, leur port de tête qui... Les références sont immédiates, les associations faciles : d'Anubis au lapin d'Alice et de Raminagrobis au loup de Tex Avery.

Pierre Pétry, Wolfy, résine, s. d., 61 x 18 x 20 cm

Juxtaposer l'homme à l'animal est certes aussi vieux que le monde… Pour différencier les « tempéraments » humains, pour mieux en faire apparaître les particularités, de- puis longtemps les sociétés ont eu recours à l'affiliation animale, la brebis, l'aigle, le taureau, le lapin... Suivant la vieille physiognomonie, énoncée et illustrée par Gas- pard Lavater ou Charles Lebrun notamment, par simple ressemblance, on s'imaginait pouvoir identifier, dans
les traits physiques d'une tête ou d'un visage, les signes révélateurs d'une personnalité donnée, supposée parta- gée avec l'animal ; certaines expressions quotidiennes n'en ont-elles pas conservé l'empreinte ?
Si, à première vue, les procédés paraissent comparables, la référence, un peu facile, se révèle assez vite dépour- vue de véritable à-propos devant les œuvres de Pierre Pétry. Chez Pierre, s'il est question du monde animal, il est surtout question d'humanité. De profonde et de subtile humanité. Plutôt que le signe d'une volonté réductrice, ou d'une solution un peu rapide, pour ranger les hommes dans des catégories, l'association homme - animal chez Pierre est bien davantage la marque d'une particulière et peu commune attention aux hommes eux-mêmes. Sous ces airs d'amuseur d'enfants en mal de rêves, Pierre, avec son humour et sa réserve, nous murmure quelque chose qui parle de nous. Oui, de nous et ce même s'il avoue un peu vite, comme pour s'en excuser, avoir depuis toujours préféré étudier, dessiner, peindre et sculpter les animaux. Le chemin peut paraître détourné - par pudeur et par discrétion, par élégance aussi et la méthode surprend sans doute, mais, bien que les apparences du jeu soient trompeuses, c'est de nous qu'il parle.

Philippe Delaite

Pierre Pétry, 9 cm, s.d., huile sur papier, 147 x 107 cm

[1] Propos de Pierre Pétry recueillis par Pierre Henrion en 2016

Carole Beugniet

2025-03-16T13:03:46Z

À la galerie de Wégimont
Du 22 mars au 27 avril 2025
Vernissage le vendredi 21 mars 2025 à 18h30
L'artiste sera présente les 22 mars, les 6, 19, 20 et 27 avril 2025

Paysages multiples

Paysages multiples

Carole Beugniet, Sans_titre, 2022, mine de plomb, 25 x 25 cm

Depuis plus de vingt ans, Carole Beugniet expérimente les techniques de l'estampe, qu'elle déploie aussi en installations ou en livres d'artiste et développe aujourd'hui avec l'outil numérique. Son thème de prédilection est le paysage mais aussi son environnement quotidien.
Elle travaille à partir de photographies, de croquis et de notes, sur la base de souvenirs ou de son imagination. Sa pratique trouve son origine dans la technique traditionnelle de la gravure au burin et se révèle avec l'usage d'autres techniques comme le monotype, le dessin ou plus récemment l'estampe numérique. Par l'usage de l'encre, l'artiste fait ainsi émerger des formes, orga- niques ou minérales, à la lisière de l'abstraction. Deux éléments sont centraux dans son œuvre : le trait, qu'elle veut pur et délié, et le vide, qui ne s'oppose pas au plein mais représente plutôt « un souffle qui animerait ces lignes ».
Conjuguant ces deux éléments, elle crée des compositions d'une grande vivacité où sont mis en exergue les rendus et les matières. Elle utilise aussi différents formats de papier, parfois monumentaux, comme pour sa série d'estampes numériques Sols rocheux.
D'autres œuvres sont parfois présentées à plat afin que le spectateur parcoure l'œuvre et observe les détails de façon plus intime, telle une déambulation dans le paysage. Lorsqu'elle travaille avec les nouvelles techno- logies, l'artiste scanne ses monotypes, pour en extraire des lignes et des formes, afin de les archiver. Cet inventaire devient le point de départ de nouveaux projets, elle les compose telles des partitions pour réaliser ses interprétations du paysage. Un autre élément primordial dans sa pratique est le papier, dont elle expérimente plusieurs types. En 2018, les estampes imprimées rangées en piles dans l'atelier ont d'ailleurs donné lieu à une série photographique réalisée en triptyque. L'artiste a photographié en plan serré les faces latérales des piles, dévoilant la fragilité du papier, les différentes matières et l'imperfection des découpes. La superposition de traits colorés évoque des strates géologiques ou des paysages de plaines désertiques. Le paysage ne cesse de l'interroger. Elle explore dans ses recherches récentes autour de la cartographie géographique qui « est un type de représentation à mi-chemin entre abstraction et figuration (…) et est une réalité plus subjective que physique de l'espace ». Elle se les approprie, les détourne, pour proposer une réinterprétation poétique d'un territoire.
Ces dernières recherches l'ont naturellement amenée à penser de nouveaux livres d'artistes, mais pour la première fois avec l'envie d'une cocréation. Cette exposition révélera d'ailleurs les livres réalisés avec la poétesse Blandine Poinsignon.

Carole Beugniet, Sans titre, 2024, fusain, 25 x 25 cm

En regards

En regards

Du temps. Temps nécessaire à la rencontre. Au mûrissement.
Temps pour ce qui nous traverse et vient nourrir notre rapport au monde, aux autres, à soi, à la création. L'objectif initial : un livre d'artiste. L'image ne devait pas être une illustration du texte, non plus que le texte un agré- ment de l'image. Un trajet ensemble, donc, avec la liber- té de ne pas savoir dès le départ où nous arriverions ni quand. Carole crée des images, les multiplie, déplace, tourne, assemble et naissent de nouveaux paysages. Comment avec les mots ? Avec les moyens du poème ? - sans que cela tourne au jeu pur - pour trouver ce supplément de sens, de perspective, de grâce ? Je cherche la nudité de la phrase, de la construction, la densité
des mots, l'élan inspiré du haïku qui permet des combinatoires pertinentes, et m'étonne de l'aisance avec laquelle cela se donne. Certainement le fond de toute écriture, mais en acceptant, exceptionnellement, de ne pas fixer de forme finale, d'offrir aux lectrices et lecteurs un matériau choisi avec lequel composer leur poème.

Carole Beugniet, Sans titre, 2022, burin, 54 x 26,5 cm

Ouvrir les possibles de l'image et du texte comme un tout qui se dévoile progressivement. Un paysage que le regard ne peut englober en une fois mais doit parcourir en glissant, se heurtant, s'arrêtant, allant à un autre détail. Et à chaque plongée, tout change, car l'œil ne peut reprendre sa lecture - de l'image, du texte - qu'à un nouvel endroit.
Carole pense ses images comme minérales ; j'y vois aussi quelque chose de végétal, d'anatomique, de cosmique ; j'y vois parfois même des visages. Dans la richesse de ces perceptions et de l'échange, nous creusons ensemble notre recherche. Une mise en mouvement. Ce que nous aimerions que perçoivent et vivent celles et ceux qui regarderont, qui liront. Un déplacement de soi.
Plier, déplier, pour composer, recomposer des paysages dans lesquels autant de chemins seront à inventer. Carole tisse de nouvelles trames où mes mots épousent ses encres, deviennent ponctuations, lignes, formes. Images dans l'image. Joie d'expérimenter, d'aller ensemble : les tentatives, les propositions se multiplient. Jusqu'au moment où images et mots, dans leur enroulement-déroulement, s'entrelacent avec évidence. Une surface dont la linéarité n'est qu'apparente.
Il y a un paysage d'encre que je contemple longtemps dans mon bureau - écho de la grande impression qu'avait produit sur moi, au musée, un exemplaire de La Prose du transsibérien de Blaise Cendrars illustré par Sonia Delaunay. Il fallait aller plus loin et tirer le fil, explorer avec mes mots ce que Carole travaille avec minutie dans les détails de ses images. Habiter son territoire, ses blancs, la profondeur de ses noirs, m'y glisser pour voir ce que ça creuse en moi. Paysage mouvant intérieur-extérieur.

Il y en a un autre paysage dont Carole a pensé le pliage : irrégulier, élégant. Je tourne les pages, encore et encore, m'habitue à la rythmique des encres, des plis. Mes mots viennent s'y glisser, je m'y reprends à plu- sieurs fois, il faut lâcher-prise et composer, composer et lâcher-prise. Regarder, beaucoup. Entendre ce qui se joue. S'arrêter quand ça tombe juste, sonne juste.
Nous n'en finissons pas de nos allers-retours. Je repars avec un paysage à éprouver, Carole avec des mots auxquels accorder un paysage sur mesure. Elle finira, après impression, par un travail de mise en couleur, tout en légèreté, quelques touches pour éclairer ici et là, traces de la lumière diffractée, quelque part entre noir et blanc.

Blandine Poinsignon

Carole Beugniet, Paysages multiples série 2021 estampe numérique n°4 rehaussée de crayon de_couleu et aquarelle, 23 x 23 cm

Biographies

Carole Beugniet est née en 1973 dans l'Oise, elle vit et travaille à Lille. Elle est diplômée de la DNPA, option art, avec les félicitations du jury, de École des Beaux-arts de Valenciennes (1995) et de la DNSEP, option art, École des Beaux-arts de Valenciennes (1997). Elle est membre de l'association de la Malterie, atelier 19 et professeur d'enseignement artistique au Centre des Arts plastiques et visuels de Lille. Elle a obtenu divers prix et bourses, participé à de nombreuses expositions notamment à Lille, à Amiens, à Villeneuve d'Ascq et à Paris ainsi qu'à de nombreuses Biennales ou Triennales de gravure en France et en Belgique.

Blandine Poinsignon est née en 1986 dans les Hauts de France.
Elle est professeur de Lettres et a publié des poèmes et textes dans différentes revues.

Carole Beugniet, Sans titre, 2015, techniques mixtes, gouache, pastel sec, aquarelle, encre, 180 x 80 cm x 4

L'école de Fontin

2025-01-15T10:58:34Z

Du samedi Du 1^er février au dimanche 9 mars 2025
Vernissage le vendredi 31 janvier 2025 à 18h30

On est en 2011, en avril, l'AKDT de Libramont ouvre les inscriptions pour le prochain stage d'été et Jean-Pierre Ransonnet ne s'y trouve pas. Un peu déconfite de ne pas poursuivre cette rencontre annuelle, je lui demande s'il serait d'accord de superviser une bande d'artistes désireux de recevoir ses conseils avisés. Et contre toute attente il accepte ! Il suffisait alors de proposer aux fi- dèles de l'AKDT et aux anciens collègues de l'Académie des Beaux-Arts de Liège d'y participer et tous se révé- lèrent enthousiastes. Un local fut trouvé pour cinq jours, qui devinrent rapidement six, dans le joli village de Fontin sur les hauteurs d'Esneux. Et la nouvelle aventure pouvait commencer ... Elle dure depuis 13 ans, chaque été à la fin du mois de juillet.

La belle équipe

La belle équipe

La Belle Équipe : Anne Lehembre, Marielle Lejeune, Yves Buffalo, Lieve Groeninckx, Nadine Viaene, Cécile Dumortier, Dominique Boucqueau, Sabine Daro, Geneviève Bourlon, Claude Beck, Jean-Jacques Jacob, Jean-Pierre Ransonnet, Josiane Bawin, Myriam Maroy, Édith Bodart.

Une bande d'artistes dont l'amitié s'est forgée avec le temps, dans la joie de peindre mais aussi le désir de poursuivre, approfondir ou tenter d'autres expériences picturales le temps d'une semaine entièrement consacrée à soi. Entre les apéros et les salades partagées à midi, c'est un travail de fond que chacun s'est fixé comme objectif, Jean-Pierre passant de l'un à l'autre pour prodiguer ses conseils, encourager et partager son expérience.

Claude Beck, sans titre, 2024, acrylique sur toile, 30 x 30 cm

Jean-Jacques Jacob, sans titre, 2024, linogravure sur papier Japon, 60 x 50 cm

Anne vient de Bruxelles, Édith de Mozet, Marielle de War- emme, Nadine de Ohain, Myriam de Petit-Hallet, Lieve de la région flamande, Jean-Jacques, Yves et Claude de la région liégeoise, Dominique de Hannut, Geneviève, Sabine, Josiane et moi-même de la région Ourthe Amblève ... On loge chez l'habitant ou non, on suit un horaire strict de travail, interrompu de grands moments de rires et d'amitié.

Édith Bodart, Partition de campagne, 2024, encre sur papier, 29 x 29 cm

La Belle Équipe, ce sont des artistes déjà reconnus ou non, mais où la solidarité joue un rôle essentiel, comme dans le film de Julien Duvivier cher au cœur de Jean-Pierre.
Non, vous ne retrouverez pas la patte du maître dans les œuvres présentées à Wégimont (les artistes ont tous des démarches propres à leur parcours), mais bien son esprit, présent dans le désir de chercher, d'aller plus loin dans le travail.

Cécile Dumortier, Rouge, 2024, acrylique sur toile, 109 x 95 cm

Myriam Maroy, Strange, 2024, acrylique, pastels à l'huile, solvant, crayons et pigments sur papier intissé, 30 x 21 cm

Yves Buffalo, sans titre, 2024, feutre et marqueur sur papier, 37,5 x 85 cm

Alors, on lève son verre à la « gloire », on se dénomme pompeusement l'École de Fontin ! Mais pourquoi pas après tout, d'autres avant nous ont tenté cette expérience et nous la renouvellerons tant que ce sera possible pour chacun ...

Cécile Dumortier

Jean-Pierre Ransonnet

Entretien avec
Jean-Pierre Ransonnet

« Un bon maître a ce souci constant :
enseigner à se passer de lui ! »
André Gide
« Liberté, j'écris (je peins) ton nom. »
Paul Éluard

Jean-Pierre Ransonnet et La pierre de la Falhotte, 2024, exposition au LRS, photographie de Daniel Dutrieux

1944. Depuis le 16 décembre, la forêt ardennaise est massacrée par les bombardements de l'offensive allemande. Jean-Pierre Ransonnet naît le lendemain de Noël dans la cave de la maison familiale à Lierneux. Lierneux, le village de son enfance et de son adolescence, les gens du pays, les sapins qui ponctuent les paysages. Les Lieux, les Liens qu'il tisse avec les copains, l'équipe de foot, les filles au détour du petit pont feront la trame de son questionnement et de son inspiration [1].
Il croise les patients de l'hôpital psychiatrique provincial implanté dans son village depuis un siècle. « Il était normal de voir des ‘fous' se promener dans les rues. Bien sûr, ils nous intriguaient. Mais ils faisaient partie du paysage, au même titre que les autres. Avec le recul, je suis certain que c'est de cette cohabitation spéciale et harmonieuse qu'est né mon intérêt pour l'art brut ».
Dubuffet, Picasso, Matisse, de Kooning, Fautrier sont ses premières références. En art comme dans la vie, il re- fuse le dogmatisme et privilégie la spontanéité et l'au- thenticité de la démarche. « Nous devons regarder nos œuvres de biais », me dira-t-il un jour lors d'une visite de mon atelier. Je ne suis pas un besogneux. Il faut sa- voir lâcher prise. Dans la peinture comme dans la vie. Tant mieux ! Il faut se nourrir de tout et ne pas s'ancrer dans une tâche, dans un créneau. C'est comme ça que nous sommes, donc c'est comme ça que nous travail- lons. Renoncer, encore et toujours à diriger les choses, laisser la peinture s'investir en nous et devenir son instrument. Se mettre en disponibilité ! ».
Plus tard, il découvrira le surréalisme et le dadaïsme, la psychanalyse de Freud et l'écriture automatique, les peintres Balthus, Morandi, de Stael, Rothko. Il est en- gagé comme documentaliste à la librairie Halbart puis à la fondation André Renard. Cette fonction stimule sa curiosité pour l'humanisme et la sociologie. Il est un lecteur assidu de la presse et se construit un regard critique sur la politique et la production du 7^e art qui suit de près l'évolution de la société, l'éclosion de la Nouvelle Vague avec Godart, Chabrol, Truffaut et son acteur alter-égo Jean-Pierre Léaud. La Nouvelle Vague ne se limite pas à un nouveau genre cinémato- graphique, mais se singularise, dans le vent de liberté qu'elle apporte, par l'instantané d'une époque contestataire. Cette curiosité insatiable le conduit à des explorations transgressives et notamment photographiques, pratique qu'il abandonnera quelques années plus tard pour s'en tenir exclusivement à la peinture.
L'enseignement

Jean-Pierre Ransonnet, Paysage orage, 2016, techniques mixtes sur panneau, 120 x 91 cm

À 42 ans, il obtient une charge de cours de dessin à l'Académie des Beaux-Arts de Liège : « J'étais heureux de commencer à enseigner à cet âge-là. Je n'aurais pas voulu être prof à 25 ans. Pas assez de maturité, je cherchais ma voie et n'avais rien à dire aux autres. Mes élèves avaient de 18 à 35 ans. J'étais d'avantage attentif à ce qu'ils proposaient plutôt qu'à leur amener un savoir propre. J'allais à leur rencontre et essayais de les stimuler. Car comment enseigner la peinture et le dessin ? Et aussi faut-il enseigner la peinture ? ».
La révolution impressionniste de la fin du XIX^e siècle a mis à mal la peinture en tant que discipline exacte. Le savoir-faire et le rendu rigoureux de la réalité étaient érigés en règle absolue. La photographie, dès 1850 s'est emparée du portrait fidèle et bientôt de tous les thèmes clas- siques : paysage, nature morte, corps humain, … La guerre de 14-18 dans son cortège d'horreur a ensuite fait prendre conscience de la vacuité des valeurs anciennes : travail, patrie, sacrifice, obéissance aveugle. Place maintenant à un essor nouveau de l'acte créateur, la peinture devient expression vivante et personnelle, le peintre se découvre un vocabulaire propre, ouvre les portes de son imaginaire et de son inconscient, le rêve se mélange à la réalité. Sont mises de côté les notions de perspective et de rendus classiques. La peinture trouve son langage propre.
Proposer dès lors un enseignement adéquat où le respect de la personnalité de chacun(e) devient la règle, où l'authenticité du propos est essentielle. Matisse ouvre une académie en 1907 à Paris, boulevard des Invalides près de l'atelier de Rodin. Il la fermera trois ans plus tard. Son explication fut fort importante pour moi : « Les élèves furent déçus de voir qu'un maître, réputé révolutionnaire pût leur répéter le mot de Courbet : ‘J'ai voulu tout simplement puiser dans l'entière connaissance de la tradition le sentiment raisonné et indépendant de ma propre individualité'. L'effort que je faisais pour pénétrer la pensée de chacun me causait une grande fatigue. Il m'arrivait d'avoir la certitude que l'essai d'un élève était tenté dans une mauvaise direc- tion, et celui-ci m'affirmait (revanche de mes maîtres) : je pense comme cela. Le plus navrant est qu'ils ne conce- vaient pas que je fusse désespéré de les voir faire ‘du Matisse'. Je compris alors qu'il me fallait choisir entre le métier de peintre et celui de professeur. Je fermai bientôt mon académie ». [2]

Les stages à Libramont puis à Fontin

En 1998, c'est dans cet esprit que Jean-Pierre accepte une fonction d'animateur de stages à l'Académie d'été de Libramont. Je suis inscrit en tant que stagiaire. Là naît entre nous une solide amitié. Nous nous voyons réguliè-rement dans mon atelier où il pose un regard constructif sur mon travail, et chez lui où il m'invite à découvrir le sien. Nous parlons du bonheur de peindre, d'actualité, de bon vin et de joie de vivre.
Je suis moi-même devenu enseignant à l'ESA Saint-Luc de Liège et nous échangeons fréquemment notre ressen- ti. Récemment, je lui lis le texte d'Alain Barthes que j'ai évoqué le jour de mon départ à la retraite : « Il est un âge où l'on enseigne ce que l'on sait ; mais il en vient un autre où l'on enseigne ce que l'on ne sait pas : cela s'appelle chercher. Vient peut-être maintenant l'âge d'une autre expérience : celle de désapprendre, de laisser travailler le remaniement imprévisible que l'oubli impose à la sédimentation des savoirs, des cultures, des croyances que l'on a traversés. Cette expérience a, je crois, un nom illustre et démodé, que j'oserai prendre ici sans complexe, au carrefour même de son étymologie : sapientia : nul pouvoir, un peu de sagesse, un peu de savoir et le plus de saveur possible ». [3]
Ces quelques lignes résument si bien l'attitude de Jean-Pierre quant à la transmission du savoir et l'approche délicate de la création. Susciter une direction à prendre sans rien imposer, orienter plutôt que conseiller.
« J'ai aussi été très influencé par Roland Barthes, ses écrits, ses interviews. Un homme extrêmement sensible qui a marqué mon parcours », dit-il.
Et de me citer encore le plaisir du texte traitant de la photographie et de me parler de Breton, Artaud, Bataille, Miller, Beckett … « Lorsque j'ai commencé les stages
à Libramont, je n'imposais jamais quoi que ce soit. Je m'interrogeais sur le parcours des stagiaires et j'étais attentif à ce qu'ils m'apportaient aussi. C'était un échange plutôt qu'une transmission de savoir. Les conseils que je donnais consistaient à susciter leur questionnement dans les directions qu'ils prenaient, les mettre quel- quefois en garde sur certaines orientations, quelques données techniques sur le choix des pigments, la taille des pinceaux, la fluidité de la couleur, toutes approches qu'il faut progressivement assimiler pour trouver son propos personnel. Je n'ai d'ailleurs jamais pensé que j'enseignais. Je m'efforçais d'être ouvert aux capacités des personnes qui s'adressaient à moi. Ce qui m'intéresse est qu'ils soient tous différents, même s'ils sont quelquefois malhabiles. L'essentiel est qu'ils trouvent leur voie et surtout qu'ils ne trichent pas. Quelqu'un qui a déjà beaucoup de technique et qui veut faire de d'esbroufe m'intéresse nettement moins que la personne qui n'en a pas beaucoup et qui cherche son langage personnel. C'est véritablement cette dynamique que
nous avons recréée dans les stages de Fontin : le plus de saveur possible car il faut avant tout se situer dans un esprit de bonheur et de liberté, ce qui n'exclut nullement le travail et la rigueur.

Jean-Pierre Ransonnet, Paysage avec prés, 2005-2007, 148 x 127,5 cm

À Fontin se croisent des personnes d'un certain âge qui ont des parcours différents. C'est le lieu de la rencontre, de l'échange. Les stagiaires se connaissent et constituent maintenant une petite famille pendant une semaine. Dans le travail intense et appliqué où le questionnement donne lieu quelquefois à des moments de décourage- ment, règnent des instants de franche rigolade. L'amitié se perçoit et s'apprécie ».
Il se lève de sa chaise. Son visage s'illumine : « La peinture, c'est les bras ouverts, c'est un regard sur le monde, c'est un langage personnel, c'est la liberté ! L'acte créa- teur est l'arme dont nous nous servons pour changer le monde, le plaisir et la joie de vivre pour adoucir le cours des choses » [4].
« À la gloire ! » proclame en chœur la Belle Équipe. Dérision ou défi ?

Jean-Paul Laixhay
décembre 2024

Discours de Jean-Paul Laixhay

Retour sur les moments forts du discours prononcé par Jean-Paul Laixhay lors du vernissage de l'exposition La Belle Équipe, l'école de Fontin.

Depuis 1969, l'asbl Wégimont Culture s'attache à promouvoir, à travers diverses activités, l'art en général et, par ses expo- sitions, soutient plus particulièrement la création contem- poraine. L'objectif est de servir par-là la promotion des arts plastiques d'aujourd'hui, à travers toutes leurs formes d'expression, la peinture comme la sculpture, le dessin, la gravure ou la photographie. Historiens d'art, artistes, architectes, professeurs, mais aussi représentants d'autres professions, tous passionnés par l'art et bénévoles, forment une équipe qui travaille à mettre à la portée du plus grand nombre le vaste domaine de l'art, tant du passé que de la création contemporaine.
Sous la menace d'un changement radical de la perception de nos démocraties, il nous semble indispensable de rappeler que l'art et la culture englobent une vaste gamme d'ex- pressions humaines : L'expression personnelle : l'art permet aux individus d'exprimer leurs pensées, leurs émotions et leur vision du monde. C'est un moyen de communication qui transcende souvent les barrières linguistiques.
La réflexion sociale : l'art peut servir de miroir à la société, abor- dant des thèmes tels que l'identité, la justice sociale et les enjeux contemporains. Il incite à la réflexion et peut même inspirer le changement.
La cohésion communautaire : les événements culturels, tels que les festivals et les expositions, rassemblent les gens et ren- forcent le sentiment d'appartenance à une communauté.
L'éducation et la sensibilisation : la culture éduque et sensibilise les gens à différentes perspectives et expériences, favori- sant ainsi l'empathie et la compréhension.
Le bien-être mental : s'engager avec l'art, que ce soit en le
créant ou en l'appréciant, peut avoir des effets béné- fiques sur La santé mentale, en réduisant le stress et en améliorant l'humeur.
L'économie : l'industrie créative contribue également à l'éco- nomie, en créant des emplois et en attirant le tourisme.
Peut-on dès lors se passer d'un ministère de la culture ?
Peut-on développer des projets, soutenir des associa- tions, promouvoir l'éclosion de jeunes artistes, mettre en lumière le talent d'artistes moins confirmés ? De quelle culture parle-t-on lorsque l'on cite pour exemple les États-Unis qui n'en possèdent pas et dont pourtant — je cite — « la culture dominerait le monde » ?
S'agit-il des grands événements « bankables », des grands- messes organisées à grands renforts de tapage mé- diatique et de moyens surdimensionnés dont le seul objectif est de promouvoir des entreprises lucratives ? Il semble que désormais au pays de l'oncle Sam le mot « tarif » remplace désormais les mots rencontre, sensibi- lité, émotion,… amour.
André Malraux, ministre des Affaires culturelles sous le Général de Gaulle, disait : « la culture est l'héritage de la noblesse du monde ». La noblesse du monde, voici ce à quoi nous croyons et ce que nous nous appliquons à défendre envers et contre tout avec notre ASBL.

Jean-Paul Laixhay

[1] Alain Delaunois, Jean-Pierre Ransonnet, Les lieux, les liens, éditions Yellow Now, 2000, introduction de Julie Bawin.

[2] Écrits et propos sur l'art. Henri Matisse, Collection Savoir, Hermann éditeurs des Sciences et des Arts, 2018

[3] Roland Barthes, Leçons, Collège de France, éditions du Seuil, 1978.

[4] Voir le catalogue de l'exposition N'y voir que du bleu, paru en octobre 2019 à l'occasion du 50^e anniversaire de l'association de Wégimont Culture (textes de Anne Gersten)

Jean Janssis

2024-11-03T14:30:06Z

À la galerie de Wégimont
Du 9 novembre au 15 décembre 2024
Vernissage le vendredi 8 novembre à 18h30
L'artiste sera présent les 8 et 24 novembre, et le 15 décembre

Jean Janssis se raconte

Jean Janssis se raconte

À 16 ans je voulais être écrivain. De 1968 à 1971, j'ai noirci les centaines de pages de mon cher journal. En 1975, après mes études de Lettres, me voici professeur de français et de sémiologie dans une école d'art, à Liège. J'étais loin d'imaginer que la photographie allait devenir une passion dévorante. J'achète un Nikkormat, puis un agrandisseur, un Durst M800, j'équipe un laboratoire dans la cave. Je parcours la Belgique, la France. Toute l'Italie me fascine. J'ai arpenté l'Etna, j'ai marché sur les pavés de Pompéi. Taormine, la gare, le restaurant d'en face, de train en train. C'était hier.
J'achète un moyen format, un Bronica 6X6, j'installe un studio dans le grenier. Mes amis se prêtent au jeu. C'est du théâtre, du cinéma, rien n'est vrai mais tout est sincère. J'ai le sentiment de créer, de construire, d'échafauder.
Leur ventre, leur sexe, leurs jambes, leur visage sont mon matériau. En dessin, en photo, les bras sont toujours encombrants. La Vénus de Milo n'a pas de bras.
Ne plus être maniéré, éviter les postures, les accoutre- ments. Il me faudra du temps. Moi, l'enfant sage, le bon élève, me voici insolent, subversif.
Il y a eu Mapplethorpe et Witkin, aujourd'hui McGinley et Ren Hang.
Jusqu'au début des années 2000, je pouvais déshabiller mes modèles en studio et sur la plage, aujourd'hui les choses ont changé ! Ces photos-là sont le reflet de mes jeunes années. Elles sont européennes et je m'acharne avec obsession à les refaire encore et encore pour retenir tout ce qui s'effiloche, disparaît. Je ne suis pas dans le rôle du spectateur, du témoin, mais dans celui de l'acteur, de l'amant.
L'inspiration ne tombe pas du ciel, elle est sous mes yeux, en chair et en os. Ils ou elles l'appellent Yves, Jean-Luc, Luc, Dany, France, Sylvie, Manu, Marco, Alex… J'en ai fait des géants, des héros, des saints, des martyrs. Mes photos sont nées dans l'étroitesse d'un grenier propice au rapprochement, à la proximité, au gros plan. D'autres sont nées de la montagne, de la neige et de la mer qui lave tout.
Mes photos prennent corps dans mon laboratoire, la forge.
Elles sont façonnées d'argile ; mes pigments sont des terres, des ocres. Elles sont exposées à la lumière ultra- violette ; longuement baignées dans l'eau pour appa- raître ; et enfin séchées à l'air libre.

À corps perdus

Jean Janssis
À corps perdus
Une photographie de Jean Janssis est un drame, une révélation, un mystère. Une mise en scène aussi, dans laquelle il nous donne à voir l'homme, « objet » de sa convoitise, de son admiration et de son amour, dans toute sa triviale splendeur, son insolente jeunesse et sa fascinante beauté.
À l'ère du numérique, de la profusion d'images colorées et du papier glacé, du pris sur le vif, de l'instantané et du mou- vement, les photographies de Jean Janssis semblent appartenir à une autre époque. Pas de couleur, des to- nalités noirâtres et sépia qui rappellent les vieux clichés d'antan, du papier crème duveteux aux bords effilochés, habituellement réservé au dessin ou à l'estampe. Surprenant encore, le format, celui d'une affiche publicitaire ou celui d'un tableau, plutôt…
Et pourtant, rien de tout cela !
Jean Janssis utilise une technique très ancienne, la gomme bichromatée qui remonte aux origines de la photographie et du mouvement pictorialiste, abandonnée tout aussitôt. À force de recherches, d'essais et d'erreurs, il en a redécouvert tous les secrets qui allaient donner à ses images la matérialité qu'il recherchait.
Sur l'épreuve subsiste en léger relief, comme un voile de sable ou de poussière, les traces de pigments charbonneux qui accrochent ou absorbent la lumière. C'est tout l'art du clair-obscur, du jeu pictural, sculptural ou matié- riste de l'ombre et de la lumière, qui n'est pas loin d'un tableau du Caravage, d'une sculpture de Michel-Ange ou d'une eau-forte de Rembrandt.
L'homme est au cœur de l'œuvre de Jean Janssis, l'homme universel magnifié dans l'éclatante beauté de son corps mais aussi montré, étiré, recroquevillé, écartelé, tron- qué, dans une mise en scène à la fois sophistiquée et dépouillée, d'une grande pureté.
Violemment baignés de lumière un corps nu, entier, ou quelques fragments de corps, un torse, une épaule, un bras, une main, un pied, un sexe jaillissent d'un abys- se insondable avant d'être à nouveau absorbés par les ténèbres. Les ombres qui rôdent autour de ces corps sublimes érodent leur contour, s'engouffrent dans les creux, noyant irrémédiablement quelques parties de corps, inaccessibles, objets peut-être, d'un irrésistible désir. Un trouble, une « inquiétante étrangeté » s'installent lorsqu'on tente de cheminer dans ce noir dévorant qui envahit l'espace, qui empêche de voir, dissimule et en même temps révèle les zones d'ombre de l'être, du corps et de l'âme. N'est-ce pas une frontière qui s'érige, indécise, imprécise, entre le noir et le blanc le chaos et la lumière, le bien et le mal, la vie et la mort ?
Voluptueuse, désirable, irrésistible beauté.
Peut-on te toucher, te mettre à l'épreuve, te blesser Peut-on, pour mieux en jouir, te priver de liberté Peut-on t'enfermer de peur que tu ne t'échappes ?
C'est à ce jeu, à ce risque, que se livre Jean Janssis …
à corps perdus !

Anne Gersten

Thierry Grootaers

2024-09-09T08:54:03Z

Du 21 septembre au 27 octobre 2024
Vernissage le vendredi 20 septembre à 18h30
L'artiste sera présent les 28 septembre et 27 octobre 2024

Conversation avec Thierry Grootaers

À quelques kilomètres de Visé, sur la rive droite de la Meuse, majestueuse à cet endroit, se cache un petit village qui, c'est certain, ne figurera jamais dans un guide touris- tique. Un seul coup d'œil, depuis ma voiture, suffit d'ailleurs pour m'en convaincre.
Témoignant tous du même vide architectural, je découvre, sur le chemin qui me mène chez Thierry Grootaers, des dizaines de petits pavillons aux couleurs fanées et une série de bungalows « clé sur porte » bordés par les inévitables haies de thuyas laissant entrevoir, çà et là, quelques géraniums achetés avec leurs jardinières vertes au BRICO du coin.
Le décor est planté et, comme le chantait Charles Aznavour, « il est triste à pleurer ».
Et pourtant, c'est dans ce « no man's land », ni urbain ni rural, que l'artiste a délibérément choisi de vivre, d'aménager son atelier et son grand jardin.
Mon GPS m'indique que je suis arrivée, Thierry m'accueille sur le pas de sa porte et, dès le hall d'entrée, je change complètement d'univers. Les lieux reflètent souvent la personnalité de ceux qui les occupent. Sa maison, très différente de ses voisins, est vaste, ancienne et construite en briques rouges. En montant les escaliers pour le suivre, je m'arrête et prends le temps de regarder ce qui est en soi une exposition. Sur les murs, l'artiste a accroché sa collection de vieilles cartes postales, des tableaux d'amis artistes, des affiches publicitaires des années soixante, des souvenirs de famille, des ex-voto à foison, d'anciens jouets chinés en brocante. L'ensemble dégage le charme de certains musées ethnographiques « style capharnaüm » qu'on peut encore trouver, en cherchant bien, dans le fin fond de nos provinces.

Au second étage, quand il m'ouvre la porte de son atelier,
dans cette vaste pièce mansardée blanche et lumineuse, la magie opère …
Rapidement, je capte au hasard quelques œuvres :
– Une maison blanche devenue nichoir décorée d'un grand sablier bleu vif se dégage sur le fond d'un paysage de bouleaux morts nimbés de couleur feu.
– À gauche, une autre toile avec d'autres maisons, celles-ci sont peintes en rose, en turquoise et en jaune et leurs panneaux photovoltaïques ressemblent à s'y méprendre aux boîtes de crayons Caran d'Ache qui ont enchanté des générations d'enfants.
– Et puis là, cette suite de palissades ponctuées de couleurs vives où deux arbres, rapidement tracés, enca- drent une sculpture. Est-ce un totem, un épouvantail ?
Je pose la question à l'artiste. « Les deux, me dit-il, mais c'est aussi une référence, un clin d'œil à une œuvre qui m'a beaucoup marqué : L'Homme-oiseau de Thierry de Cordier que j'avais découverte au SMAK de Gand, il est présent dans plusieurs de mes tableaux, je le modifie, cependant c'est toujours lui qu'on peut deviner dessiné en filigrane. En tout cas, il sera présent à la Galerie de Wégimont, certains le débusqueront peut-être. »
« Cette exposition, continue-t-il, sera centrée sur ce que son titre indique déjà, Pas de porte, cet interstice ambigu qui fixe la limite entre moi et les autres, ma maison et les paysages environnants, mon journal intime et le monde extérieur. »
« Je marche beaucoup, je me promène, je regarde, je prends des photos et je parle aux gens. Tout m'intéresse, le logo jaune du BRICO au-dessus des toits gris, les rideaux en plastique de couleur, les potales garnies de fleurs artificielles, mes copains qui coupent un arbre, ma femme avec son gsm dans le jardin ou pourquoi pas, des casiers de bière rouges vifs rangés à côté des barbecues. Je ne fais aucun tri, je n'établis aucune hiérarchie, je travaille sur le motif comme le faisaient les anciens, Van Gogh et son chevalet figurent d'ailleurs dans mes tableaux. »
« Lorsque j'ai fini mes provisions, je ramène tout à l'atelier et là, ça vient comme ça vient. Je peins vite, je mets des couches de fond grises puis, je balance ce que j'ai récolté. La peinture m'aspire, je pose d'abord des plaques de couleur puis je superpose, j'efface, je raconte une histoire. Quant aux couleurs, je me donne le choix. S'il y a trop de vert dans ce paysage, je reviens avec du rouge sur les pelouses, puis, j'attends et souvent, je réajuste. Derrière mes travaux, j'archive toujours les dates de mes interventions, à la manière de Jean-Pierre Ransonnet qui fut mon professeur à l'Académie royale des Beaux- Arts de Liège et à qui je dois ce rapport au temps et cet amour de faire. Parallèlement à mon travail de peintre, chaque jour, je pose un geste artistique, c'est une sorte de gymnastique qui m'entretient. Je le fais sur une collection de vieux papiers récupérés chez les bouqui- nistes, je les exposerai peut-être un jour. »
« Tout cela, pour moi, ce n'est pas du travail, je ne l'associe jamais à l'angoisse ou à la souffrance de la création, je suis plutôt un artiste heureux et comme le disait Bram van Velde, seule la peinture pouvait prendre en charge mon aventure' ».

Puisque Thierry me parle de lui-même, je lui propose, sous la forme d'un jeu, de répondre à un extrait du question- naire de Bernard Pivot, largement republié depuis son récent décès.

Quel serait votre plus grand malheur ?
— Être aveugle.
Ce que vous voudriez être ?
— Ce que je suis.
Votre couleur préférée ?
— Le rouge.
Votre peintre préféré ?
— James Ensor mais aussi mon arrière-grand-père, artiste au- todidacte qui peignait des copies de tableaux signés par des artistes de renom pour les offrir à ses amis.
Quelle est la phrase qui vous définit ?
— J'aime bien partir mais j'aime bien revenir.
Une question que vous vous posez ?
— Que voit-on depuis mon seuil ?
Une obsession peut-être ?
— Sortir les « non-sujets » de leurs anonymats.

Après s'être prêté à cet exercice, Thierry me propose un café dans sa cuisine qu'il a aménagée à son image, comme l'atelier ou le jardin, tout ce qu'il touche porte sa marque et son empreinte.
En prenant congé de lui, je parcours une seconde fois le chemin qui traverse les paysages, les maisons, les gens qu'il peint et qu'il dessine et je les vois autrement.
Désormais pour moi, ils sont indissociables de la signature de Thierry Grootaers.

Dominique Mathieu

Mon Colonnel & Spits

2024-04-27T20:22:06Z

La Province de Liège et son Service Culture en collaboration avec l'asbl Wégimont Culture propose de mettre en avant les artisans « Mon Colonel & Spit » afin de promouvoir un mouvement artistique contemporain liégeois.
À la galerie de Wégimont
Du 4 mai au 16 juin 2024
Vernissage le 3 mai 2024 à 18h30
Workshops organisés par le céramiste liégeois
Rémi Coppée les 4, 11, 18 et 25 mai 2024

Préface

Préface

Face à face, masques en grès émaillé, 2022

Le duo, formé d'Éric Bassleer alias Mon Colonel et Thomas Stiernon alias Spit, s'exprime au travers de masques, vases, sculptures et autres céramiques, souvent recouvertes de peinture, de dessins ou même de textes graffitis qui vous emmènent dans un monde pouvant faire penser aux bandes dessinées et aux personnages de dessins animés.
Leur travail se concentrant surtout sur le grès émaillé permet la confrontation de leur univers contemporain avec les techniques traditionnelles anciennes, tout en mettant en avant ces petites imperfections que d'autres tentent souvent de cacher.
Leurs masques, quant à eux, sont une invitation qui use du principe de « paréidolie » (l'art de voir des visages partout) pour qu'une fois émaillés et cuits, ils prennent vie pour le plaisir de chacun.

Cette exposition est le lien entre l'ancien et le nouveau, un voyage au cours du temps qui vous est proposé par Mon Colonel & Spit, durant lequel petits et grands assistent à la naissance de visages et de pensées parfois nostalgiques, souvent humoristiques, toujours sincères.
Alors n'hésitez pas à venir découvrir les œuvres de ces céramistes liégeois et/ou à assister à des ateliers qu'ils animeront dans un beau domaine calme et accueillant

Le Président du Collège provincial

Présentation

Présentation

Au cours des années 90, Éric Bassleer alias Mon Colonel (né à Liège en 1974) et Thomas Stiernon alias Spit (né à Liège en 1977) pratiquent le graffiti au sein du collectif liégeois « The ERS ». En 2007, à la suite de la dissolution du groupe, le duo d'artistes belges se forme pour devenir : Mon Colonel & Spit. Leur pratique artistique se décline à travers de nombreux médiums tels que le dessin, la peinture, la sculpture et la céramique. La plupart du temps, les œuvres issues de ces différentes techniques se trouvent rassemblées sous forme d'installations. Celles-ci sont le reflet de leur univers, fait de références du quotidien, à la bande dessinée, aux cultures populaires et urbaines, le tout baigné dans une joyeuse naïveté, empreinte d'ironie, d'humour et d'irrévérence.
En 2015, le duo remporte le prix de la Commission des Arts de Wallonie en présentant des poteries en terres cuites émaillées recouvertes de textes et de dessins semblables à leurs œuvres papiers. Ils commencent alors à fréquenter les cours des artistes céramistes Dominique Matagne et Gilette Fosty. En 2017, Mon Colonel & Spit exposent pour la première fois au musée MIMA à Bruxelles des sculptures ainsi que toute une série d'artefacts en céramique. Cette installation nommée « Show non merci » est la genèse de quarante ans de vie, de sensibilité artistique, de souvenirs, d'expériences et de rencontres qui ont fait d'eux des artistes. L'exposition devient alors pour le duo un réel déclencheur dans leur pratique, où l'art de la céramique prend une place presque exclusive.

Ensemble de masques en grès émaillé

« Leur travail, rempli d'une densité poétique sauvage et fertile, nécessitait simplement d'être fidèlement retranscrite pour partager ce que les artistes avaient à révéler au sujet de leur exploration de la céramique et des sources de leur créativité. Cette démarche, bien que plutôt académique, s'est révélée délicate, d'au- tant plus que les sculptures d'Eric et Thomas sont souvent teintées de légèreté, illustrant leur propension à s'amuser et à rire. » (R. Cruyt)

Depuis 2020, notre travail est surtout concentré sur la réalisation d'ensemble de sculptures en grès émaillé. Nous adorons confronter notre univers contemporain avec cette technique ancienne. Nos sculptures sont à chaque fois un clin d'œil ou une réminiscence à la bande dessinée, aux personnages de dessins animés, d'une œuvre brute ou anonyme ou encore des masques traditionnels et folkloriques. La terre est le prétexte au partage d'une même création, la forme est instinctive, l'émaillage est réfléchi même si c'est le four qui mettra le point final de cette rencontre entre nos deux univers et cette sculpture commune. Nous travaillons le « paréidolisme », l'art de voir des visages partout, entre nous. Chacun fait une forme en terre qui nourrit l'imaginaire de l'autre. Une approche formelle, que certains diront très simpliste, qui n'est en fait que le prétexte pour nous mener à l'émaillage et à la cuisson qui donneront vie à nos personnages. Cette homogénéité plastique nous permet de constituer des ensembles, véritables témoins de cette période de créativité. Nous aimons créer l'envie de collectionner, avoir tous ces masques, qui pourraient être le casting du prochain film d'heroïc fantasy, ou de science-fiction.

Ensemble de masques en grès émaillé

« Pour cette exposition nous présentons plus de 200 sculptures, masques et volumes. Tous ces visages qui nous avaient tant manqués, il est temps de les revoir et de tous s'y reconnaître, tous un petit peu. »
Il n'en reste pas moins que leurs œuvres sont de véritables miroirs de l'âme. J'imagine que l'amateur d'ethnographie y trouverait son compte. Leurs masques aux traits ahuris ont sans doute à voir avec les traditions carnavalesques ou les rites matérialisés dans les artefacts de l'Art Primitif. Il s'agit aussi bien du primitivisme que de la culture post-graffiti, de l'expressionnisme, de l'art brut ou encore de l'art pour enfants.
Les sculptures de Mon Colonel & Spit sont également des têtes coupées. Les plus grandes ressemblent aux atrocités de la Terreur française ou aux chasseurs de l'île de Bornéo ; les plus petites aux tsantzas des Jivaros. Leurs grands yeux cacheraient-ils une vertu apotropaïque ? La littérature — historique ou non — n'est pas avare de décapitations.

masque en grès émaillé

Les quelques catholiques qui hantent encore les églises du pays penseront à l'hagiographie des Baptiste, Paul, Denis et autres martyrs. Que dirait Antoine Wiertz en parcourant Chantecler, lui qui peignait pour la gloire et qui répétait avoir rencontré l'homme morbide qui se précipitait sous l'échafaud pour recueillir les pensées et les visions des suppliciés juste après leur décapitation ? Il faut aussi s'intéresser au rapport de ces « visages de pavé » avec l'histoire du portrait et de l'autoportrait.

Pierre Henrion

Historique

Plein pots

PLEIN POTS propose un one way ticket (plus mouvementé que SpaceX) aux confins de l'imagination de Mon Colonel & Spit, où les héros soviétiques partagent une Jupiler sur Tranquility Base avec Neil (et Laïka, somnolant sur ses genoux). PLEIN POTS narre l'épopée des gladiateurs de l'âge d'or de la Formule 1, ces boulimiques de l'exploit, au palmarès aussi légendaire que leurs répliques, et leur offre enfin, des casques à leur taille. PLEIN POTS témoigne des déambulations quotidiennes et des élucubrations nocturnes de Mon Colonel & Spit. Les mots débordent, saturent l'espace, confessent ce que la pensée obligerait à taire.
À l'image des « inscriptions sur les bancs d'écoles, des murs de prisons, des portes de WC ou des notes gribouillées en bas d'un carnet », les œuvres forment des tranches de vie cryptiques, dont seuls les artistes ont la solution complète.

Résidence Atelier Pierre Culot
L'Atelier Pierre Culot s'intéresse aux artistes dont l'univers touche de près ou de loin à la céramique. En juin dernier, ses responsables ont beaucoup aimé l'exposition du duo d'artistes Mon Colonel & Spitz, présentée chez Alice Gallery. Intrigué par l'univers créatif de ces deux Liégeois, à la fois généreux et iconoclaste, drôle et décomplexé, l'Atelier Pierre Culot leur a fait une proposition de résidence que le duo a acceptée. Celui-ci connaissait l'œuvre de Pierre Culot. Passionné par la céramique, Éric Bassleer s'est intéressé à son univers après avoir déniché, sur une brocante, un vase réalisé par l'artiste. À Roux-Mirroir, le duo a apprécié la tranquillité de la campagne, prenant plaisir à rencontrer les voisins et les habitants. Mon Colonel & Spitz ont également apprécié découvrir l'atelier et son histoire. Le vase Citroën l'a intrigué. Il s'agit d'une création réalisée par Pierre Culot pour le constructeur automobile français, en 1970. À l'époque, tout nouveau propriétaire d'une Citroën recevait ce vase en cadeau. On s'est demandé, précise Mon colonel, ce qui pouvait bien passer par la tête des gens lorsqu'ils recevaient ce cadeau. Le vase est à l'origine des cent pièces dessinées et réalisées par le duo pendant la résidence. Pascal Slootmakers, céramiste à l'atelier depuis plus de trente ans, a appris aux artistes la technique du moulage. Ceux-ci se sont amusés de certaines particularités du travail de l'émail, laissant sur les créations les coulures et autres traces inattendues, habituellement rejetées par les céramistes. Ils rejoignent là une manière de faire de Pierre Culot qui, lui-aussi, appréciait ces petits accidents liés aux charmes de la création. Cent vases ont été réalisés. Chaque pièce est unique. L'ensemble est hétéroclite, à l'image du travail du duo, mais chacune laisse entrevoir l'univers poétique des Liégeois.

Vases en faïence émaillée, 2016, collection de la Famille Royale de Belgique

Installation Lepidoptera

Les photographies réalisées sous la forme de polaroids,dans leurs déambulations quotidiennes, sont des éléments moins connus de leur travail qui illustrent, sous un autre angle, leur univers. Pour leur exposition au BPS22, le duo crée une cabane en carton dans laquelle ils invitent les visiteurs à pénétrer. À la manière d'un journal intime en trois dimensions, ils y partagent les instantanés de six semaines de voyages et d'aventures entre Liège, Paris, le Maroc et les États-Unis. Céramiques, poteries, polaroids et dessins aux pastels secs, crayons ou à la bombe sont déployés comme autant de moments éphémères de leur vie sauvage. Le titre de l'exposition, LepidoptERA (nom scientifique du papillon commun), est inspiré de ce que les artistes nomment des « moments papillons » en référence à la photographie instantanée utilisée comme base à leurs travaux, à la fugacité des moments partagés, à l'insouciance de la vie de bohème que vivaient les artistes à leurs débuts. LepidoptERA est aussi une invitation à pénétrer le cocon dans lequel se construisent l'œuvre et la pensée de Mon Colonel & Spit.